ROCK 'N' ROLL OUTLAW

HANK III, GHOST TO A GHOST

2012-02-15T19:08:00.006+01:00

Después del cuarto tema, Don´t ya wanna, sacado a fórceps de la peor borrachera del rodeo más pordiosero de Texas, viene un remanso de country maravilloso con Ray Lawrence Jr. a la voz (que son dos canciones en una, grabadas de forma improvisada en el autobús de gira de Hank III); es solo un ejemplo de como Hank III domina lo que hace, sin nada que lo ate más allá de sus propias idas de olla y su recién adquirida libertad discográfica, que le impulsó a editar el mes de septiembre pasado cuatro álbumes a la vez. Ghost to a ghost es más básico y más naturalista que anteriores logros del nietísimo, y con el tiempo lo considerarás a la altura de Rebel Within o Lovesick, broke & driftin´. Ghost to a ghost empieza con una signature song tan clásica en Hank III como Guther town, y termina, once estampas sonoras después, con una increíble oda fronteriza (con colaboración de Tom Waits y Les Claypool) que firmarían unos Calexico arrastrándose por la arena del desierto, moribundos y consumidos por la cirrosis, filmados por Sam Peckinpah. Ghost to a ghost se edita en un pack junto con Guther town, otro de los cuatro lanzamientos con los que Hank se ha desquitado esta temporada, pero me encuentro demasiado atrapado por Ghost to a ghost como para enfrentarme a su hermano, que se me antoja todavía más extraño y extraviado. Queda pendiente.

LAS PEORES DECISIONES DEL METAL: CELTIC FROST, DE LA VANGUARDIA AL POP METAL

2012-02-11T18:36:00.015+01:00

Durante la segunda mitad de los 80, innumerables bandas se sometieron a cambios radicales en cuanto a estilo e imagen, renegando en parte de su pasado y subiéndose a la carroza de la moda glam y el rock duro-blando imperante. Accept tiraron por la borda su prestigio germánico, se deshicieron del gran Robocop del metal Udo, y ficharon a un pintamonas norteamericano llamado David Reece, con la estúpida intención de petarlo en USA grabando un disco estilo Bon Jovi. Naturalmente, el movimiento fue su sentencia de muerte; Michael Schenker formó un efímero dúo con Robin McCauley, otro maniquí de saldo, y trató de entrar en el mercado comercial por la senda estética que estaba marcando el glam de Poison y los demás. Otro fracaso.

(Accept se tiran de cabeza al desastre. Adiós Udo, hola Jon Bon Jovi)

Me fascinan bandas como Krokus, auténticos rockeros con varios discazos a sus espaldas, que a mediados de los 80 fichan por un management nortemaericano (los llevaba John Kalodner) y se convierten de la noche a la mañana en una banda de pop metal sin sustancia y con pintas horribles. Como los anteriores, el fracaso les desmoraliza y desaparecen del mapa hasta la llegada de tiempos mejores.

(Krokus rozaron el éxito y se les fundieron las neuronas. Desde su cuadro de mandos, Mark Storace conduce a la banda al deshaucio)

Y cuántas otras bandas sufrieron el mismo trance. Eran los ochenta, la era Reagan, el triunfo del ultraliberalismo, y todos van a por su pedazo del pastel, en unos USA con miles de adolescentes de clase media, subyugados por la MTV y por un rock duro que de forma simplona y chabacana les decía que no estaban solos. Docenas de bandas, más o menos veteranas, decidieron dar la espalda a su base de fans procedente de los setenta o primeros ochenta, ignorar su estilo y autenticidad, y pintarrajearse como putas para encajar en la corriente spandex & laca, rezando para que la MTV les metiera en su rotación de video clips. Algunas veces funcionaba, otras no. Judas Priest hicieron el cambio en Turbo, Van Halen con el segundo disco con Haggar, Scorpions y Savage amusement, Whitesnake y 1987... Pintas más glam, música suavizada y masticada, especial atención a los clips y a un erotismo que nada entre el descampado urbano y Miami Vice. Pero de todos esos giros, en algunos casos a la vacuidad musical más triste, el que más me fascina es la pirueta mortal que dieron Celtic Frost. Esta banda suiza, que hasta 1987 había habitado en el underground metálico, estaba considerada como la vanguardia del metal, marcaron el camino a los estilos más extremos y fueron precursores del black metal, el trash y tantos estilos que sacudieron la música dura en los años venideros. Eran un mito intocable para los connoisseurs que consideraban a Maiden, Judas etc. metal demasiado aceptado por las masas.

(Una de las obras maestras de Celtic Frost. A reivindicar permanentemente Into the Pandemonium)

Tom "Warrior" Gabriel, líder de Celtic Frost era un tipo fascinante, terriblemente feo, creativo y valiente. Discos como el decisivo e influyente To Mega Therion (1985), con portada de H.R. Giger, e Into the Pandemonium son monumentos metálicos, de incalculable importancia histórica. Into the Pandemonium, por ejemplo, incluía samplers, violines, voces femeninas operísticas, y un metal pesado, denso, extraordinario y libre. Y estamos hablando de 1987. Celtic Frost, además, se habían formado a partir de Hellhammer, otros precursores del black metal y el death, a primeros de los 80.

(Celtic Frost, antes)

Con un currículum de esta guisa, en la cúspide de la vanguardia metálica, en 1988, Tom Warrior decide romper la banda para reformarla meses después y dar un giro total a su carrera. De repente, las pintas oscuras, satánicas de los primeros discos de Celtic Frost son sustituidas por un vergonzoso aspecto chabacano de glam rockers de extrarradio. Y así, tratando de parecer atractivos para las féminas los que antes eran las ratas negras del metal, dejan a los fans de Celtic Frost sin habla.

(Celtic Frost, después)

Y cuando entregan su nuevo disco en 1988, la cosa deviene ya en suicidio comercial y artístico en toda regla. Un metal pretendidamente moderno, aplicando mantequilla a las aristas del viejo estilo de Celtic Frost. Y lo peor, en la contraportada de ese disco, que llamaron Cold Lake, encontramos una instantánea de la banda con sus pintas más glammys (o lo que ellos entendían como glammy, parecían más unos malos imitadores de la Vinnie Vincent Invasion) ante la cual no hay palabras. ¿Qué pasaba por la cabeza de Tom Warrior, el que una vez fue gurú del metal con ínfulas artísticas? Perdieron a sus fans más fieles, su credibilidad se fue a la basura y ni siquiera consiguieron sus objetivos comerciales. Posteriormente, Tom Warrior no querría ni oir hablar de Cold Lake, y ni siquiera lo reeditaría en cd. Como los Kiss de The Elder, Celtic Frost ya tenían su obra maldita.

(Cold lake -1988- el disco que hundió a una banda mítica)

Y eso que Cold Lake no suena nada mal hoy en día, más que nada porque Tom Warrior ni queriendo es capaz de pasar por un hermano bastardo de Brett Michaels; aún en su peor momento creativo, habiendo perdido definitivamente el norte y queriendo pasar por lo que nunca serían, la música de Celtic Frost continuaba teniendo ese aliento frío y extraño, malsano. Lo único cierto es que Celtic Frost no se recuperaron jamás del batacazo, y tuvieron que pasar varios años antes de que la banda se reuniera de nuevo y Tom Warrior emergiera para las nuevas generaciones como uno de los pilares más influyentes del primer metal extremo. Hoy día nadie discute la importancia de la obra de Hellhammer y de Celtic Frost.

(Arriba, el denostado tour de Celtic Frost y su Cold Lake. Aquí rozando el ansiado éxito como cabezas de cartel en el Hammersmith Odeon. Los fans de toda la vida no podían soportar esas pintas y ese sonido. Hoy en día tampoco suena tan mal)

EL OÍDO MUSICAL DE UN BEBÉ

2012-02-08T20:02:00.005+01:00

Es curioso como, en el mundo ultra visual en el que vivimos, para un bebé la vista sea el sentido menos desarrollado, el más inútil. Tardan semanas en distinguir formas, en identificar objetos y personas por la vista. El oído en cambio, está más desarrollado desde los primeros días. O por lo menos eso es lo que noto con mi niña. Hoy un amigo me ha enseñado una aplicación para móvil que te permite montar tus propias ambientaciones musicales para relajar a tu bebé: pongo un fondo de "hoguera de campamento", le añado una melodía de "caja de música", un poco de sonido de viento lejano y unos cuantos pajaritos del bosque, y si me siento un poco surrealista, le añado el canto de monjes budistas, o el entrañable golpeteo de una mecedora mientras aúlla el lobo en las colinas. Y así construyes tu fondo musical para que tu pequeña se relaje mientras le cambias el pañal. Hoy ha colado, y le ha cambiado la cara con la melodía que le había montado, igual de ojoplática que yo cuando escuché por primera vez el Life after death de Iron Maiden. Lástima que a los cinco minutos haya decidido cansarse, pasar de la novedad, y optar por el clásico berrinche. Como su padre, que cada vez tiene menos paciencia con la música nueva, y si no le interesa lo que escucha, a los cinco minutos recurre a la calidez y la seguridad de un disco de Rory Gallagher o los Stones.

GARY MOORE, LIVE AT MONTREAUX 2010

2012-02-04T21:13:00.005+01:00

El blues de Gary Moore era bronco, de brocha gorda, blues de carga y descarga, de Área de Guissona, de torno, palé y hormigón. Su guitarra derramaba lágrimas de elefante, y la sutileza era sutituida por la traca y el petardazo. Pero hay algunos álbumes blues de Gary Moore que me gustan, como el que le dedicó a Peter Green, Blues for Greeny. De su etapa anterior, el mismo blues paquidérmico era hard rock fuerte, de sabores celtas, con inolvidables discos como We want Moore, inmenso directo, su mejor entrega en mi opinión, que fue Victims of the future o Run for cover. Con el tiempo se le perdonan sus años de blues para las masas, de algo había que comer, y si podía ser, sin soltar agudos imposibles. Pero cuando en 2010 Gary decidió girar de nuevo con Neil Carter a los teclados y coros (ahora calvo como una bola de billar) y recuperar su carrera hard rockera, todos nos felicitamos. Lo que suena en este directo desde Montreaux es un Gary tan bronco como siempre, saliendo airoso con temas exigentes como el inicial Over the hills and far away, y firmando en escena tres temas nuevos que no están nada mal. Su aspecto delataba que algo no iba del todo bien, recordaba a Rory Gallagher en los 90; ambos tocaban muy bien, pero de repente te los encontrabas hinchados como globos, evidenciando sus problemas de salud. Lástima que Gary muriera pocos meses después de este concierto (en un rincón tan lamentable como Estepona). Gary era un buen tipo, y no me caen los anillos al reconocer que ahora disfruto no solo de sus álbumes duros, sino del blues de Corte Inglés que se inventó luego y que tan rico le hizo.

CHRIS CORNELL, SONGBOOK

2012-02-02T19:30:00.004+01:00

Desde luego que este Chris Cornell es mejor que el Chris Cornell del último disco en solitario, y mejor que aquel que debutó (y nos convenció entonces) con Euphoria Morning, después de disolverse Soungarden. Enfrascado ahora en el retorno de la banda madre, Cornell recopila estas tomas sacadas de una gira acústica, y se nos presenta de nuevo en la senda que nunca debió abandonar. Podría haber sacado maravillosos y oscuros discos él solito con su guitarra acústica, lástima que optara por una carrera gris. Porque aquí I am the highway (Audioslave, por ejemplo, es una banda que ya nadie recuerda), Call me a dog o Fell on black days suenan austeros y serios, perfectamente desnudos. De un tiempo a esta parte, el legado de las bandas más masivas de Seattle anda en buena forma: Alice in Chains grabaron un increíble e inesperado disco hace un par de años, Pearl Jam se han quedado con la condición de banda clásica fruto de su trabajo de todos estos años, y Soundgarden apuntan a que están haciendo las cosas bien.

TARDE

2012-02-01T17:44:00.005+01:00

Ahí fuera el tráfico y la gente sigue acelerando, aquí dentro podemos permitirnos, solo por unos días, discurrir de otro modo. Marina se ha dormido encima mío un par de horas, mientras yo iba pasando canales, el informativo 24h de Televisión Española, y el informativo 24h de TV3, de uno a otro, adormilado, y la pequeña se mecía en mi respiración. Ahora se alimenta en el regazo de su madre. Voy pensando en mi niña, en como las cosas están cambiando, de momento, a un ritmo benévolo. Para nosotros, pronto será el momento de volver a gritar, a equivocarse y a acertar. Pronto volverá el deseo irrefrenable, llegar a casa con el parte de la derrota, o el del triunfo. Nos hemos vuelto más egoístas, y nadie sabe qué va a pasar. Lo único verdadero es que Marina está aquí, y hay que cambiarla, limpiarla, decirle cosas bonitas y palabras inventadas, cogerla cuando llore, darle de comer. Es una buena tarde para todo eso, y quedan un montón de cosas por hacer.

THE ARTIST

2012-01-22T23:46:00.005+01:00

Lo mejor es cuando sales del cine pensando que esa película que acabas de ver la han hecho para ti, y solo para ti. Supongo que con respecto a The Artist, miles de espectadores tienen esa misma sensación, como yo. Cine mudo (sigo adorando el mudo), el drama que significó para parte de la industria la transición del mudo al sonoro (recordad aquellas desternillantes escenas de Cantando bajo la lluvia), música (con fragmentos enteros de la partitura de Vertigo, de Bernard Herrman), dos actores principales que iluminan (tanto la sonrisa de Jean Dujardin, que me temo buscaremos en su futura filmografía, haga lo que haga, como la vida que tansmite la bellísima Bérénice Bejo), y una historia filmada, utilizando las viejas y sólidas artes del medio cinematográfico, para que te emociones, la mezcles con tus propios problemas, anhelos y dificultades, y como resultado, salgas pensando en que, a pesar de todo, hay esperanza. Eso se respira cuando bajan los títulos de crédito y se encienden las luces, se respira en toda la sala.

MAGICAL MISTERY TOUR

2012-01-20T22:07:00.008+01:00

He decidido que la banda sonora que rondará por mi cabeza cuando nazca mi hija será esta, Magical Mistery Tour, el disco de los Beatles que siguió al Sgt. Peppers. La agradable aunque tensa espera me induce a estos desvaríos. Probablemente estampe una blusita con esa divertida y marciana portada y se la regale. No hay una razón lógica, pero creo que esta es una buena banda sonora para transmitir a una criatura que a pesar de todo, el mundo puede ser alegre, loco, y con arco iris y tipos disfrazados de oso. Situado entre "el mejor álbum de todos los tiempos", según el tópico que nos viene dado desde niños, y el mítico doble blanco, no tantos se acuerdan de este oráculo del periodo psicodélico de los Beatles. En una cara, la impecable banda sonora del film para la televisión Magical Mistery Tour, y en la otra, cinco singles que sacudieron la conciencia del mundo, tío. Strawberry fields forever, piénsalo, Brian Wilson, borracho de Smile, balbuceó en su salón de Beverly Hills que eso, eso, era lo que él quería hacer, pero ya era demasiado tarde. La canción homónima que inicia el disco te pone tan de buen humor, no dejaba de rebobinarla en mi cinta de casete hace años, y ahora lo hago con el cd remasterizado, qué obsesión; y The fool on the hill, la siempre sorprendente I am the Walrus, Penny lane, el twist oriental de Baby you´re a rich man, el final con All you need is love... Razóname por qué este disco es inferior a Sgt. Peppers, yo no lo tengo tan claro, uno llegó antes que el otro, y se concibió de forma más unitaria, pero, cartas sobre la mesa, los dos merecen el mismo premio. Triposo, enrarecido, feliz, poético y magistral. Marina ya tiene banda sonora.

SONGS FOR A TAILOR, JACK BRUCE

2012-01-17T21:01:00.006+01:00

De Jack Bruce me quedo siempre con su voz. Emotiva, desprendida, no lo conoceremos en persona, pero su voz nos ha hecho sus confesores más íntimos. Songs for a tailor (1969, primera obra en solitario recién disueltos Cream. Chínchate Eric) es un disco rico y emotivo, como la voz de su autor. Una joya capaz de cambiar la vida de quién la escucha, un secreto que no vanalizas en conversaciones casuales con el "es de puta madre" de rigor; un disco que aprecias de forma personal, al que llegas como un explorador, como si nadie más supiera de su existencia, y al que plantas una humilde banderita que señala que ese es tu territorio y el de nadie más; como, pienso ahora, el White light de Gene Clark. En Weird of hermiston, Bruce canta "I'm going to a wedding, I'm going to a wedding dressed in black, I'm going to a party, won't be back". Qué gran canción, como todo el disco, rico en blues, jazz y experimentación. Con la extraña sustancia de las cosas por las que vale la pena vivir.

ROLLING STONES, SOME GIRLS LIVE IN TEXAS

2012-01-15T00:32:00.005+01:00

Sin duda este dvd es la guinda, o mejor, el gin tonic perfectamente servido, copa, piel de limón, hielo hasta arriba y Seagram´s, al achuchón que la Stones enterprises Ltd. le ha dado al periodo Some Girls de 1978. La reedición del disco ha sido un regalo, y este concierto filmado en Forth Worth, en la corta gira del 78 por USA, es uno de los documentos más espectaculares de Mick & Keith que te puedas llevar jamás a tu casa. Impresionantes planos, miradas, gestos, todo al detalle en un concierto de cuando todavía era posible tenerlos delante y olerles el aliento. Mick reina siempre, hiperactivo, chuloputas en clave NY, no para, incluso decide comerse al propio Keith en Happy, o reclamar el alma de Otis Redding en el final de Beast of burden, o rasgar la guitarra como el mejor roadie de Johnny Ramone. Keith es la máquina y el corazón, el sistema nervioso de la banda. Verlo tocar la intro de Honky tonk women sin su púa, o coser esos solos tan absolútamente cool es un tesoro. El resto de la banda, Ronnie soporta con guasa las bromitas de Mick, y se dedica a coger las colillas del suelo y apurar los pitis, Bill coloca su bajo tan en vertical que parece que esté meando detrás de un pino, y Charlie le da a Keith toda la gasolina que este necesita para que la máquina no pare. Muy cañeros, muy eléctricos, menos carnavalescos que en anteriores giras de los 70, chulos hasta decir basta (Mick es especialista en invitarte a la fiesta y luego ni mirarte a la cara). Da gusto refrendar mis votos stonianos con productos así.

MILDRED PIERCE

2012-01-12T21:25:00.005+01:00

Ante los bajones de calidad que experimentan muchas series temporada a temporada, y esa forma de consumirlas, cepillándonos una docena de capítulos en dos días, sin dar tiempo a reposar ni ilusionarse por el qué sucederá, tenemos el formato miniserie, que es más conciso y no da tiempo al agotamiento, la falta de ideas o el empacho. Los cinco capítulos de Mildred Pierce adaptan la novela del gran James M. Cain; una historia de superación y crueldad, con tintes de tragedia griega, en los USA de la Gran Depresión. Y sobre todo, una dirección cuidadísima de Todd Haynes (un director dado a facturar bellas porcelanas como aquella Lejos del cielo) y una espectacular, como siempre, Kate Winslet, que entiende y vive los personajes como nadie.

BRUCE DICKINSON, TATTOOED MILLIONAIRE

2012-01-09T23:32:00.004+01:00

Siempre he admirado a Bruce Dickinson. Como tantos otros chavales, entré en el mundo del heavy de la mano de Live after death, los "scream for me Long Beach!", 2 minutes to midnight y aquellas canciones me dejaron boquiabierto. No podía creer lo que estaba escuchando. Tantos años después, Iron Maiden siguen haciéndome perder la cabeza, y Bruce sigue siendo importante en mi vida. Su carácter polifacético, ahora escribo, ahora me dedico al esgrima, ahora piloto aviones, es algo que me ha alejado un poco de él, por el tonto pensamiento de que eso le separaba de la música, de tomarse en serio la música. Pero Bruce se ha negado a conformarse con su papel de más éxito, y no ha parado quieto nunca, guste o no. Ahora, él y los demás Maiden tienen montada la mayor fábrica de divisas del metal actual, y planean cada movimiento, gira y disco con inteligencia. Los últimos diez años de la doncella deberían ser estudiados en las escuelas de negocio. Sin perder credibilidad (su verdadero valor de marca), han extendido el negocio sin parar y sin quemarlo, y disfrutan ahora de un éxito cómodo, intergeneracional y universal que jamás habían soñado. Estoy escuchando estos días el primer disco en solitario de Bruce, aquel Tattooed Millionaire del 1989 que engendró la sospecha de que este hombre no terminaba de estar a gusto sometido a la dictadura del torie del metal, Steve Harris. Luego vino su desmotivación general en el escenario y finalmente su marcha de Maiden, con aquella penosa última gira de despedida en el '93, el peor momento sin duda en la carrera de Dickinson. Tattoed millionaire se disfruta ahora con gran facilidad. Es un heavy-hard rock muy gustoso, sin el ritmo trotón de la doncella, más dúctil, melódico y potente, como le gusta a Dickinson. Grandes temas y a la guitarra el futuro Maiden Janick Gers. La reedición en 2 cd´s incluye tomas en directo y el Bring your daughter to the slaughter que Bruce compuso para la quinta parte de Pesadilla en Elm Street, y que luego grabaron Iron Maiden en No prayer for the dying, convirtiéndolo en un hit. Quizás me anime a seguir hablando de los demás discos en solitario de Mr. Dickinson, por ahora os dejo con el menos pretencioso de todos (aunque el último que grabó, Tyranny of souls, sigue esa vena de facturar un buen disco sin complicarse la vida). Aunque tenga de vez en cuando algún momento insoportable, Bruce sigue siendo uno de mis héroes.

DE TAPAS EN LA CAÑOTA

2012-01-07T22:07:00.005+01:00

A punto de ser padre, voy diseñando mentalmente el mapa de restaurantes que me hará ilusión visitar con la pequeña. El ego de un padre puede ser monumental, y uno se imagina enseñando a su hija las bondades de la barra del Coure, o de un concierto de Iron Maiden. Pura fantasía, mejor empezar siendo prácticos, posibilistas. Un local que caerá sí o sí en algún momento de algún fin de semana es la Cañota, calle Lleida casi con Paral·lel, guasón restaurante de tapas de los hermanos que llevan el Rías de Galicia, clásico entre los clásicos del mejor pescado en Barcelona, y quienes se han asociado hace bien poco con el imperio Adrià para perpetrar el restaurante más chipiguays de la ciudad, el Tíkets. Recomiendo un mediodía de tapas en la Cañota, con buena conversación y el diario bien cerquita. El local es divertido, con ilustraciones tipo cómic decorando las cristaleras, el ambiente distendido, combinando lo típico con la modernez Tíkets más desenfadada. Y las tapas son excelentes. Ya el pan con tomate, que te haces tú mismo, pone de buen humor a cualquiera, y más si encima extiendes una deliciosa anchoa. Las bravas están hervidas, nada de fritanga, y una vez te acostumbras (al segundo bocado) concluyes que son buenísimas, y que en Barcelona hay mucho mito con las bravas de tal o cual local; estas son de notable alto. Las croquetas de bacalao son golosas, repites seguro. Y la mini empanada de sardinillas, una delicia. La cañita está a un euro, y puedes alargar la comida hasta el pulpo o el cochinillo, que es asignatura pendiente para nuestra próxima visita. Muy recomendable.

METALLICA, 30 ANNIVERSARY SHOWS...

2012-01-05T14:42:00.009+01:00

Si se trata de darte un poco de autobombo y recordarte que has sido la banda de metal más importante de los últimos 30 años, será mejor que lo hagas con estilo y cuidando a quienes verdaderamente te han situado donde estás: los fans. Eso habrán pensado Metallica cara a celebrar su treinta aniversario, a primeros de diciembre del 2011. Cuatro conciertos -que amablemente han colgado en la red para descarga- en el Filmore de San Francisco, fans de todo el mundo entre el público, contacto cercano banda /público, y mucho más que una simple actuación. En cada una de estas maravillosas cuatro noches Metallica han interpretado temas oscuros de su discografía + versiones de todo tipo (tuvieron que ensayar hasta 80 temas distintos), han bromeado e improvisado con el público y sus propios colegas, roadies etc., han homenajeado a Cliff Burton, y han rendido pleitesía (algo que Metallica siempre ha hecho) a sus principales influencias, invitando al escenario a Ozzy, Geezer Buttler, Biff Byford de Saxon, a King Diamond y Mercyful Fate (emocionante para mi ver a King recuperado, al menos en parte, de su enfermedad), al mismísimo Dave Mustaine, a compañeros trashers como Death Angel, a Rob Halford, Glenn Danzing... Sí se trata de marcarte un autobombo celebrando tus tres décadas en el negocio hazlo así, déjate de macro conciertos y estadios de fútbol. Metallica siguen recuperando credibilidad y haciendo las cosas bien: Grandes conciertos, Death Magnetic, Lulu (aunque ahora quizás se arrepientan de haber grabado con Lou Reed), y finalmente esta perfecta forma de cumplir los 30. Hetfield está como un coloso, con una imagen fantástica, y los demás hacen lo que han de hacer, lástima que ya no esté Jason, y sino visionad su interpretación de Whipash en la cuarta noche, lo echaréis de menos.

Aquí un resumen del segundo concierto, con la reunión de Mercyful fate por todo lo alto...

Y el cuarto, del 10 de diciembre. Con Ozzy, Geezer, Death Angel, un Metal militia junto a Mr. Mustaine...

BICICLETAS POR LA CIUDAD

2012-01-02T23:03:00.005+01:00

Terrible accidente ayer en Barcelona. Una mujer murió arrollada por un camión cuando iba en bicicleta por una calle del Eixample. No conozco las causas exactas del accidente, pero me aterroriza la mezcla bicicletas y ciudad. Mi experiencia es nula con el Bicing o similares. Tengo una amiga que se hace un tourmalet increíble cada día para ir a trabajar, y se le nota, porque está en forma y da gozo verla, pero yo no puedo. Ni lo entiendo. Cuando veo al típico padre modernillo llevando a su hijo en la parte trasera de la bici en medio de la calle Pau Claris, me dan ganas de bajar de la moto y darle de ostias. Tan poco respeto a la vida, a la suya y a la de su hijo. Esto es una ciudad, una jodida ciudad en la que en bici estás indefenso ¿cómo arriesgas la vida de tu hijo? A diario, cientos de personas cogen el Bicing, muchos diez veces más patatas que yo pedaleando, y los ves circular como florecillas silvestres por las calles más malas de Barcelona, saltándose semáforos, ignorando su propia vulnerabilidad, sin casco y sin precaución. Por supuesto que la culpa de esta inseguridad también la tienen la imprudencia de los conductores, que invaden los carriles bici o giran sin mirar, pero a ellos no les pasará nada si te dan un toque. No estamos en Amsterdam ni en Berlín. Esto es la sucia y caótica Barcelona ¿qué pintan las bicicletas por ahí en medio?

FIN DE AÑO

2011-12-31T15:57:00.006+01:00

Lejos quedan ya las nocheviejas decadentes en macrofiestas, o innombrables saraos organizados en alguna casa privada a la que te llevan no sabes porque razón. Ni me gustaban antes las farras de fin de año ni me convencen ahora. Tampoco me gusta demasiado el día de mi cumpleaños. De joven me asustaba la obligación de desfasar, el estar hablando de la farra de fin de año desde meses atrás, y las fiestas estúpidas a las que iba y en las que realmente no quería estar. Total que la función terminaba con un ciego malo malo, de esas cogorzas feas y sin sentido. Bueno, ahora la nochevieja es más casera. En los últimos años hemos salido de forma relajada después de las uvas, o directamente nos hemos quedado en casa. No faltan nunca los gin tonics. Pero esta es una noche que se me atraviesa. Los precios exorbitados, los saraos y el desfase masivo (que me aterroriza), aunque lo vea desde la terraza de casa. Salir a cenar es una aventura que puede costarte medio sueldo, quedarte en casa es una media tinta, aunque lo solucionas si arreglas una cena que valga la pena. Y no me puedo quejar, solemos apañar bonitas veladas. Para el año que viene lo tenemos claro: cogemos perros, niña y amigos y nos vamos de casa rural. Con la calma pero bien.

UN DIOS SALVAJE

2011-12-29T21:33:00.005+01:00

Polanski ha filmado Un dios salvaje sin intención de huir de su original teatral, a excepción de los planos que abren y cierran el film, necesario el del principio, irónico el del final. La película es un regalo para sus actores, envenenado en el caso de Jodie Foster, que se pasa y no me convence, y adecuado para la siempre luminosa, cada vez mejor Kate Winslet, y un Christoph Waltz al que da gusto paladear, aunque le va a ser difícil huir de su condición de "cazajudíos" ganada apulso con Tarantino, y más si él no pone nada de su parte. Rápida, como digo irónica, deviene en comedia más al uso a partir de que sus cuatro personajes empiezan a ingerir scotch de 18 años, a media película. La conclusión es la esperada: los conflictos de nuestros hijos son un reflejo de nuestras contradicciones, miedos y bajezas. Casi que mejor que los niños se eduquen entre ellos.

MEJORES DISCOS 2011. MI LISTA...

2011-12-25T14:18:00.013+01:00

Este ha sido un año en el que he reducido drásticamente el número de entradas publicadas en mi blog. Publico cuando me apetece y puedo, supongo que como todos, pero asustan esos periodos en los que pasan días y días y no apetece o no puedo publicar nada. Sientes como que los demás, los otros blogs, la actualidad musical, te dejan atrás y te sientes un poco culpable. Pero en mi blog mando yo, aquí hay garantía de que las cosas se hacen a mi manera. Empecé publicando durante un montón de tiempo una entrada diaria, sí o sí, y ahora hago lo que puedo cuando puedo y quiero. Como no nos pagan por esto, podemos permitírnoslo. Pero está bien así, Rock n´roll Outlaw sigue con vida, a veces le fallan las bujías o simplemente se le acaba la gasolina, nada que no pueda solucionar un buen mecánico del ego por unos cuantos pavos. Y gracias de nuevo a todos por leerme, por supuesto.

Han habido años en los que no me ha interesado pensar en listas de mejores discos, esta vez toca que sí. ¿Qué discos me han marcado más en este 2011? Como siempre, soy incapaz de valorar si ha sido un año bueno o malo. Eso es tan voluble, depende principalmente de lo que hayas escuchado con una mínima atención, teniendo en cuenta como estabas tú mentalmente cuando escuchabas cada disco, lo que te han influído otros medios, otras opiniones, los discos de los que has opinado pero que ni siquiera has escuchado... Un coñazo vaya, quizás en 10 o 20 años, mirando atrás, podamos ver si 2011 fue un año bueno musicalmente, comprobando si quedan discos con cualidad atemporal, suficientemente fuertes y geniales como para permanecer décadas después. Mientras, este 2011 habrá sido ligeramente mejor o ligeramente peor que el 2010. Nada ha revolucionado el rock n´roll y todo sigue igual de mal, basicamente.

Por mi parte, los discos que me han convencido más han sido los que me han dado densidad emocional, profundidad y conocimiento. Pordía decir que esta es una lista de un tipo de 35 años. Por eso el Low country blues de Gregg Allman sería una buena opción como número uno. Lo manoseo a menudo, me pierdo en el camino mojado de la portada y me siento conmovido por sus canciones y su blues señorial y un punto oscuro, como una mansión abandonada en los alrededores de Nueva Orleans, con ecos de voces que ya no existen, con madera crujiendo, humedad en las paredes y frio.

Un posible número dos sería el repaso aéreo, nostálgico y terrible, soñador, que PJ Harvey le hace a su querida Inglaterra. Let England shake tiene una sonoridad mágica, su autora está en plenitud, y es tan maestro como el mejor disco de PJ Harvey en el que puedas pensar.

Sigo con el tres. Pienso últimamente que Gillian Welch nos ha regalado una pieza maestra sin hacer ruido, como es propio de ella, casi a escondidas. Supongo que Gillian no es de las que está rodeada de tíos en las fiestas. Con la decisiva aportación a la guitarra solista de David Rawlings, The Harrow & The Harvest para el tiempo con temas como Tennessee, folk a camara lenta, cadencias y matices, brillos y un estilo propio y particular que no admite distracciones al oyente.

¿El cuarto? ¿Qué tal si reivindico que el segundo de Black Country Communion es mejor que el primero, que me deja sin aliento, y que es lo más Purple que puedas escuchar sin que sea Purple? La convicción de Glenn Hughes en lo que está haciendo es una lección para todos. Estamos hablando de un señor que pasa de los 60 y que en temas como Smokestak woman no tiene rival. Los demás le siguen el ritmo, y aportan calidad, pero todos están en función de la determinación del jefe. Que dure.

El quinto, y con el quinto ya termino, se lo concedo ex aequo al Dirty Jeans and Mudslide Hymns del autor clásico que hoy día ofrece mayores garantías. Sólido desde hace ya no sé cuantos discos, John Hiatt ha compuesto uno de los temas del año, Hold on for your love, y un disco excepcional.

Y el otro quinto es un disco de música americana perfecto, el American Goldwing de Blitzen Trapper, una obra que puede despertar vocaciones como hacían discos como el Being there de Wilco o el Tomorrow the Green Grass de los Jayhawks. Memorables pasajes de rock tradicional reposado, como el que va de My home town a Astronaut, una secuencia extraordinaria de canciones que me sacan a golpe de arado de la sucia Barcelona.

Y estos serían mis cinco. Luego hay más (Wilco ¡King Kobra!, espléndido Warren Haynes, Tedeschi & Trucks, Hot Tuna, Lucinda, Buddy Miller & The magestic Silver Strings, Nick Lowe, Joe Henry...), referencias que han marcado este año de igual forma que las cinco que he citado. En el otro lado, pocos discos que me hayan decepcionado, pues amigos, con la edad ya sabes donde eres bienvenido y donde te van a echar a patadas.
Para terminar un último premio. Me despido con una de las canciones del año, por lo menos en mi casa. The old magic, el disco de Nick Lowe, merecería estar en el número uno de mi lista, pero así como para hacerlo más variado, le concedo esta vez al maestro de la nostalgia, el good taste y la tristeza canosa y con retranca, el premio al mejor momento musical (extensible a mejor letra). Quién no ha sentido alguna vez que aquella casa donde todo era felicidad y amor ahora está que se cae, y todo es tristeza, goteras y frio. La buena música nos recuerda que todo es pasajero, que las cosas siempre pueden empeorar, y que a pesar de la pena y de todo, eres el director de tu propia película, y puedes cambiar, poner la casa en venta, coger tus cosas y largarte en busca de tus sueños. House for sale...

JOHNNY WINTER, ROOTS (2011)

2011-12-18T20:42:00.006+01:00

Los fans de la música solemos reirnos de los ídolos, me refiero a los viejos y carcamales ídolos que viven una vejez profesional más bien precaria. Parece que nos guste más que se retiren, y el hecho de verles ahí, todavía en la trinchera, nos hace partirnos de risa. Hoy en día no puedes hablar con casi nadie de Johnny Winter, porque en seguida sale el tema de su decadencia, de que toca sentado, de que es un amasijo de arrugas y que está casi con los dos pies en el otro barrio. Por supuesto, el mismo Johnny retirado merecería todos los elogios, pero como digo, a muchos les cuesta aceptar a una leyenda maltratada por la vida y por él mismo tratando de seguir con su carrera. Bueno, allá ellos. Yo me limito a disfrutar de Johnny Winter a tiempo completo, postrándome de rodillas ante Second Winter una vez al mes, y degustando ahora su última entrega discográfica, un compendio de blues de corte y confección, con una bonita lista de invitados entre los que destaco a Derek Trucks, la señora Tedeschi, Edgar Winter, Warren Haynes y la absolutamente deliciosa armónica de John Popper. Sabemos lo que hoy día puede ofrecer alguien como Johnny Winter, por eso no esperemos que derrape con Further on up the road, o que se salga de la tangente en Got my mojo workin´. Pero aquí hay calidad -y es un disco manejable, fácil de escuchar-, y una cierta dignidad.

THE ROLLING STONES, SOME GIRLS

2011-12-14T21:43:00.011+01:00

Poco puede uno extenderse ya ante un disco como Some Girls. Los Stones más enérgicos, sucios, divertidos y nocturnos. Neoyorquinos, como se insiste en las notas de esta sorprendente reedición. Pregúntame en diferentes momentos del día y te diré que mi tema favorito del disco es uno u otro. Todos son necesarios, desde la movida disco de Miss you, a los arañazos punk -con Mick añadiendo guitarra eléctrica- de los que nunca me canso (Lies, When the whip comes down, Respectable...), el rinconcito entrañable de Keith con Before they make run, el cachondeo de Some girls, la comedia irresistible del gospel-country Far away eyes, la balada clásica Beast of burden, con ese riff que es como un buen amigo compartiendo barra de madrugada... Pero la sorpresa mayúscula han sido los temas no editados oficialmente del periodo Some Girls, añadidos en el segundo cd, y debidamente limpiados para ser presentados en el siglo XXI. Ahí, sus majestades han ido a lucirse.

Este cd, amigos, es la mejor noticia Stone en años. Hace días que en casa se tiran cohetes y la cerveza corre libre, y hasta mi hija, a punto de nacer, lo celebra con sombrerito de cowboy y batido especial. Claudine abre el espectáculo, sobran las palabras, luego prueba con la hija nunca confesada de Dead flowers que es Do you think I really care, la maravilla de When you´re gone, una guarrada blues que merecería un artículo por si sola; el Keith, acariciado por la armónica de Sugar Blue, que te deja hecho un trapo viejo, como los mejores tiempos de You got the silver, en ese We had it all, que tan bien interpretaba Dylan en sus giras de los 80. Esto es material sensible, han abierto la caja fuerte y en vez de robar, nos han dejado un regalo. Doce canciones que te sacan a golpes de la actualidad musical. Mick canta Tallahesse Lasse de forma magistral, I love you too much está perfectamente confeccionada y con madera de clásico de la banda, Keep up blues te recordará porque no existían blancos que fueran tan blues como los Stones, menuda armónica, menudo feeling, y cómo empieza, qué clase. Añádele el blues final de Mick él solito, Petrol blues. Some girls ya era inmenso antes, pero ahora te obliga a dejarlo todo y concentrarte en estos dos cd´s durante las semanas que sean necesarias. Me hago mayor, desconfío de los desconocidos, por eso, cuando algún viejo amigo vuelve a llamar a mi puerta de esta forma, ya digo, lo dejo todo y me voy con él. La noche vuelve a ser larga, la música te habla, vuelves a encontrarle sentido a esto de escribir sobre canciones y grupos. Por eso lo haces, para subrayar lo que sientes, para acordarte de que esto te gusta y es una parte importante de ti. Para dejarte de información, de datos y de esnobismos, y poner las tripas encima de la mesa. Ahora, si no os importa, vuelvo a reunirme con Claudine y las demás.

SENNA

2011-12-11T23:22:00.004+01:00

Senna es un documental ejemplar. Consistente, sintético, no abre teorías sobre el personaje que después no pueda cerrar. Y es respetuoso con un mito, su dimensión personal (con su carácter religioso en primer plano), profesional (un piloto diferente que reivindica la autenticidad del deporte) y social (el héroe de Brasil). Cuando estaba vivo y pilotaba, Ayrton Senna me parecía un loco y un prepotente, yo era más de Alain Prost, que era un tipo menos rebelde. Ahora ya sé que la del francés y el brasileño, eternos rivales, es una historia más cercana a la de Salieri y Mozart. Me alegra también comprobar que ese rostro, el de Senna, sigue siendo tan atractivo y misterioso años después. Cómo no confiar en un piloto con esa mirada. El film maneja jugosas imágenes de archivo, con un Senna inconformista luchando contra los poderes fácticos -la política- de la F1, representados por el insoportable Jean-Marie Balestre, aunque ciertamente, el del motor es un mundo lleno de pinzones sin escrúpulos, que con la cara ya pagan: Ecclestone, Briatore, Mosley... Documental perfecto también para los que recordamos mediodías de domingo con aquellas carreras sin electrónica ni toda la pajillería mental que tiene la competición actual, la cual me parece lo más aburrido del mundo.

SACA A PASEAR TU MÚSICA

2011-12-08T21:15:00.007+01:00

Sí, hay que sacarla a pasear. Hace tiempo ya que decidí que paso de estar encima de todas las novedades, todos los grupos que debes conocer, y toda la radiante actualidad. Se acabó. Me quedo con un poco de esto y un poco de lo otro, y algunas semanas ni eso, y punto. Luego está lo de cómo escuchar cada disco que escoges entre los millones que se editan al mes. En casa, en la cocina, en el despacho o en el salón está bien, porque es lo que tienes a mano en el día a día, pero ninguna sala de audición perfectamente dispuesta con la máxima tecnología y confort, supera el paseo nocturno a la perra, discman en mano. Es entonces cuando puedo enfocar la sensibilidad necesaria para la música, más que emparedado en casa, hundido en el sofá. La música es movimiento. El rock n´roll es música para bailar o no, pero siempre es música cinética, que te llega cien veces más cuando te mueves. Pasear es una actividad que invita a apreciar el buen rock n´roll, o como hoy, salir con el coche a la montaña. Llevaba en la guantera el nuevo disco de Blitzen Trapper, el Outlaw Carnie de Bob Wayne y el Patchwork River de Jim Lauderdale, y os puedo asegurar que he descubierto matices que no me habían llegado antes, escuchando estas canciones en la cocina de casa. La música que amas puede pedirte sonreír, gritar, beber, fumar o follar, pero el rock n´roll también funciona con un buen paseo.

JOAN JETT, STONES, STAR STAR

2011-12-05T23:44:00.005+01:00

A cuento de la reedición de Some girls, de la que espero escribir en un par de días, repaso algunos de mis temas fetiche de los Stones setenteros. Star star, o Starfucker, es uno de mis favoritos, el tipo de canción secundaria, nada que ver con Brown sugars y demás, que yo emparento con otras delicias como Hand of fate o All down the line -hablo de temas rockeros- canciones definitorias de un estilo y una actitud, jodidamente sucia y pendenciera, la de los Stones en su momento de máximo poder, los 70. Me alegra descubrir que Joan Jett interpretaba este tema a primeros de los 80, con esa fuerza directa y sin tonterías. Nadie como Joan Jett para darle el sello de calidad a una canción. Los Stones por su parte, interpretaron el tema en su gira del escenario desplegable en forma de pétalos con el famoso pollote hinchable, y ya en la gira Some Girls, lo hicieron más al asunto, sin polla de goma. En cualquiera de las versiones, se habla de lo mismo, la poética de los coños macerados a base de fruta fresca, las polaroids guarras y las señoritas que se follan a las estrellas. Lo nuestro.

LOU REED, BERLIN 1979

2011-12-04T22:43:00.010+01:00

Lou Reed entró en mi vida cuando tenía 11 o 12 años, via Transformer, y poco después via uno de los directos más diabólicos y crudos de la historia: Take no prisioners. Cuánto me costó entender un disco como ese doble directo en el que un tipo, Lou Reed, no paraba de lanzar improperios (o por lo menos eso me parecía) a todo dios, alargando las canciones hasta lo insoportable; era como una fiesta en el infierno, la maldad más absoluta girando en mi tocadiscos al volver del entreno de baloncesto. En eso sí que me sentía diferente a los demás. Y el disco seguía sonando, y yo no entendía nada, pero sabía que ahí dentro se fumaba, se insultaba y se hacían cosas peores, y de vez en cuando sonaba algo parecido a Sweet Jane o a Walk on the wild side, con contundencia y mala leche. Me encantaba. Escuchando ahora un bootleg en directo desde Berlin, de 1979, un año después de Take no prisioners, me doy cuenta de que por entonces, sobre un escenario, en el mundo reinaban dos o tres bandas, pongamos que una era la E Street Band, quizás otra sería Mink DeVille y los suyos, y qué tal si la otra fuera Lou Reed y esa banda de infames a quienes no conozco, que incendiaban cada ciudad con una energía eléctrica brutal. Realmente hay que escuchar al Lou Reed de este periodo para darte cuenta de lo que podía llegar a ser este adicto cuando tenía suficiente rabia y, supongo, alcohol y demás, en el cuerpo. Podéis encontrar facilmente el bootleg en internet, a ratos suena a rayos, pero con auriculares a todo volumen la cosa mejora. Concierto largo, versión de 25 minutos de Waiting for my man, a modo de blues de cloaca tremendo, hasta algo tan dulce como I´ll be your mirror acaba siendo un crescendo eléctrico monumental; como digo, mucha electricidad, y un Lou que, al acometer la obsesiva Street Hassle (y años antes de las rabietas del ridículo Axl), amenaza al público con largarse si alguien más lanza algún objeto al escenario. Música en llamas. Aquí os dejo la tremenda Coney Island Baby de Berlin '79

UNA CANCIÓN HORRIBLE

2011-11-29T23:22:00.007+01:00

Un amigo colgaba ayer en Facebook el nuevo single de Bebe, y linkeaba una entrevista que ya había leído ayer por la mañana, pero a la que, una vez escuchada la canción, he dado todo el sentido. Que triste cuando todavía hoy intentan colarte bazofia como mercancía para el futuro, música que abrirá puertas y tenderá puentes y todo eso. Vale la pena escuchar este tema, aunque sea solo para darte cuenta de que, todavía hoy, tratan de venderle la moto al gran público con esa desfachatez. Aunque es comprensible, ahora es más fácil, nadie se juega ya su dinero por un disco. Colar mierda en el mercado es hoy más sencillo que nunca, al contrario de lo que opinan los grandes defensores del cachondeo de la cultura gratis. Si la cultura no se paga, la mierda también es gratis, y consumirla ya no duele. A todo esto, es fascinante ver como esta cantante pierde los papeles de forma tan espeluznante y como los medios y redactores que cobran, la apoyan de forma tan abnegada.

BLITZEN TRAPPER, AMERICAN GOLDWING (2011)

2011-11-27T22:07:00.007+01:00

No viene a cuento, pero me gusta un poco de demagogia barata, siempre que venga de mi. Quiero decir, ¿por qué tanta fiesta con Fleet Foxes? Para mi esta banda se acabó cuando me harté de su primer disco, que tenía tres grandes temas y mucha, mucha morralla neo-folk-pastorets. Luego les cuelgas la etiqueta de banda para modernillos y les coges manía. Es natural. Me gusta tener alternativas cuando veo que bandas así triunfan de forma tan fácil. Demagogicamente hablando, Blitzen Trapper es una de mis alternativas, y eso que son amigos de Fleet Foxes y han girado juntos. Los firmantes de este dulce American Goldwing llevan algunos años en ello, y han catado el favor de público y crítica con sus últimos discos, pero están a un mundo de lo que mueven bandas como Fleet Foxes. Sé que es fácil enamorarse de temas como Fletcher, Love the way you walk away y tal, pero yo siempre me he considerado enamoradizo y tontorrón, así que no hay problema. Blitzen Trapper son una banda con las bases bien cimentadas, que disfruta jugándosela en ese punto cardinal donde el rock y el country tararean la misma canción, aunque donde muchos facturan americana al uso, ellos retuercen el sonido y la melodía, y lo hacen suficientemente personal como para que paremos y escuchemos (Your crying eyes, por ejemplo, suena a berbena eléctrica meses antes de Altamont); y luego en My home town vuelve el espíritu de Gene Clark, y yo me siento como en casa, o Astronaut, que es otro tema que me gana, y que un Elton John via Tumbleweed Connection habría incluído gustoso en su repertorio. Me gusta sumarme a los parabienes que dedican mis amigos bloggers a este disco. Estamos de acuerdo, chicos.

HACIA EL PARTO

2011-11-26T23:52:00.006+01:00

A medida que me acerco a la fecha del parto, trato de alinear los distintos aspectos de mi vida de tal forma que todo esté en orden el día que Marina nazca. Casi todo sucede de forma natural, en estos meses soy más consciente de lo que puedo aprovechar de bueno de mi mismo, y también de lo que tengo que mejorar. Los hombres no vivimos el proceso de embarazo fisicamente, pero sí que por ello tenemos la oportunidad de vivir estos nueve meses de forma más espiritual. Observando los cambios, las sensaciones de mi pareja, analizo cómo estoy yo, miro atrás y veo el camino recorrido y procuro ir dejando en el arcén las tonterías que muchas veces me han robado demasiado tiempo. Tener un hijo, como las cosas importantes de la vida, es tener una oportunidad.

IAN GILLAN BAND, PROG ROCK + JAZZ ON THE ROCKS

2011-11-24T21:58:00.007+01:00

He de decir que Live at Budokan, el doble directo de la Ian Gillan Band editado en 1977, es uno de los directos "perdidos" de los 70. Así como la primera parte de la carrera de Big Ian una vez decidió reengancharse a la industria musical dos años después de haber abandonado a Deep Purple. Child in time, el muy destacable Clear Air Turbulence y Scarabus, y este directo, son discos sorprendentes, amorfos y raros, raros. Estamos hablando de Ian Gillan, nuestro bebedor favorito, quién se unió a un grupo de músicos empollones que lo llevaron a grabar rock fusionado con jazz, en una apuesta radical y estimulante de la que nadie quiso saber nada después. Borrón y cuenta nueva, y cuando Ian recapacitó y vio que lo suyo era el rock n´roll de bar, se deshizo de los empollones, conservó al teclista Colin Towns y mató cualquier duda con el fantástico Mr. Universe, ya con el nombre de Gillan a secas, dando comienzo a una carrera de cinco años repleta de grandes discos directos a la entrepierna, con olor a posavasos mullido y a pinta de Guiness.

Pero este disco, Live at Budokan, me encanta. Lo tengo desde hace años en doble vinilo, y lo disfruto ahora reeditado. Como he escrito tantas veces, a Gillan le aplaudo hasta los balbuceos y tonterías entre canción y canción. Live at Budokan es prog rock + jazz en largos temas (Money lender por ejemplo, no está nada mal), con una buena química entre la pericia instrumental de la banda y la garganta sin medias tintas de Big Ian. Para concluir el disco, las obligadas referencias púrpuras (Child in time, Smoke y Woman from Tokyo), en relecturas que gustarán a los que le buscamos siempre tres pies al gato en esto que nos tiene ocupados de por vida: la inagotable herencia de la familia púrpura.

JOHN HIATT, DIRTY JEANS AND MUDSLIDE HYMNS

2011-11-22T21:41:00.005+01:00

Sólido y maestro. Esta vez el disco de John Hiatt lo produce Kevin Shirley (si puedes producir igual de bien a Iron Maiden y a John Hiatt, es que eres jodidamente bueno), y Dirty jeans and mudslide hymns es uno de los mejores discos de Mr. Hiatt desde Bring the family, Stolen Moments etc. Menos plano que el anterior (excelente, ojo) The open road, empieza con una declaración de intenciones, esa Damn this town que puede ayudarte en un mal día, luego delicatessens como 'Til I get my lovin´ back o la seria, trascendente Hold on for your love. Rock en contacto con la tierra y los elementos y el alma. Hiatt siempre está preparado, no falla nunca, él solo espera a que tu lo estés igualmente. Y yo siempre estoy ahí, sus discos siguen ilusionándome, su carrera es perfecta y recurro a sus obras a menudo (Crossing muddy waters por ejemplo, es un disco que siempre tengo muy presente). Verle en Barcelona fue una experiencia maravillosa, escuchar este disco ahora, y comprobar que no echas de menos nada de su pasado, también lo es.

PEARL JAM, TWENTY

2011-11-19T18:59:00.004+01:00

A modo de collage cronológico, pasando por cada una de las fases importantes de la carrera del grupo, 20 es un rápido documental que convence pero no sorprende. Emocionan esas impagables imágenes de vídeo doméstico, con los jovencísimos Gossard, Ament y Chris Cornell asistiendo a un concierto de The Cult como unos fans rockeros más,o el metraje dedicado a Mother Love Bone y a Andy Wood, o algunos momentos en los que Eddie Vedder muestra su personalidad más esquiva, la que tanto nos fascinaba a primeros de los 90. El resto del contenido es adictivo, y Pearl Jam es, creo, una banda formada por tipos increíblemente creativos, comprometidos y buenas personas, pero eso ya lo sabía, estoy hablando de una de las bandas de mi vida. Por pedir, yo hubiera sacrificado el empeño de contar cada fase de la carrera de la banda (la fiebre Ten-Tiketmaster-Neil Young-la tragedia Roskilde...), porque enfocaran algún rincón realmente inesperado en el universo Pearl Jam. Cameron Crowe recurre a muchas escenas de la fantástica Imagine in Cornice, y otros momentos que hoy son fácilemente encontrables en Youtube; sin duda 20 podría haber sido más incisiva y menos informativa. Aún así, me veo incapaz de no recomendarla.

COWBOY JUNKIES, 13-XI-11, APOLO

2011-11-16T09:23:00.005+01:00

Largo, completo y calmo concierto de Cowboy Junkies en el Apolo. Un primer set con temas de sus últimos discos (preciosas las versiones de Vic Chesnutt), algunos con agradecida carga eléctrica (naturalmente al estilo suave de la banda); y un segundo set con perlas de su Trinity Session, su inmutable obra maestra, y entre otros, la preciosa versión del Powderfinger de Neil Young, con la que se despidieron, incluída en aquel The Caution Horses de 1990. Margo canta como si estuviera en la cocina de su casa de Toronto, con su rebeca, el jarrón de flores encima de la mesa y su taza de té entre las manos; escuchándola, entendí otra vez porque me enamoré de esta banda hace tantos años. El hermano de Margo, Michael, debe ser el guitarrista más económico de la historia, pero ya sabemos que unos simples acordes abiertos pueden expresar más que cualquier hábil paseo por las pentatónicas. Cowboy Junkies desbordaron mis emociones cuando Margo afrontó de nuevo Misguided angel, mi favorita de siempre. Música triste, buena y acogedora.

CÓMO IRTE DE TU PROPIA BANDA

2011-11-14T19:59:00.005+01:00

Decidir (en lo pequeño y en lo grande), nos hace humanos, inteligentes y libres. Y decidir irse de algo es importante. En mi caso, he dejado a la banda en la que he estado tocando blues y rock n´roll durante un par de intensos y mayormente felices años. Si hay alguna variable de la ecuación que crees que no funciona, todos somos adultos, yo lo soy, así que paso al frente y adiós. Cojo el micro, mi Takamine y mis armónicas y a otra cosa. Es curioso como al final es el factor humano el que pesa, quiero decir, puedes disfrutar haciendo música, subiéndote a un escenario y poniéndote a gritar como un poseso, cantas, te mueves como un muñeco atontado, y te sientes libre. La música me gusta tanto. Pero al final del día, como digo, si algo no funciona, no hay que dejar que la cosa se pudra. Tocar música es una actividad que unicamente me cuesta felicidad, así que si algo me escatima un gramo de ese fantástico precio, no discuto, bye bye y a casa.

BLACK SABBATH, REUNIÓN

2011-11-13T01:54:00.006+01:00

Tal y como se esperaba, los Black Sabbath originales anuncian reunión y disco nuevo en estudio. Entiendo a Iommi & Buttler, después de la muerte de Dio algo tenían que hacer con su vida. Y entiendo a Ozzy, y me hace especial ilusión que Bill Ward pueda estar en forma para girar, admiro el estilo de este hombre, y en la época de los Ozzfest y la primera reunión, siempre que pudo estar a la batería, lo bordó. Personalmente, ya he pasado el duelo por Dio, así que ya no me parece un insulto que Iommi decida reunirse con Ozzy, además, me interesa tan poco lo que hace Ozzy (o los que le manejan de un lado para otro) con su carrera en solitario, que sí en cambio me ilusiona verle de nuevo con sus colegas de Birmingham. Son viejos, muy viejos, recordad que cuando se reunieron en el '97 ya lo eran, pero si Rick Rubin les encuentra el sonido adecuado -por dios, que se parezca lo menos posible a los últimos discos de Ozzy- y la cosa funciona, podemos esperar un último acto de grandeza por parte de la banda de heavy metal más decisiva de la historia.

TE LO REGALO

2011-11-09T23:49:00.004+01:00

Alguna vez he prescindido de discos o cosas materiales importantes tan solo por el gusto de regalarlas a alguien que me importa. Como Elvis con sus coches y sus alhajas, aunque menos impulsivo. Hay que saber desprenderse de algo para dar valor al resto. No entiendo a los que guardan figuritas de coleccionista y ni siquiera las desempaquetan, no entiendo a los que no te dejan entrar en sus santuarios no sea que estropées algo, a los que nunca han sentido el gusto de decir mira, te lo regalo. No soy idiota, no regalo por regalar. Pero cuando lo he hecho, he sentido un alivio maravilloso, una sensación de dominio sobre mi casi metafísica. Acumulamos tanta mierda en las estanterías, mierda que consideramos vital, que cuando nos desprendemos de algo de forma voluntaria, sentimos que somos de nuevo dueños de nuestro destino.

DAWES, NOTHING IS WRONG (2011)

2011-11-07T20:54:00.005+01:00

A todos nos ha pasado que nos enamoramos de una persona a los cinco minutos de haberla conocido, y que no necesitamos saber muchos detalles más. Es cuestión de sensaciones. Con Nothing is wrong, segundo disco de los Dawes (buscad algo entre Crosby, Stills & Nash, Gene Clark, Jayhawks, Blue Rodeo, un poco de Neil Young de Zuma y más o menos es eso), la propuesta te enamora a los cinco minutos. Quizás el noviazgo no será largo, pero el sabor de las canciones huele a todo lo que gusta por mi lista de blogs favoritos. Han tocado con Benmont Tench, con los Crowes, y controlan la situacíón con parsimonia, electricidad cuando es menester, y buen gusto (So well es preciosa, por ejemplo, o If I wanted someone, irresistible con ese piano justamente a lo Petty); tocan un folk y un rock sabio, antiguo, melódico y encantador.

JOE HENRY, REVERIE (2011)

2011-11-03T23:05:00.008+01:00

Joe Henry -cuánto esperaba yo este disco- tiene un lenguaje propio, un universo particular. Reconocerías una canción, un fraseo, un gesto de Joe Henry en cualquier lugar, entre el ruido y la multitud. Y siendo así, nada de Reverie suena a repetido, acomodaticio o adormecido. La magia sigue presente, y la música fluye como si el anterior e impresionate Blood from stars no existiera, o nada quedara de aquel Civilians que el autor, músico y productor grabó en el 2007. Reconocible, esta vez más acústico y seco, y siempre con esos versos que suelen empezar sus canciones de forma tan particular, como en un tiempo suspendido entre el alba y el final de tu peor noche: "Let´s pull this piano out from the wall", "A dog-eared mind sniffed my heart like a pocket full of German marks, long after the war was through", o "Whose chickens are those in my yard? they pick at every shiny thing". Luego las letras van desenvolviéndose, con esa musicalidad tan original. Asegúrate de darles a estas canciones el decorado correcto, no las compartas si la otra persona no las va a apreciar, dales tiempo y silencio, y que nadie te las quite ni les reste el valor que tú les das.

JOE COCKER, MAD DOGS & ENGLISHMEN

2011-11-01T20:40:00.005+01:00

Esto es música en fusión nuclear. Un doble Lp (también película) que puede cambiarte la vida. Cinco años antes de que en 1975 Bob Dylan volara los escenarios de USA con la caótica e irrepetible romería Rolling Thunder Revue, Joe Cocker, con la dirección musical de Leon Russell, formaba su propia banda de gitanos errantes para un tour de dos meses que pasaría a la historia. Aquel Cocker tenía un poder diabólico, no ahorraba fuerzas, explotaba sus cuerdas vocales en cada tema. Intensidad soul sin concesiones. El doble directo Mad Dogs & Englishmen demuestra que el rock n´roll es saltar y luego preguntarte por qué, amar lo que haces y estar dispuesto a echarlo todo al fuego. Es el arrojo de canciones como Cry me a river, o la absoluta With a little help from my friends, que me doy el gusto de adjuntar aquí abajo. La reedición del doble Lp, con montones de temas inéditos, se me antoja imprescindible. Ojalá dios me rompiera la garganta en mil pedazos y me diera la capacidad de comunicar como lo hace Mr. Cocker.

GIRLSCHOOL, HIT AND RUN

2011-10-30T21:37:00.005+01:00

Ahora que editan este mismo álbum, Hit and run, regrabado, esperando obtener mayores réditos que grabando canciones originales (aunque su último disco del 2008, Legacy, estaba realmente bien), vuelvo a escuchar el original de 1981. Girlschool es una banda a la que hay que amar, no están en la primera división de nada, pero discos como Hit and run o Demolition son perfectos pistones de rock n´roll con D.O femenina. Escuchad la cara 1 de Hit and run y gozad. Ellas no olieron jamás el fenómeno fan adolescente de las Runaways, lo suyo era competir en los mismos escenarios ingleses que otras bandas de la New Wave of British Heavy Metal, "we just happen to be a band", dicen en el video que adjunto, refirièndose a que el hecho de ser mujeres no era lo importante, y que no querían ser valoradas solo por eso. Se hicieron querer por su público y por popes como Lemmy, y a pesar del fallecimiento de Kelly Johnson, siguen ahí.

VARGAS, BOGERT & APPICE FEAT. PAUL SHORTINO (SALAMANDRA, 27-10-11)

2011-10-29T01:05:00.008+02:00

Aunque me prometía un concierto de barbacoa (propio de una banda que ha editado un disco dominguero como ese VBA), con Vargas, Appice y Shortino (y otro señor que tocaba el bajo en el puesto del gran Tim Bogert), al final fue un concierto de barbacoa pero decente, y largo. Ver a Carmine Appice ya es todo un placer, porque este hombre es una leyenda, valores más o menos su estilo, y ha estado en muchos sitios clave de la historia del rock; se marcó un solo gracioso con las baquetas, sonrió, y con su pelo teñido y su bigote, aparenta mucha menos edad de la que realmente tiene. Vargas, bueno, nunca he prestado atención a la carrera de Javier Vargas, le vi bien, económico en cierta forma, disfrutando, y en cuanto a Paul Shortino, bueno, qué puedo decir. Me gusta la voz de Paul Shortino, y su tono aguantó bien durante todo el concierto, pero esa actitud más propia de una Carmen de Mairena borrachuza, esa sensación de que se ríe de él mismo continuamente, ese pelucón, y en general, su ridícula pose, me estuvo sacando contínuamente del concierto. Pero a pesar de todo, valoro que por 15 euros tuviera una noche, larga como he dicho, de rock n´roll clásico, con temas de aquel maravilloso Beck, Bogert & Appice (Lady y Black Cat Bone), y versiones acertadas (Spoonful y Politician, reinterpretadas), junto con otras de costellada i fireta, como la de Surrender.

WYNTON MARSALIS & ERIC CLAPTON PLAY THE BLUES

2011-10-23T22:49:00.005+02:00

Me divierto mucho con el disco en directo de Marsalis & Clapton. Grabado en el Lincoln center de Nueva York, es una lujosa fiesta de jazz y blues y New Orleans, a la que acudo vestido de etiqueta y dispuesto a reír y a mover el pie rítmicamente mientras me tomo un gin tonic. Hay pocos discos, por lo menos de lo que yo escucho, que inviten tan claramente a la mesura, la elegancia y al gin tonic. A Clapton se le juzga con demasiada severidad, y a sus sesenta y tantos todavía se le exige que grabe otro 461 Ocean Boulevard. La obsesión por encerrar a nuestros ídolos en una juventud que ya no volverá provocará que más de uno no disfrute con este disco. Ese es un problema que yo ya no tengo.

TESTAMENT, THE RITUAL (1992)

2011-10-19T23:57:00.006+02:00

Disfruto más con Testament que con alguna otra banda clásica trash. Escucho más los discos de Testament que los de Megadeth, aunque estos últimos también suelen estar cerca del reproductor de la cocina. Vueltas que le doy estos días a este imperial The ritual, con el que en 1992, Testament daban la réplica al álbum negro de Metallica y al Countdown to extinction de Megadeth. En los tres casos, se trataba de bandas clásicas, con sus lógicas diferencias y sus cotas de éxito dispares, que entraban en unos 90 que pintaban raros de forma original y arriesgada. En el caso de Testament, con un disco que huía del trash clásico para detenerse en una cierta melodía y en unas guitarras más matizadas, pero no por ello sin olvidar las canciones. En este disco hay canciones soberanas, serias, contundentes. So many lies, The ritual... Luego con el tiempo, los de Chuck Billy se distanciaron de esta aproximación más colorista a su estilo, y volvieron al redil, pero ahí queda The ritual, un disco del que pocos se acuerdan ahora, pero que en aquel 1992 era agua bendita. Desde aquí, reivindico a Testament, unos clásicos del trash USA que sin embargo se han quedado fuera de los big four (Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax) que ahora giran y facturan juntos por los estadios de este mundo, en el gran negocio de la nostalgia trasher.

ALEJANDRO ESCOVEDO, MUSIC HALL (17-X-11)

2011-10-18T23:01:00.004+02:00

Definir en poco espacio el concierto de Alejandro Escovedo y su guitarrista David Pulkingham en la rara y cara sala Music Hall de Barcelona es fácil: sencillez á la máxima potencia. Ni las canciones de este superviviente son complejas, ni su lenguaje está sembrado de enigmas, ni su personalidad es, a primera vista, distante o misteriosa. Con Alejandro Escovedo -que se presentó sin su banda, acompañado únicamente por su guitarrista- todo viene de cara, sin trampa ni exceso de retóricas. Todos sabemos que detrás de la carrera de este hombre, ahora ligada a la Springsteen Mafia del management de John Landau, hay océanos (o desiertos) de oficio y carretera, como él mismo se encargó de contar ayer, en una de sus muchas pausas para ejercer de storyteller. Cantó un último tema, la versión de The Band It makes no difference sin micro ni amplificación, a pelo, y fue bonito, y empezó el recital con la fenomenal Anchor, que inicia su último disco Streets songs of love. Entre medio, un tipo que no necesita incendiar al público ni sobreactuar, que se basta con sus sencillas canciones para llegar a donde quiere. Un tipo humildemente encantador, y un ejemplo de que el arte es mitad genio y mitad oficio. Prometió volver con sus Sensitive boys y roquearnos como merecemos. Y tocó un par de temas de su futuro nuevo disco, de nuevo con todo un Tony Visconti a la producción. Esperemos que sea la mitad de bueno que sus últimas obras.

DE SNACKS Y COCTELS EN EL 41º

2011-10-14T19:06:00.008+02:00

No tengo remedio. Hay que ser de piel fina y rozar la paranoia si después de una primera visita al 41º, la snack-coctelería de la factoría Bulli que acompaña al Tíkets, uno solo se queda con el idiota que tienen en la puerta. A veces un detalle tan tonto anula todo lo demás, pero así es la vida, por lo menos la mia. El portero del 41º / Tíckets, como digo, te trata como si fueras una mercancía más, ni te mira a la cara ni le interesa si has estado meses esperando ese momento, o si has estado ahorrando y te desborda la ilusión; probablemente crea que el hecho de trabajar para los Adrià significa que él también tiene algo especial. Pero no llega ni a actor de reparto, nadie habrá escrito sobre él, y ninguna crítica del Tickets o del 41º lo debe mentar, yo sí lo hago. Puedo estar en el templo de lo cool, the coolest of the cool, como se supone que era el caso, pero si noto que un camarero, o el portero (madre mía ¡el portero!), me trata de forma sutilmente incorrecta, y me hace pensar que estoy delante de un jodido portero de discoteca, vamos mal. Nos sobra modernez, nos sobran conceptos y modas, listas de reservas interminables, walkie talkies y pinganillos, exclusividad, diseño y pompa mediática, y nos falta voluntad de servicio, acogida, bondad, ética. Naturalmente, estos dos locales van a seguir haciendo pela larga durante el tiempo que quieran, y nadie notará lo del portero, o que algún camarero no entienda el catalán y te pìda que le traduzcas "una copa de vi blanc, si us plau". Los detalles así no importan en macroproyectos fashion que impulsan la marca de Barcelona hacia el infinito y más allá.

Luego, ya en el 41º, bonito local en negros, mucha actividad en la barra y personal joven de casting, puedes disfrutar de snacks bullinianos como las olivas rellenas o las algas crujientes con quinoa, o tapas como el precioso Viaje nórdico, que es una tostada finísima con ternera ahumada, una delicia. Degústalo con un cóctel de tu elección y ahí está el concepto: cóctel + snacks, aunque ellos subtitulan el nombre del local con "Snacks & oysters", in english of course. Antes lo cool era darle a los platos o a los locales nombres en francés, ahora eso es antiguo y se hace lo mismo con el inglés. La modernez siempre ha dependido de estas gilipolleces. Y yo cada vez estoy para menos tonterías.

RESTAURANT SAGÀS, BARCELONA

2011-10-11T22:52:00.004+02:00

Comer por el gótico o en el Born de Barcelona puede resultar un verdadero pain in the ass, para los que queremos huir de la Barcelona hipertrofiada del turismo. Por eso me alegro de la irrupción del Sagàs, en pleno Plà de Palau, rodeado de locales-timo estilo Taller de Tapas y macro-pizzerías como Il Pasatore. Sagàs pertenece a la familia que regenta el loado Els Casals, restaurante-granja con una estrella Michelín, que sirve a los clientes los productos que ellos mismos producen en su propiedad.

Con este Sagàs del Born, han ideado un restaurante que se pretende urbano y accesible, más o menos rápido (según el día), con una larga barra y unas pocas mesas al fondo. He de decir que no me gusta la estética plana y la iluminación sin matiz del local, pero si se trata de degustar las mejores carnes, butifarras, hamburguesas y demás, este es el lugar perfecto; sin olvidar las ensaladas ojo,con una César que me encantó. La porchetta es una delicia (ideal para los fans de la carne jugosa y melosa tipo peus de porc, para carnívoros sin remilgos), las butis como digo, excepcionales, y también la sobrasada. Ahora que viene el frio, apetecerá más meterse en el Sagàs y darse un festín carnívoro. A la espera de poder visitar algún día la casa madre, ir al Sagàs es un buen premio de consolación.

IGNACIO JULIÀ, PULP-ROCK

2011-10-09T23:32:00.006+02:00

Ignacio Julià es mi escritor de rock n´roll favorito. Siempre he conectado con esa forma de escribir sobre la música y sus creadores enlazando en caliente al artista con la propia experiencia y sensaciones del escritor. Ya antes de convertirme en fiel comprador de Ruta 66 me dejé seducir por aquel libro sobre Springsteen en el que Julià comunicaba tanto su amor como su postrera decepción (hablo de principios de los 90), con el héroe de Thunder road. Este hombre, que ha visto y escuchado mucho, escribe bonito, comunica, no se sitúa nunca ni muy arriba ni muy abajo, y es lectura segura para mi. Su recopilación de artículos y entrevistas Pulp-rock es, periodicamente, libro de cabecera en casa. Disfruto releyendo sus loas al Lou Reed más visceral de finales de los 70, aquella entrevista-agujero sideral a Daniel Johntson, la tristeza que transmite su recorrido por la vida de Roy Orbison, o su claudicación ante el empuje corta y rasga de una jovencísima PJ Harvey, época Dry. Un libro que no tiene edad ni momento para leerlo, y que siempre debe estar por ahí cerca. Asumo que en los humildes textos de mi blog hay influencias, copias y saqueos del estilo de Julià. Siempre es mejor copiar de los buenos.

RICK DANKO

2011-10-08T17:07:00.005+02:00

Siempre me pareció el miembro más atractivo de The Band. Desgarbado, pasota, atractivo sin más, tocaba el bajo como quién se enciende un cigarrillo, y tenía una voz capaz de hacerte llorar. Su disco de debut en 1977, después de la separación de The Band, titulado a secas Rick Danko, es campestre y rico en matices e influencias, podría ser un agradable apéndice de la discografía de la banda madre, y sin embargo no se comió un rosco y no tardaron en echarle de la discográfica. Lo mejor de Rick Danko es que parecía que ni se diera cuenta del talento que tenía, ni de sus condiciones innatas para emocionar. Murió en 1999, obeso y cargado de drogas y dejadez. Verlo en sus últimos tiempos es como ver a Rory Gallagher en la última época, ¿cómo es posible que seres con tanta virtud acabaran así? Su huella en The Band se nota en cada disco y cada canción a la que presta su inigualable voz, súmale este disco de debut en solitario y hazte una idea de quién fue este colega al que invitarías sin dudarlo a unirse a una partida de poker de las de humo y alcohol, o con el que pasearías en silencio por la mañana por un campo del sur.

BBM, AROUND THE NEXT DREAM (1993)

2011-10-05T23:43:00.006+02:00

Quizás fue porque hacía poco de la "traición" de Gary Moore, cuando pasó de vestir casacas y cantar Victims of the future ante miles de metalheads cerveceros, a firmar discos de blues adulto, de vestíbulo de hotel. No sé porque fue, pero no quise conectar con el proyecto Ginger Baker, Jack Bruce, Gary Moore, BBM, a principios de los 90. Creo que llegaron a tocar en el Palau d'Esports (adjunto un Spoonful de aquella gira más abajo), supongo que con un buen público de puretas esperando revivir algo de la esencia Cream. Como ahora el pureta soy yo, me veo disfrutando de este disco, Around the next dream, el úncio que firmaron los tres, agitando neuronas con un blues rock duro y dinámico en el que lo mejor, claro que sí, es la pasión que le mete Jack Bruce a sus voces. Gary Moore por su parte, supongo que ejercía de motor, pistón y bujía del proyecto, feliz por compartir escenario con esos dos monolitos. Se trata de un muy buen disco. Si os da por haceros con Around the next dream en una de vuestras excursiones arqueológicas no os arrepentiréis.

JAYHAWKS, MOCKINGBIRD TIME

2011-10-02T22:27:00.009+02:00

Colmado con las pequeñas historietas de campo que se escuchan en los últimos discos de Mark Olson, yo no necesitaba una reunión de los Jayhawks de Tomorrow the green grass. Aceptada después la noticia, me dispuse a ilusionarme prudentemente. En otro momento, quizás más joven, hubiera contado los días hasta escuchar este Mockingbird time que presentan ahora Olson, Gary Louris, Tim O'Reagan, Marc Pelman y Karen Grotberg; ahora sin embargo escucho estas canciones con la presión constante, y sin pelearme con ellos por no haberme brindado otro Hollywood town hall. Qué triste es analizar los discos de tal banda comparándolos obsesivamente con algún hito del pasado, lo que lleva casi siempre a la decepción. Y tipos como Olson y Louris no se merecen eso. Aunque prefiero las canciones pequeñas y bellas y redondas de Ready for the flood, me gusta este Mockingbird time. Blackeyed Susan, Pouring rain at dawn o Closer to tour side me resultan tan bonitas como cualquier gloria que hayan grabado antes. También puedes empeñarte en birlarles su presente, y cerrar el CD a la segunda escucha porque no has sentido lo mismo que sentiste con Blue o I´d run away. Es una opción, y los fans podemos ser así de poco generosos.

NICK LOWE, THE OLD MAGIC

2011-09-29T22:48:00.007+02:00

Mágico, grande, maravilloso, elegante, sencillo, sentimental, humorísitco. Mágico. A veces no hace falta pensar en qué adejtivos vas a utilizar, vale más la pena ir a lo trillado: mágico, elegante, auténtico. Así es The old magic, el nuevo petit fours de Nick Lowe, y una obra casi a la altura de aquel The Convincer del 2001, que todavía hoy me deja sin habla. Este hombre lo tiene, edad, bagaje, estilo, pelo blanco, camisa impecable y gafas. Coge la guitarra y canta, y te acompaña y te acaricia. The Convicer, como digo, es casi inalcanzable, un disco de crooner perfecto, pero lo increíble es que este The old magic se le acerca, mucho más que el anterior At my age, del 2007. Nick Lowe se ha tomado la combinación de coctels perfecta, y aquí vuelve esa canción de autor crooner, con brillante pátina de instrumentación, y un manejo del tempo sensacional. I read a lot es puro Lowe (¿se pueda hablar con más gracia -y sentimiento- de lo que pasa cuando te han dejado tirado?), el Nick Lowe de club nocturno, que tanto me emocionó en The impossible bird, Dig my mood, o en el irrepetible The Convincer. Su carrera tiene un pasado ámplio, todos sabemos lo importantes que fueron sus años iniciales con Jesus of cool y todo eso, y sus colaboraciones con John Hiatt etc. pero de un tiempo a esta parte, este hombre ha pasado a dictar cátedra de sencillez y elegancia para quién quiera escucharle. No creo que los últimos discos de Richard Hawley tengan lo que tiene este. Checkout time, Restless feeling, la perfecta House for sale... Qué letras tan bien encontradas, qué delicia de música.

MARINA

2011-09-27T22:52:00.005+02:00

Sientes que estás mudando de piel como una serpiente. Trataré de conservar lo que pueda del pasado, pero sobretodo abrazaré el futuro con alegría. Se avecinan cambios. En enero (y me alegra anunciarlo por primera vez en mi blog) seré padre. Sentía una sana envidia de los posts en blogs amigos anunciando nacimientos o aventuras de bebés rondando por la casa entre discos de Petty y Dylan. Ahora me toca a mi. En enero nacerá Marina. De momento todo esto se traduce en encargar un cochecito, comprar algo de ropa bebé cool (cuando lleve estos conjuntos parecerá que mi niña acaba de salir del Primavera Sound -entre nosotros, los conjuntos bebé Kiss & Ozzy están al caer, y tengo echado el ojo a uno que es una monada ¡con el esqueleto de los Grateful Dead!), pero ahora lo más importante es observar y tratar de entender las cosas que está viviendo su madre. Poco puedo decir yo, mudando la piel como digo, notando que a partir de enero voy a ser otro, como el Marc de siempre, pero diferente. Qué gracioso que el primer post dedicado a mi hija venga después de uno de Sodom. No creo que a ella le vaya a gustar demasiado el trash metal alemán. Y este post lleva su nombre, por supuesto.

SODOM, AGENT ORANGE

2011-09-25T22:00:00.006+02:00

Hablemos de trash metal, hablemos de Sodom. Sodom son una de las bandas más reconocidas, queridas y respetadas por los amantes del trash europeo digamos pionero -luego clásico-, ese que crearon chavales obsesionados por Motörhead, Venom y Mercyful Fate, con ganas de comerse el mundo a base de riffs machacantes, estructuras serpenteantes, tejanos desarrapados y cinturones de balas. De los pioneros del trash metal no sabría si quedarme con los Testament, Megadeth, Metallica etc. de la Bay Area, o con los alemanes Destruction, Sodom o Kreator; mejor me lo quedo todo. El primer trash es todo un mundo que agitó el metal desde las tripas en la segunda mitad de los ochenta, una fábrica de riffs y mala leche que dio muestras sorprendentes de creatividad a ambos lados del atlántico, una música todavía caliente y válida, que sigue apeteciéndome escuchar e investigar. Sodom se mantienen hoy en plena forma, con su líder Tom Angelripper trabajando a gran nivel, sirva el atronador último concierto de ellos en la Salamandra como prueba. Agent Orange (1989, recientemente reeditado con pulcritud) es probablemente la mejor obra de Sodom y seguro, la que más vendió. Un disco bien producido (qué bien suena, deliciosamente sórdida esa Magic dragon), ambicioso dentro de sus posibilidades, con temas clásicos y letras que versan sobre Vietnam, el incesto (gritad conmigo: Incest! Incest!) y demás veleidades de la conducta humana. Una clase de trash metal, del que no envejece.

REM SE VAN...

2011-09-22T22:53:00.005+02:00

El disco que más he difrutado de REM es New Adventures in Hi-Fi, lo que indica mi condición de seguidor raro de la banda. No soy ni seguidor, he tenido mis épocas obsesivas con Automatic for the people, The one I love y cosas del principio, y algunos singles de algunos discos posteriores, pero en general, REM me han sido muy ajenos. Los veía distantes, me faltaba que giraran más a menudo, que fueran más una banda de carne y hueso que algo que se pone en marcha cada x años. Ahora dicen que lo dejan, pero me afecta mucho más que lo dejen los Scorpions. Practicantes de un lenguaje pop muy particular, siempre a rebufo de la personalidad de su cantante y la economía y clase de Peter Buck, REM nunca se han permitido convertirse en una puta con ínfulas de princesa como U2, lo que les honra. Hay también una diferencia entre el rock de estadios de REM y el rock subnormal de Coldplay. Algún día volveré a tener ganas de pinchar Cuyahoga, Drive, Man on the moon o Let me in, y volveré a disfrutar, seguro. Ahora de momento, nadie me quita E-bow the letter...

VANIDAD

2011-09-20T22:56:00.003+02:00

Me divierte la vanidad de la gente. Y mucho la de los que hablan todo el rato y no escuchan nada. Hoy en un curso de gestión, un tipo contaba que trabaja de jefe de cocina en un restaurante de la zona alta de Barcelona. Se le veía que le gustaba hablar de ello y respondía a todas las preguntas cual rueda de prensa de un actor famoso. Con ganas de intercambiar impresiones, le he comentado que yo había ido a su restaurante en dos o tres ocasiones, y él, quizás me ha mirado, quizás no, en fin, que no me ha hecho caso, y ha seguido hablando del concepto de su restaurante, de lo bien que lo hacen, de que facturan 170 clientes los sábados, de que los propietarios confían mucho en él, y etcétera etcétera. En ese momento, ante tal avalancha de profesionalidad, he decidio desconectarme, pues poco hay que decirle a un tipo que ni se molesta en saber lo que te ha parecido su restaurante, o si tienes alguna crítica, algún comentario. A él tan solo le interesaba escucharse a si mismo. Tengo la suerte de haber sido educado en una cultura de escuchar, de discreción y respeto, y de observar lo que tienes a tu alrededor para ver como puedes transformarlo en conocimiento para ti mismo. Luego hay otros que ni se molestan en saber que los clientes de su restaurante piensan que los fetuccini están justitos y que el servicio es pasota. En el mundo de la gastronomía hay unos cuantos fantasmas. A esos ni la crisis les cura la vanidad.

ALICE COOPER, WELCOME 2 MY NIGHTMARE

2011-09-17T12:50:00.007+02:00

Hasta esta mañana, el disco de Alice Cooper me parecía una soberana broma, una horterada. Pero mira por donde que hace un rato la cosa ha hecho "clic", y ahora ya sé donde situarme yo como oyente para disfrutar minimamente de este Welcome 2 my nightmare. Tómate este disco como un cajón desastre donde cabe de todo (compáralo, salvando las distancias insalvables claro, no ya con Welcome to my nightmare, sino con Goes to hell, un disco donde había mil estilos, desdel el musical Broadway al rock vicioso, al jazz de club... y todo funcionaba), tómatelo no como un disco conceptual (a quién le importa si aquí hay una historia o no, si quiero rock duro con guión ya tengo a King Diamond), sino como un paseo divertido donde puede pasar de todo. Power pop de la talla de Ghouls gone wild, disco-rock cachondo en Disco bloodbath boogie fever, escenas Broadway como Last man on earth, temas envenenados y resacosos como When hell comes home, o rock n´roll a todo trapo en A runaway train (uno de los temas en los que toman parte los supervivientes de la Alice Cooper Band, emocionate). Hay fallos grotescos, como el incomprensible tema inicial, I am made of you, con un efecto en la voz a lo Paulina Rubio que dan ganas de pegarle una colleja a Alice y a Bob Ezrin; o la mala y totalmente innecesaria, What baby wants, con la participación de KeSha a la voz, que no sé ni quién es. Muchos hubiéramos preferido un disco de canciones, más al grano, como aquel adictivo Dirty Diamonds, pero Alice se ha empeñado en hacer un último esfuerzo de grandeza en el estudio, y con la excusa de una segunda parte de su primer álbum en solitario, nos ha montado una fiesta de la que me veo que algunos amigos fans & bloggers van a salir pitando. Yo por mi parte, ni salgo pitando a los cinco minutos ni me quedo hasta el final; estoy simplemente contento por el atrevimiento, por los solos de Steve Hunter, por algunos temas (no me olvido de la rockera, clásica, I´ll bite your face off), aunque bastante mosca con ciertas canciones y ciertos inútiles tics de radiofórmula moderna.

IAN GILLAN, NAKED THUNDER

2011-09-15T10:47:00.006+02:00

A veces me pregunto por qué soy tan fan de este hombre. Y creo que sé la respuesta. Lo que más me gusta de Big Ian es su humanidad, ha tenido en su carrera aciertos tan claros y errores tan pasmosos, ha sido tan bueno y a ratos tan malo, que todo eso lo humaniza. Es como verlo hoy día en directo, has de mirar más allá de su falta de voz, o de su falta de memoria para acordarse de lo que está cantando, y encontrar al hombre que se acerca a los 70, y que sin demasiados sobresaltos sigue ahí arriba, descalzo y simpático. Siempre me ha parecido un tipo sencillo, un gamberro inglés que se ha tomado las cosas de la vida con bastante filosofía y sin preocuparle demasiado lo que pensaran los demás. En suma, un buen hombre y un alcohólico. Naturalmente, esa es mi opinión. A lo que voy, de Gillan me gustan casi todos sus discos en solitario (aconsejo las documentadas y baratas reediciones en cd que han ido saliendo en estos años: Future shock, Double trouble, Mr. Universe e incluso su etapa jazz/rock fusión recién salido de Purple son puntos álgidos); escucho ultimamente uno titulado Naked thunder, de 1990, poco después de que expulsaran a Ian de Deep Purple. Probablemente este es uno de los momentos más raros en la carrera de Gillan. Combinó sus discos con proyectos revitalizantes como Garth Rockett & The Moonshiners, banda con la que hizo algunos conciertos sin anunciarse como Ian Gillan. Poco después, ya sabemos, Ritchie y los demás se dieron cuenta de que habían hecho el ridículo con Joe Lynn Turner, y volvieron a llamar a Ian para intentarlo de nuevo. Naked thunder es un disco que aleja a nuestro hombre del rollo banda de pub de sus discos de finales de los 70 y primeros 80. Aquí todo anda muy pulido, y hay una producción ochentera que a mi me resulta deliciosa. Cómo no caer rendido ante bisutería del calibre de No good luck, o Loving on borrowed time, alhaja que cinco años antes le habría permitido entrar en listas, o el tradicional No more cane on the brazos, cantada con todo el amor. Disco pseudo comercial, que ya andaba pasadito de moda solo salir, pero buen trabajo, con la pasión que normalmente saca Ian de no se sabe dónde, y mejores resultados que los de sus pretenciosos ex compañeros con Slaves & Masters.

CAFÉ 1907, BARCELONA

2011-09-13T09:08:00.005+02:00

Delicioso local situado junto a la Ramón Llull, en la parte alta de la ciudad. Un pequeño restaurante robado al tiempo, ambientado como un bistró parisino, muy belle èpoque, con Brassens & cía. sonando en el hilo musical y las paredes repletas de Juliette Greco, Brel y demás. Desde que hace años iba al Pastís, y siempre caía una botella de vino barato por cabeza, que no me sentía tan... ¿francés? en mi propia ciudad.

Café 1907 es un rincón delicioso donde tienes unos primeros con verduras del propio huerto del jefe de cocina, y ante todo, esa tradición que tanto significaba hace años en las buenas mesas, y que ahora a nadie le importa un comino: rematar los platos delante del cliente, en la sala. Comimos un filete café de París con unas patatas perfectas, sabroso al máximo, y unas crêpes suzette muy mimadas a la sartén.

Aquí no hay vanguardias ni moderneces, lo que es curioso, porque hay pocas cosas más vanguardistas ahora mismo que ver a un camarero prepararte unas buenas crêpes delante tuyo. El restaurante tiene un interior deliciosamente demodé, pero también una pequeña terraza con tres mesas, que es otro buen rincón para una noche de septiembre. Café 1907 es muy recomendable, de esos locales de noches bonitas, en los que es posible terminar una relación o empezar una que dure para siempre, donde hay confidencias, alguna promesa, y donde haces planes de futuro; un pequeño bistró fuera de las transitadas rutas de viernes noche. Al salir del local, nos acompañó en el camino hacia el coche un fornido jabalí, de esos que la gente trata como si fueran chihuahuas.

LOS QUE EDUCAMOS

2011-09-08T22:46:00.007+02:00

Una de las razones por las que adoro la serie Dowton Abbey es que habla de la dimensión moral de un trabajo tan poco entendido hoy día como el de sirviente (o camarero, cocinero raso etc.). Las distintas formas de afrontar el trabajo por parte de los personajes de Dowton Abbey son más que una simple obligación a las órdenes del rico propietario, son una metáfora de la vida. Hoy he tenido el privilegio de asistir a la conferencia de un ex conseller (los jueces catalanofóbicos les llaman ahora "consejeros") de educación. Qué suerte la de poder escuchar a alguien que entiende que un trabajo, en este caso el de educador, es una metáfora de nosotros mismos y del mundo. Qué suerte poder llenar varias hojas con apuntes que no son morralla teórica, sino materia espiritual que puedes aplicar a cualquier orden de la vida. Escucharle decir que en la escuela se lucha por sociabilizar al niño, por hacerle comprender que forma parte de un mundo al que hay que respetar, y que en cambio, la sociedad en la que vivirá se empeñará en individualizarlo, en venderle que para triunfar te has de preocupar por ti, has de ser duro, has de mirar, solo, hacia delante. O que vivimos de espaldas al pasado, que hemos hecho caducar el pasado, y que no entendemos que somos lo que hemos sido, y que solo el conocimiento de ese pasado nos liberará; y que vivimos como okupas del futuro, parasitamos el futuro, esa carrera tecnológica en la que unicamente importa la cantidad, la información, la inmediatez, y que deshecha el sedimento de las cosas, la introspección, la repetición (releer un libro, reescuchar un disco entero). Nadie mira atrás para entender de donde venimos, solo queremos apoderarnos del futuro cuanto antes. O la dualidad con la que hemos de lidiar los que educamos (de nuevo, eso es aplicable a cualquiera) entre ofrecer al niño todas las facilidades para ser libre y autónomo (la base de la educación), y a la vez darle protección, seguridad, tratando de no coartar su iniciativa. Proteger pero respetando la libertad, y respetando también el error como camino imprescindible para el conocimiento. En efecto, cuántos, cuántos niños se frustran con sus propios errores, y cuántos padres no dejan que sus hijos cometan una sola equivocación. No sé, este hombre hablaba de las dimensiones morales de un trabajo. Y me ha dado razones para entender porque me sigo negando a desprenderme de esta pequeña parte de mi vida. Que un conseller de educación capaz de transmitir tantas ideas de una forma tan sentida y humana, fuera sustituído vilmente por su propio partido a los pocos meses de estar en el cargo, en aras de vete a saber qué aritméticas de partido, es otra metáfora, esta vez de lo mal que va este pobre país.

EXPECTATIVAS SOBRE DEL NUEVO DISCO DE KISS

2011-09-07T22:47:00.007+02:00

Me pasó con Sonic Boom, posteé unos meses antes de que saliera que no esperaba ya nada de Kiss, o que esperaba algo peor, si cabe, que aquel pobre dinosaurio llamado Psycho Circus. No sé, era una crítica negativa preventiva, la típica arenga de fan por la que Gene me pegaría una colleja (get a life!). Ridículo, pero ya se sabe que los bloggers somos gente desinformada y pasional, y que los periodistas informados que están en los medios remunerados no hacen eso. Bien, cuál fue mi alegría cuando descubrí que Sonic Boom era finalmente una maravilla, lo mejor que Kiss podía regalarnos a estas alturas ¡Modern day delilah! ¡fastuoso Gene en Roussian Roulette! ¡extraordinaria All for the glory! En aquel caso el placer fue doble, porque pasé de no esperar nada a recibir lo máximo de una de mis bandas favoritas. Ahora que se anuncia el nombre de la continuación de Sonic Boom, lo llamarán Monster (¿adivináis a quién de los cuatro se le ocurrió el título?), me entran ganas de escribir otra crítica preventiva, y de cagarla de nuevo, por supuesto. Aunque en este caso no será negativa, espero algo bueno de Monster, aunque temo que, como tantas veces ha ocurrido con Kiss, el hambre por aumentar el éxito de Sonic Boom les haga arriesgar menos, hinchar más los temas y hablar en las letras de lo puta madre que son ellos y la Kiss Army (como hicieron en Psycho Circus), en vez de escribir sobre que voy a meterte mi tronco en tu chimenea, el tipo de letras por las que considero a Gene y Paul como los trobadores de nuestro tiempo. Hay un 99% de posibilidades de que el próximo disco de Kiss sea el último, y un 150% de que los conciertos de la gira de presentación de Monster consistan unicamente en Paul hablando a la audiencia. Sea como sea, es irreal y maravilloso tener a esta gente (¡y a Alice! ¡Y Glenn Hughes, Sammy Hagar, Lemmy, Maiden, Judas, Saxon...!) sacando música nueva tropecientos años después. Por cierto, tengo otra crítica negativa preventiva, es del nuevo disco de Van Halen: será un pedazo de mierda, y se lo merecen.

GILLIAN WELCH, THE HARROW & THE HARVEST

2011-09-05T23:00:00.006+02:00

Atribuye Gillian Welch el montón de años que lleva sin editar nada (lo hace siempre junto con el guitarrista David Rawlings), a un bloqueo creativo. Me hace sentir cerca de esta dama del americana el saber que ella también se encuentra con esos periodos en los que nada positivo parece salir de tu cabeza. Bueno, a todos nos pasa. Lo cierto es que bienvenido sea ese bloqueo si como resultado te encuentras con un disco como este The harrow & The Harvest. Con temas impecables como Tennessee, está a la altura de sus anteriores y mágicas obras: Revival, Time (The Revelator) -mi favorito- y Soul Journey, del 2003. Esta señora canta con un tempo que demanda calma y cierta concentración, no posee un estilo saltarín y dulce como Eileen Jewell, por poner un ejemplo, su mundo es más oscuro, igualmente bello y delicado. Podría visitar la imaginaria caseta donde debe habitar Sandy Denny en la campiña inglesa, y las dos serían la mar de amigas. Armonías vocales, lechos acústicos, un country folk cerrado, y ninguna intención de que las cosas vayan más rápido de lo que deben.

MINK DeVILLE, LIVE AT MONTREAUX 1982

2011-09-03T02:05:00.006+02:00

Que mi camino se cruzara con la discografía de Willy / Mink DeVille es de las mejores cosas que me han pasado en la música. Le Chat Bleu, Coup de grace, Where angels fear to tread, Loup Garou o Pistola, su última obra antes de su triste fallecimiento, discos que siempre están ahí, con esa mezcla de arrogancia y poderío con autocompasión y tristeza. Y siempre con estilo. Como escriben en el libreto de este Live at Montreaux 1982, Willy es lo cool por antonomasia. Miradle en el DVD, como suda, como pasea su delgadez, sus pendientes, sus camisas, parece que vaya a romperse pero el jodido Willy es duro, es un pirata, un dandy, un líder. Este concierto (editado en CD-DVD) es imprescindible, una banda que emula la consistencia y espectacularidad de una E Street Band, o unos Asbury Jukes, un cantante carismático y en plenitud, y unas canciones que son como fieles colegas en una noche de feliz borrachera.

TOMATES

2011-09-01T15:21:00.003+02:00

No sé si al final eliminarán las diputaciones, o dejarán al país con la mitad de cargos funcionarios, lo que si sé es que algunos ayuntamientos de algunos pueblos deberían ser eliminados de forma fulminante. El del pueblo que celebra la llamada "tomatina", por ejemplo. Que un alcalde permita, y financie, que en su pueblo se lancen miles de kilos de tomate (si no respetamos algo tan básico como la comida, estamos perdidos), para que unos cuantos miles de tunnings se los tiren entre ellos me parece indignante. Naturalmente, los telediarios lo describen como lo más divertido del mundo. Repito, la cosa consiste en que durante un rato, cuatro tunnings cocidos se revolcan como cerdos entre miles de tomates. Luego se van a casa y a otra cosa. Nunca he entendido que se juegue con comida, ni que los agricultores tiren toneladas de su cosecha como modo de protesta, ni que la gente mezcle sexo y comida. Menos entiendo que se tiren tomates entre ellos en la plaza mayor. Supongo que países que permiten esta especie de debacle intelectual no merecen mucho más de lo que tienen.

HEAVEN & HELL, RADIO CITY MUSIC HALL

2011-08-31T01:09:00.005+02:00

Cuando la imaginación no da para más, cuando no quedan cosas nuevas, incómodas, radicales que descubrir, se impone la sobriedad, el ejercicio de estilo, el control de calidad, los tonos elegantes y el clasicismo. Por eso considero este directo de Heaven & Hell, grabado en el precioso Radio City Music Hall, uno de los mejores directos editados en los últimos ¿diez? ¿veinte? años. Nada nuevo, pero el clasicismo y la elegancia del metal veterano está aquí en todo su esplendor. De vez en cuando hay que recuperar a Dio, lo que sea de él, Rainbow, Sabbath, Dio, Elf... con tal de mantenerlo cerca de las cosas que te importan en la vida. Ahora le ha tocado a este majestuoso DVD-CD que cuando se editó en el 2007 me hizo feliz desde el primer momento. Con el tiempo hay que reconocer que fue una forma bonita dar por terminada toda una carrera, un Ronnie pleno actuando en directo con la segunda formación clásica de Sabbath, y editando poco después un disco que no hace sino crecer con el tiempo, The devil you know. Los Sabbath de Dio no intentaban, pasados ya los sesenta por cabeza, imitar ni alcanzar lo que eran antes, Ozzy siempre tratará de pegar sus saltitos de rana y hacernos creer que está loco y tal (cosa que no me parece mal, eh), pero en este DVD nadie es prisionero de su propio personaje; todo es, como digo, metal en su versión más museística y clásica, aunque no por eso embalsamada, sino viva y sentida. Sobriedad y calidad. Todos los temas, de principio a fin son imprescindibles, y la sutil ronquera de Dio no hace sino añadirle más humanidad a su poderío.

HOT TUNA, STEADY AS SHE GOES

2011-08-28T02:07:00.006+02:00

Poco puedo aportar sobre una banda como Hot Tuna, puesto que Steady as she goes es el primer disco que escucho de ellos. Nunca es tarde para abrir una puerta más y recibir una nueva lección de buena música. Jorma Kaukonen y Jack Casady, supervivientes de los Hot Tuna originales que se formaron a partir de Jefferson Airplane (leo en Wikipedia), firman una gloria bendita de disco grabado en los estudios de nuestro viejo leñador favorito, Levon Helm, con la producción de su guitarrista y otrora también guitarra de Dylan, Larry Campbell. Canciones como Smokerise journey, la inicial Angel of darkness y varios etcéteras más son blues rock a ratos más eléctrico, a ratos más campestre, siempre sabio y bonito como el fluir del agua de un río.

ERIC CLAPTON, THE AUTOBIOGRAPHY

2011-08-24T21:19:00.004+02:00

Las últimas páginas de la autobiografía de Eric Clapton son las que escribe un hombre reconciliado con su pasado, feliz y rico. Sus máximas preocupaciones consisten en decidir si irse de crucero con su yate o a cazar pichones por la montaña. Eric Clapton ha sido el colador por el que tantos millones hemos entrado en el blues, y posee una carrera repleta de éxitos y discos capitales; siempre ha gustado a la masa, al fan de biblioteca y al fan poco exigente, por eso sigue llenando pabellones, y está bien que eso le haya hecho rico y que lo escriba. Por lo menos Clapton es un tipo humilde, yo si fuera él no lo sería. A excepción de esta última parte del libro, el resto es una buena lectura sobre música, blues, y adicciones varias con las que este hombre ha estado conviviendo durante dos décadas y pico. Lo único que me falla es que no muestre arrepentimiento alguno por haber firmado discos de una medianía insultante, por haber confiado su carrera en los 80 al maníaco Phil Collins o por haber sido perezoso y descuidado con su arte en muchas ocasiones, sabiendo que hiciera lo que hiciera contaría con el beneplácito poco crítico de sus fans. Eric, arrepiéntete. Esta autobiografía, como tantas otras, es una buena excusa para recuperar discos maravillosos, incluso para reescuchar algunas mierdas, por si acaso te habías perdido algo. Clapton es un fan de la moda, el diseño y la vida de rico, se toma su carrera con la calma y sigue actuando con una media alta (su directo con Steve Winwood es un gran regalo), y sí, Lemmy debe estar en este preciso instante bebiéndose un Jack con cola mientras graba un nuevo disco, pero Eric no es así.

DOKKEN

2011-08-21T22:29:00.006+02:00

Las últimas polémicas que montó Don Dokken con George Lynch acerca de una posible reunión de los Dokken originales fueron otro ejemplo de lo patéticos que pueden llegar a ser los que un día fueron reyes del rock duro en los 80. Finalmente, ni reunión ni nada, y a cambio puedes seguir viendo vídeos en youtube de las actuales giras de Dokken (Don y sus empleados), con el vocalista pasado de kilos y cantando Kiss of death veinte tonos por debajo. No es raro, en el 88 ya podíamos ver a un Don patoso y desmotivado al frente de su banda en aquel tour del Monsters of rock, con Van Halen, Metallica, Scorpions etc. En palabras de Sammy Hagar, Dokken tenían que salir cada noche justo detrás de la banda del momento, Metallica, que naturalmente habían arrasado con todo y dejaban en evidencia el mal estado de forma de Don y los suyos, al borde de separarse. Una pena tantos años malgastados a partir de entonces. Tanta palabrería, vivir de rentas, y tantos lanzamientos horribles (aquel Dysfunctional con el que quisieron encajar en los 90), o discos tan pobres como el rock de tienda de chinos que grabaron en Hell to pay, del 2004, lo último que he escuchado de ellos. En el pasado, Don (que ya era veterano por entonces), George Lynch, Mick Brown y Jeff Pilson fueron unos estilistas, pocos tenían esa clase, esa sensibilidad para hacer rock del momento dinámico, meloso, encantador. Under lock and key, Tooth and nail o el directo Beast from the east son joyas, música con clase. Es curioso lo mucho que impresiona la decadencia física de los totems de los 80. Astbury en el Azkena daba miedo, o Don Dokken como digo, nos producen entre pena y repulsa. Supongo que uno puede engordar, o perder condiciones y continuar siendo digno, ejemplos los hay a montones; otros parece que disfruten de su propio decaimiento.

THE RODS, WILD DOGS (1982)

2011-08-18T23:31:00.008+02:00

Descubrí a The Rods hace pocas semanas, en el concierto de la banda de pendejos homenaje a Dio, compartiendo cartel con Anvil. The Rods fueron los primeros en salir, y me sorprendió su hard rock reserva, sin costuras, callejero, motorizado. Un trío de veteranos salidos del túnel del tiempo que conservaban una dignidad envidiable. Los tres, bajo, guitarra y batería en una forma fantástica. El líder de la banda, David "Rock" Feinstein es primo de Ronnie Dio, y militó con él en Elf. En los últimos tiempos pues, me ha dado por seguirles la pista a The Rods, y me he encontrado con una curiosa bifurcación de la New Wave of British Heavy Metal por la vía USA. Una banda americana que a principios de los 80 podrían haber competido con Raven por acceder a la primera división que ocupaban Maiden, Leppard y los demás. Me recuerdan a Krokus, aunque no tengan mucho que ver a nivel de sonido, pero ambas son bandas periféricas que fabricaban composiciones de rock-metal como churros y que sin embargo jamás han contado con el beneplácito masivo, aunque en el caso de Krokus sí que lo tuvieron muy cerca, girando con éxito por USA y grabando semi-mini-hits e inmensos discos de forma bastante continuada (el últi mo, Hoodoo, es un pedazo de tralla que deberíais instalar en vuestras orejas ya). En las notas interiores de la reedición de este Wild Dogs (1982) que manejo estos días, los componentes de The Rods se autodeclaran fracasados, y se arrepienten de eso y de aquello, incluso critican un disco tan bravo como este, diciendo que les obligaron a ser más comerciales etc. etc. Bien, probáblemente les siga hiriendo el hecho de no haberse comido el mundo en su momento, pero yo no lamentaría haber grabado un discazo como este, defendible y furioso, que todavía interpretan en directo hoy día con esa convicción. La reedición está cuidada y mimada, vale la pena. Como digo, The Rods son una vía alternativa del heavy de primeros de los 80, cuando todo se cocía en las islas británicas, y ellos batallaban casi en solitario en su país. Muy recomendable.

LESLIE WEST, THEME

2011-08-16T23:25:00.006+02:00

Mountain, la banda de Leslie West y Felix Pappalardi, y concretamente su obra maestra Climbing! (1970), son citados muchas veces como influencia decisiva por músicos de rock duro de todo pelaje. Ya a mediados de los 70, Mountain eran los padrinos del sonido que intentaban crear gente como Kiss. Mississippi Queen es una piedra de toque, un abc del rock duro de base blues, como Whole lotta love. Pero la carrera de Leslie West no ha consistido solo en eso. Autor de buenos discos de blues en los últimos tiempos, Leslie (al que le han tenido que amputar parte de una pierna este verano) sigue siendo un tipo respetado, del que vale la pena coger cualquier fleco de su carrera y ver qué hay. Me acerco estos días a su disco de 1988 junto con Jack Bruce, bajo y voces con Leslie, y Joe Franco a la batería. Corto, bastante poderoso y muy libre, aquí encontramos desde una instrumental blues de Leslie a solas con su guitarra, I´m crying, pasando por versiones Cream (el clásico Spoonful de Willie Dixon ¿hay mejor canción que esa?), de Mountain (el tema que escribió el propio Jack Bruce para Climbing! Theme from an imaginary western), y más blues potente y sano para la salud, como Red house, y en Love is forever rock duro con cierto aroma a 80s. Un poco de todo, vaya. En el folleto interior, Howard Stern le dedica a su amigo Leslie una buena tanda de elogios y divertidas referencias a lo gordo que estaba el hombre en sus buenos tiempos. Al parecer, a Leslie le era muy fácil tocar la guitarra como un dios mientras se comía un bocata.

LEMMY

2011-08-15T00:11:00.005+02:00

Lemmy es suficiente Lemmy como para que este documental lo hubiera dirigido un Scorsese, o mejor aún, Werner Herzog. Cualquier fan se lo pasará en grande viendo este DVD, realmente no puedes despegar ojos y orejas de la pantalla, pero el personaje daba cancha para algo más radical, más sucio, más a las tripas. Quizás no sea solo por la dirección, pero Lemmy, 49% motherfucker, 51% son of a bitch es una oportunidad fallida de hacer algo grande. Al lado del de Rush, o el de Petty, este documental se me queda corto. Es Lemmy (USA Lemmy), tal y como se le ve hoy día, como una leyenda que, contra todo raciocínio, no está muerta. Pero, cómo es posible que Metallica tengan más cancha casi que los propios Motörhead, ¿tanto se les necesita para asegurar la viabilidad comercial del producto?; aquí hay mucho "Lemmy es genial y es un pirata", pero me falta punzar de forma más radical en el personaje y sus contradicciones, y me sobran tantos minutos de Dave Grohl (aunque el tipo pronuncia una de las definiciones más bonitas de Lemmy, incluída en el trailer del film, que adjunto más abajo), y las demás estrellitas loando al padrino. Y falta Motörhead. Leeros la autobiograqfía del propio Lemmy, editada hace algunos años. Poco se hablaba allí de las tragaperras del Rainbow Bar & Grill y mucho de la lucha y la mala vida, la perrería de la historia de una banda que sí es el propio Lemmy. Motörhead es Lemmy, más que sus propias botas, más que su colección de navajas, una banda que es un western de Peckinpah en potencia, y aquí no hay de eso, no se habla de la banda, de sus forajidos, de aquella Inglaterra tatcherista que los vio nacer, no veo a "Pilthy" Animal Taylor "Fast" Eddie Clark, y peor todavía, casi ni huelo a Phil Campbell y Mickey Dee, los escuderos del hombre en los últimos 20 años. Me gusta ver a Lemmy preparándose unas papas fritas en su aceitosa cocina, me gusta verle caminando por las calles de L.A, me gusta verle elogiar a su hijo, pero una apuesta más arriesgada (como lo es el personaje) habría mejorado el resultado final.

LLORETS

2011-08-12T20:47:00.006+02:00

Habrá que educar también a las nuevas generaciones en como desfasar. Hay que saber dejarse ir, hay que saber beber, fumar, cantar, gritar, gastarse los ahorros, gastarse la paga de tus padres, hay que saber follar y hay que saber quedarse sin follar. Ahora nos despertamos del sueño del turismo fácil y comprobamos como el país se nos llena de meones que lo rompen todo y convierten Lloret en un pastizal (Lloret, a buenas horas quieres cambiar tu modelo turístico. Has jugado al botellón y al tubo de whisky Dyc desde hace décadas, ahora a callar y a seguir jugando), con mossos heridos y adolescentes ingleses en el desfase de sus vidas. Adoro Inglaterra, pero Inglaterra puede ser la mierda más mierda. Naturalmente, a los que no saben ni coger una cogorza respetando unos valores mínimos, habría que meterles lo que se han bebido por donde más duela, y seguidamente reeducarles, propongo que cuadernos Santillana se ponga manos a la obra. Y nosotros, bien, hemos subvencionado a Ryan Air y hemos montado Llorets donde lo peor de Europa pasa sus vacaciones. Tenemos lo que nos merecemos.

VINTAGE SCORPIONS

2011-08-07T22:56:00.003+02:00

No deja de sorprenderme ver a los Scorpions, los campeones del heavy pop europeo fabricado para el arena rock estadounidenses, en alguna imagen de su primera época. Aquí, con un Michael Schenker adolescente, y un estilo tripi-space-hippy-rock, un megunge en el que cabe todo lo que podías ver en tu mente si te tomabas ciertas cosas a pleno sol. La empanada hippy-Sabbath que llevaban es ahora divertida, pero su mérito tenía por entonces, viniendo de donde venían. Quién iba a decirle a este peludo Klaus, que corretea por la colina como un hermano menor de Ronnie James Dio, o a los Schenker, (¿y quién toca el bajo? ¿quién es ese gris conserge con pinta de funcionario de la STASI?), que algún día las grandes empresas de alquiler de limusinas les tendrían fijos en su agenda. Cuando les ves así, tan absolutamente primitivos, te das cuenta de la edad que tienen ahora, y de que quizás sí sea la hora de ir aflojando giras.

BOB DYLAN, LETRAS

2011-08-06T00:17:00.007+02:00

Si un día pululando por una megastore encontraras por 20 euros el libro-biblia completo con todas las letras de Bob Dylan, bonito y pesado, perfectamente presentado, versión original y traducida, ¿qué harías? Dios, es como, ¡oh no! Tu corazón bombearía al triple de velocidad, notarías pequeños sudores, salivaciones, y con la mano temblando ligeramente, te harías con uno de esos ejemplares, mirando a ambos lados, como si nadie tuviera que verte, como algo clandestino. Hay 20 libros iguales más esperando a ser comprados, pero eliges el mejor, el perfecto, el tuyo. Un acto íntimo, impulsivo, una cuadratura del círculo. Toda una vida escuchando a Bob Dylan y ahora puedes disfrutar de su música y sus textos, ¡todos hasta el 2001! (no te centres en la parte traducida al castellano, léelos en original, disfruta de las inflexiones, de los versos intraducibles, de la magia tal y como la concibió su creador). Este "Letras" está ya aquí a mi lado, y me va a costar separarme de sus páginas, y de los discos de Dylan que ahora mismo estoy amontonando a mi lado como un jodido enfermo. Quiero escuchar-leer Gates of Eden ¡ahora! ¡y Joey! ¡y Mississippi! ¡Y Frankie Lee & Judas Priest! Borrachera dylaniana total.

The motorcycle black madonna
Two-wheeled gipsy queen
And her silver-studded phantom cause
The gray flannel dwarf to scream
As he weeps to wicked birds of prey
Who pick up on his bread crumb sins
And there are no sins inside the Gates of Eden

Y mañana será otro día...

SLIM CESSNA´S AUTO CLUB, UNENTITLED (2011)

2011-08-03T19:38:00.006+02:00

Preciosas imágenes las que acompañan el video que adjunto al final del post, con uno de los temas del último disco de Slim Cessna´s Auto Club, la tremenda banda de los dos sacerdotes escacharrados, los iluminados Jay Munly y Slim Cessna. La carrera en solitario de Munly ya me era conocida (fascinante su disco Jimmy Carter Syndrome), y entrar en Slim Cessna´s Auto Club de la mano de Cipher, disco del 2008, me convirtió en adepto a una secta que evangeliza a sus fieles con una visión de América que combina a dios, el desierto, la locura y la sinrazón, las historias truculentas y el blanco y negro. Country gótico, gothabilly, más perdidos que los primeros 16 Horsepower, y con unos directos que son loanzas a perder el sentido y a creer en ellos. Rock n´roll más teatro más locura, como comprobamos los pocos que les vimos en Sidecar. Unentitled, editado por el sello de aquí Houston Party, es un corto repaso a las esencias de Slim Cessna´s Auto Club. Ideal para hacerse con ellos. Pocas veces la portada de un disco resume tan bien su contenido.

CIUDADES

2011-08-02T19:48:00.004+02:00

Málaga no es ni mejor ni peor que Barcelona. En Málaga comes mejor de una forma, en Barcelona de otra. No hay nada como observar como queman a la brasa de leña unos espetos en la playa, eso siempre será patrimonio malagueño. También hay otras cosas, pero como ciudad, Málaga está en decadencia. Como lo está Barcelona, pero de nuevo, de otra forma. En Málaga notas que mientras el ayuntamiento pinta y perfuma las calles del centro hasta convertirlas en un decorado de Lladró, o mientras gastan toneladas de dinero en imposibles iluminaciones navideñas, los barrios subyacen entre suciedad y despreocupación. En los barrios, da la sensación de que la gente pasa (no solo las autoridades), de que nadie recoge su propia mierda; los pies se te pegan en las aceras por la mugre, los contenedores rebosan, y en general, todo es feo. En Barcelona nos quejamos y ponemos mala cara, colgamos pancartas de los balcones, y normalmente andamos rebotados porque pensamos que nuestra ciudad debería ser mucho mejor, en Málaga a la gente ya le está bien. A cada proyecto, a cada palacio de congresos construido le corresponde al lado un descampado sórdido que te recuerda que el trabajo nunca se acaba del todo. Hay innumerables edificios a medio construir, inmobiliarias fantasma que levantaron pisos y cuando todo se fue al carajo desaparecieron, dejando los bártulos, las grúas y las hormigoneras tal cual. Quizás es que el Eixample, con sus líneas rectas y su geometría, nos ha dado a los barceloneses mayor concreción, tanto en lo bueno como en lo malo. Pero Málaga es un galimatías que nadie tiene ningún interés en resolver. Hay ciudad en Málaga, más que en ninguna otra de Andalucía, pero cada vez me resulta más difícil encontrarla. En pocos días están en Feria (tunings, potas, guiris, desfase y sordidez), fechas ideales para desaparecer y regresar a Barcelona, esta vez a quejarme de lo mio.

MOTHER´S ARMY, THE COMPLETE DISCOGRAPHY

2011-07-31T00:19:00.005+02:00

Las vacaciones son un buen momento para descubrir nuevos tesoros musicales. Mejor que dormirse la siesta alimentando la panza televisiva con sus supervivientes y toda esa gente sentada que solo dice idioteces, uno puede hacerse con la discografía de Mother´s Army, tres discos grabados entre 1993 y 1998, reeditados ahora en un solo y manejable pack. Magnífica banda, esta que representa una ramificación poco transitada de la Purple Family (por parte de un Joe Lynn Turner recién salido de Deep Purple; y también por parte del mítico Bob Daisley de los primeros Rainbow), o una ramificación poco transitada del historial laboral de Carmine Appice. Mother ´s Army fueron, en todo caso, una banda formada por grandes músicos con ganas de hacer cosas, sobretodo por parte del guitarrista Jeff Watson (Nigh Ranger) y del propio Bob Daisley, almas creativas del proyecto junto con Appice. Que unos veteranos como estos se pusieran manos a la obra en una época, 90s, en la que la gente no quería escucharles ni saber nada de ellos, tiene su mérito. Supongo que el hambre les hizo asumir el riesgo.

El primer disco homónimo de la banda es rico en melodías (aunque Joe Lynn trate de parecer duro, siempre sale su innata calidad melódica), y en serpenteantes rocks sin demasiadas aristas pero suficientemente rugosos, con estructuras poco evidentes a veces, como para que prestes atención, incluso hay blues como en Memorial day, excelente tema. Tres discos como tres soles (Aynsley Dunbar sustituyó a Carmine en el último), y tres intentos de unos viejos rockeros por encajar en una década tan extraña para ellos como los 90. No lo consiguieron, por supuesto, pero hay suficiente calidad en estas canciones como para reivindicar su atrevimiento.

RIVAL SONS, PRESSURE & TIME

2011-07-30T00:54:00.005+02:00

Hay discos a los que les echas el lazo enseguida. Un par de escuchas a Pressure & time y dejas de preguntarte si el disco es mejor o peor, si se ha dicho esto o aquello, y te limitas a pasártelo en grande, una y otra vez. Irresistible en temas de aromas psicodélicos como Young love (la forma en que Jay Buchanan empieza: "Well your daddy´s gonne too far this time..." es deliciosa. Hay que saber cantar eso, saber llevarte a tu casa canciones como esta. Eso es un gran vocalista), sobrado de riffs simplones pero tan digestivos como Pressure and time, blueseando a la Led Zeppelin (casi mimetizando con la banda de Jimmy Page) con Gipsy heart, o dando esas patadas que solo das cuando eres joven y estás cabreado, en esa White noise que, como otros momentos del disco, me lleva a bandas como Pink Fairies. Rival Sons presentan este fantástico disco con una portada diseñada por el legendario Storm Thorgerson (Led Zeppelin, el Dark Side de Pink Floyd), y los tipos como yo aplaudimos porque a cada escucha nos devuelven algo que nos pertenece, rock n´roll del pasado, tocado con tanto convencimiento que está aquí y ahora, en el presente.

RESTAURANTES DE MENÚ

2011-07-28T10:59:00.004+02:00

Ya son tres veces las que he podido escaparme durante este mes de Julio al Sucapà de l'Hospitalet a probar el menú de mediodía a 11.90, y ayer por ejemplo comimos en el Atica de la calle Galileo, Sants / Les Corts, menú delicioso con torrada casera de calabacín con queso y unas perfectísimas, golosas galtes de cerdo. Ambos sitios, pienso ahora también en el Blavis de Gracia / Sant Gervasi, son feos, totalmente anti cool, pero han encontrado la clave, y da la sensación de que cada vez hay más gente consciente de ello: restaurante llevado por gente joven, en algunos son parejas que se embarcan en la aventura de llevar un negocio propio; radio de alcance: barrio, fidelizar a la clientela próxima, que los que viven y tarbajan por la zona se sientan cómodos; precios de mediodía ajustadísimos y ante todo, calidad en la oferta y buena elaboración. Las verduras a la parrilla con panceta y soja, la hamburguesa con manzana o la ternera en chop suey del Sucapà pueden alegrarte el día más estresante. Hay que reivindicar esta forma de comer en día laborable que no son ni esas cansinas dos horas tan españolas, pero tampoco el táper delante del ordenador. Quiero decir que en media hora puedes comer en alguno de estos restaurantes, pagar poco, y sentir que no te estafan. Barcelona es la ciudad de Europa donde la oferta gastronómica es más exhuberante, también, gracias a estos pequeños locales de guerrilla.

SAXON: "CALL TO ARMS"

2011-07-26T22:31:00.003+02:00

Digamos que cuando Saxon me llaman a las armas, yo siempre estoy ahí. Leyendas del heavy inglés, macerado en pintas de London Pride y mallas imposibles, Saxon son de las pocas bandas pleistocénicas de rock fuerte que mantienen una madurez digna. Sus años 90 están repletos de buenos discos (Dogs of war, Solid ball of rock), y las últimas entregas de la banda de Biff Byford son compactas y, a veces, vuelven a brillar como en los viejos tiempos: The inner sanctum o Lionheart son magníficos, y todavía canturreo de vez en cuando su single de Into the labyrinth, del 2009, ese emocionante (¡y tan simple!) Live to rock. Saxon deben ser la única banda en la historia que plantean una gira por su país con temas de su discografía basados en la historia inglesa. Todavía sanos y molientes en directo, válidos en estudio, mis Saxon nos ofrecen este Call to Arms de preciosa portada, y giran pronto por aquí con Judas y Motörhead. Prometen volver en otoño, brindo por ello. Call to arms es un buen disco, aunque quizás ligeramente inferior a sus últimas entregas. Byff sigue cantando a los viejos tiempos en Back in 79, y el resto de la banda patea bien, aunque en ambiciosas composiciones como Call to arms se quedan cortos de inspiración, y otras parece que las hayan compuesto en la cola del super, pim pam, como Surviving against the odds. Pero son mis Saxon, british heavy metal que ellos y otros pocos cabezotas mantienen vivo. Ayudadles en su misión y comprad el puto disco. Miradles, si hasta siguen grabando sus clips en jodidos castillos.

MY MORNING JACKET, CIRCUITAL

2011-07-19T15:53:00.007+02:00

Nadie va a cambiar el rumbo del rock n´roll, y si eso ocurre será por las ganas de vender de revistas y discográficas, empeñadas en crear nuevas panaceas, o en las ansias que muchos tenemos a veces de ensalzar lo que nos gusta y pasarnos cuatro pueblos con los epítetos. Mejor que nadie cambie nada, y que los buenos grupos se dediquen a hacer buena música y punto. Con My Morning Jacket me pasa que he dicho las tonterías de las que hablo ahora, que si son el grupo que pilotará el rock del futuro y esas chorradas. Ahora prefiero relajarme, sentarme y disfrutar de su música y de las atmósferas que plantean en Circuital. Circuital me gusta, me atrae, pero no encuentro aquí aquellos pasajes deliciosos del anterior Evil Urges, con Sec walkin o Librarian, ni himnos como One big holiday o Gideon, sí me gusta en cambio el tejido que forman las canciones una detrás de la otra; las iniciales Victory Dance y Circuital te meten en el ánimo del disco, luego hay subidas, pocas, como Holdin on to black metal, y canciones de luminosa paleta, como You wanna freak out. La banda de Jim James ha completado un disco suficiente, bonito a veces (las dos iniciales, la penúltima Slow slow tune), pero no hermoso, como esperaba. Recurriré muchas veces a Circuital durante estas vacaciones, seducido por el humor vaporoso, escurridizo de sus canciones. Luego esperaré a que en el próximo, me sorprendan.

VAN MORRISON EN THE LAST WALTZ

2011-07-18T00:10:00.005+02:00

Me hizo ilusión que Carlos Boyero, en una de sus charlas para El País, destacara la actuación de Van Morrison en The Last Waltz como el momento musical más impactante que ha visto jamás. Entiendo perfectamente lo que dice. La primera vez que visioné la peli de Scorsese, comprada con sudor en un videoclub de barrio, me impactaron las actuaciones de Dylan (ese Baby let me follow you down me ardía), incluso me molaba el tema que Robbie Robertson y el resto de The Band tocan con Neil Diamond ¡me gusta Neil Diamond! y por cierto, no me acaban de entrar las entregas que ha firmado este junto a Rick Rubin; Neil Diamond siempre tuvo un toque Vegas que es lo que a tantos nos gusta de él y que pierde con la sombría y desnuda producción de Rubin. No sé, hay tantos momentos inolvidables, me recuerdo en clase, en primero de BUP tarareando a Dr. John (¡Such a night, sweet confussion, under the moonlight!) sin que nadie entendiera nada. Pero el Caravan de Van Morrison tiene un mecanismo de explosión que, tantos visionados y audiciones después, sigue intacto. Poco habrían ensayado el tema, se nota, pero Van the Man va haciéndose un hueco durante todo el tema, tratando de meterse en un solo de Robbie hasta que, una vez en posición, eleva la parte final hasta las estrellas. Luego, distante, decidido, con el deber cumplido, abandona el escenario sin más. Algo de razón tenía Carlos Boyero, seguro.

ZZ TOP, 13-VII-2011, POBLE ESPANYOL

2011-07-15T01:29:00.003+02:00

Billy Gibbons parece que se haya tragado una garrafa de arena antes de ponerse a cantar, se mueve como una marioneta colgada de un cactus en medio del desierto, es espigado y elegante a su manera, divertido, y toca con un temple y una calma que, disfrutada en directo, asombra. ZZ Top llevan haciendo el mismo concierto desde tiempos inmemoriales, pero vistos ayer en el Poble Espanyol, todas sus rutinas, ponchos, guitarras, coñas, gestos sutiles, su buen rollo y ese sonido a desierto tejano y a tequila, visto el motor funcionando a su calma y precisa velocidad, no puedo sino más que sentir admiración. Los años repitiendo lo mismo, tantos La grange, tantos Cheap Sunglasses, tantos Jesus left Chicago, y aún así, todo suena con vida y con gracia. Gran concierto, gran ambiente en un lugar, el Poble Espanyol, en el que es fácil disfrutar de un concierto. Waitin´for the bus / Jesus left..., el segundo y tercer tema, me pusieron la piel de gallina; hubo momentos de blues pantanoso y denso, de Hendrix, y en general, una reposada y satisfecha felicidad por haber gozado de una banda inmensa que sigue en forma.

ESCRIBE, ESCRIBE, ESCRIBE

2011-07-12T22:28:00.006+02:00

Escribe lo que te pase por la cabeza, no esperes ni pienses. Pensar enreda las ideas que todavía están mamando la sustancia mágica, no pienses y escribe, nota como el ritmo va tensándose, como las capas van cediendo y te acercas a algo, de nuevo, mágico. Tu vida es igual de fascinante que la de otro, espera, no, tu vida debe ser escrita. Coge una parte, un detalle, déjate llevar por una tontería, enrédate como un gato y el ovillo de lana. Haz un mejunge que nadie entienda, ya le darás forma, ya mejorará. Escribir es dejarse llevar, cuando quiero escribir algo y no paso de la intención me pongo enfermo, dónde está el "clic", dónde está mi "clic". Quiero palabras, quiero sentir el ritmo, que los dedos trabajen, que corran. Verticalidad, intención, decisión. Insiste, sácate partido. El problema de las miles de personas que tienen talento para escribir y no lo saben (de hecho, cualquiera puede escribir cosas bonitas) es que no se sacan partido. Se miran al espejo y no se ven guapos, y ni siquiera le sacan punta al lápiz porque creen que nada de lo que viven merece ser escrito. Puedes escribir de lo que quieras, necesitas encontrar el "clic", busca algo, haz tonterías en la libreta, en la pantalla. O como ahora yo, escribe lo que sientes cuando escribes, sé egoista, habla de ti. Frases cortas y certeras, dardos, ya verás como en casi todas das en el blanco. Luego te lo lees una vez, cortas aquí y allá (corta siempre, no alargues, no seas retórico, no seas poeta, queremos prontitud, energía, cadencia, músculo), y al fin, le das a "publicar entrada". Y mírate ahora, saciado, completo, un poco más feliz.

ALCOHOL, TABACO, CARNE

2011-07-12T00:28:00.005+02:00

Sé que no tiene mucho sentido, pero la gente que no bebe ni que sea un culillo de vino en una cena de viernes noche me parece cuanto menos sospechosa. Vaya por delante que tengo amigos abstemios que no entenderán de qué coño estoy hablando. Pero beber -moderadamente o no, esa es tu decisión- es importante. Acompañar los buenos momentos (ya no hablo de los malos) con algo de alcohol afina los sentidos, abre perspectivas y desengrasa el espíritu. Es sórdida una vida dependiente del bebercio, como el tipo del bar de abajo de mi casa, que se fulmina varios cubatas cada tarde cigarrillo en mano, mientras su cría de tres añitos come patatas chips a su lado; pero también tiene algo de oscura una cena en, pongamos, El Celler de Can Roca, unicamente con agua mineral, o un concierto de blues con una triste Coca-Cola, o una conversación en el Dry Martini sin gin tonic o lo que se tercie. Me pasa lo mismo con los vegetarianos, ¿se puede vivir sin comerse uno un filete de vez en cuando? ¡pero cómete ese chuletón, hombre! Abstemios y vegetarianos, que sin condicionantes religiosos ni de salud, habéis decidido beber agua y comer tofu, os admiro. ¿Y fumar? supongo que muchos fumadores tampoco conciben la vida sin el encanto del humo flotando delante de su cara. Es lo que me ocurría a mi antes de dejarlo.

THE BAND, STAGE FRIGHT

2011-07-09T14:58:00.007+02:00

A los 11, 12, 13 años escuchaba a Neil Young, The Band, Dylan, Hendrix... Era fácil sentirse solitario culturalmente, con una música que solo tenía cabida en mi intimidad, y que podía compartir tan solo con mi hermano o en casos puntuales con algún amigo. Cuando empecé con The Band, un doble Lp recopilatorio que compró mi hermano, luego seguí con Before the flood, enseguida me sentí atrapado. A los 12 años no deberías sentirte atrapado por The Band, no es lógico, pero ahora empiezo a entender por qué me ocurrió. En muchas canciones de The Band había un sentido narrativo que me mantenía pegado al altavoz; me estaban contando una historia, épica, bella, grande, no sé cuál exactamente, pero en The night they drove old dixie down, The weight o en Daniel and the sacred harp, alguien me contaba un cuento extraordinario, y a qué chaval no le gustan los cuentos bien contados. Quizás era que mis padres no me explicaron muchas historias antes de irme a dormir, pero un hueco vacío se llenaba cada vez que escuchaba a The Band. Y así hasta ahora mismo, con todos los discos de Robbie Robertson, Rick Danko & co. en mis estanterías, con mil visionados de The Last Waltz a mis espaldas, con las carreras en solitario del propio Robbie, o del guardián de las esencias en que se ha convertido el gran Levon Helm etc. etc. The Band siguen siendo un granero donde reencontrarme con docenas de canciones increíbles, sorprendentes, ricas ¡qué músicos tan privilegiados!, y ante todo, noche, fogata, whisky y buenas historias.

Stage fright no es mi disco favorito de la banda, o quizás sí, tampoco importa. Es el tercero en su carrera, el disco en el que empezaron a distanciarse unos a otros fruto del dinero, las drogas y los egos. A partir de ese momento, grabarían grandes obras, pero igualar el trío inicial Music for Big Pink-The Band-Stage fright, eso ya sería imposible. Un disco de congojas (Stage fright, la canción), bellas historias (Daniel and the sacred harp, cómo me emociona cuando le toca el turno de narrar a Richard Manuel, "the sacred harp was handed down from father unto son..."), canciones contagiosas (The shape I´m in), y ese carnavalesco estilo de hacer rock rural americano (Strawberry wine), y etc. Con Todd Rungren de ingeniero y Glynn Johns a las mezclas, Stage fright es una excusa como cualquier otra de entre los ocho discos oficiales de The Band, para volverme a sumergir de nuevo en ese inagotable palacio de oro.

TEDESCHI TRUCKS BAND: REVELATOR

2011-07-07T22:13:00.004+02:00

Cómo me gusta que se quieran tanto. Una mujer de las condiciones de Susan Tedeschi, buenos dedos a la guitarra y una de mis voces femeninas favoritas, y Derek Trucks, qué decir, el Iniesta o el Messi del blues; nadie toca ni suena como él, nadie manda como él, discreto privilegiado, al que en sus primeros tiempos en la banda de su tío, Allman Brothers, pocos tomaban en serio. Y Susan & Derek se deben querer tanto que ahora han unido a sus bandas respectivas y han compuesto una maravilla de blues y soul para alegría de ellos mismos y de nosotros. "Don´t let me slide into my dark side", canta Susan en el segundo y perfecto tema de Revelator, y me aplico el cuento, porque con canciones como estas, la oscuridad ya puede esperarse sentada. Participa Gary Louris componiendo algunos temas y el disco viene en un bonito envoltorio. Hoy tengo rondándome por la cabeza Bound for glory, ayer era la letra de Simple things. Cuánto me alegro de tener este disco para ayudarme a hacer del verano algo tan bonito.

THE DIO DISCIPLES - ANVIL- THE RODS, BIKINI 4-VII-11

2011-07-04T15:17:00.004+02:00

Algo debe tener la decadencia, el timo y la sinvergüenza para que yo, como una mosca, revolotee tanto a su alrededor. Me debe gustar la mierda y el pringue, y por eso, mientras leo tantas maravillosas crónicas del Azkena en mis blogs amigos, yo voy y me meto en un concierto de Dio Disciples, el tinglado que han montado cuatro decadentes para pagarse la hipoteca. Tal panda de cochambrosos salen este mes en todas las revistillas y, encabezados por Simon Wright, ilustre agarrafarolas, siguen los pasos de Joe Lynn Turner, otro maestro en eso de la currículum-exploitation. Lo hacen justificándose: Wendy Dio les ha dado su bendición para que salgan a la carretera a cobrar por reinterpretar las canciones de Ronnie. Pero eso me da igual. A veces queda bien y cuela, otras es un desastre, y el de ayer era un espectáculo triste. Pero el rock n´roll siempre ha sido rastrero en este aspecto. Donde puedes mojar, mojas. De la banda amorfa que tocó ayer en Bikini solo salvo a Doro, que destila ilusión y porque los discos de Warlock son siempre fantásticos de revisitar. Los demás, peña que quiere pagar facturas o gozar de diez segundos de ¿fama? ¿cerveza gratis? No sé, paso, pero como me gusta revolotear alrededor de la mierda, voy y pago. No tengo arreglo. En otro orden de cosas, antes de la actuación de la pandilla de Dio Disciples, salieron The Rods, veteranos heavys USA, relacionados con Dio por su líder, David Feinstein, primo de Ronnie y compañero suyo en Elf. The Rods me gustaron, quizás profundice algún día en su discografía. Luego subieron al escenario Anvil, probáblemente la principal razón por la que estuve ayer en Bikini, a parte de la mierda, como ya he dicho antes. Anvil ya nos caen bien de entrada por el documental, y es difícil juzgarles sin tener en cuenta las imágenes de "Lips" Kudlow trabajando de transportista de catering escolar, o, ilusionado, tratando de saludar a un borde Carmine Appice que no sabe ni quiere saber quién es. Me gustan Anvil, me gusta su música, y tienen una clara importancia histórica. "Lips" no parecía contento con algún problema técnico, y andaba muy mal de voz, aunque puso para la galería sus muecas y sus solos. Unos Anvil sin más mecha que la justa, con un gran Robb Reiner a la batería, y con Metal on metal para terminar, claro. Embrutecido tras la experiencia post-mortem de Dio Disciples, me fuí a casa y continué leyendo crónicas del Azkena y esperando a ZZ Top.

NEIL YOUNG INTERNATIONAL HARVESTERS: A TREASURE

2011-07-03T00:25:00.009+02:00

Demasiado a la ligera se han juzgado los cambios estilísticos de Neil Young en los 80. Para muchos, Neil perdió la chaveta y no la recuperó hasta Freedom o Ragged Glory, ya en los noventa. Otros pensamos que, por diversos motivos, amplió sus registros sin miedo y sin necesidad de rendir cuentas a nadie (fue demandado por Geffen, hartos de no tener en nómina al Neil Young que todos esperaban). Discos como Trans, Old ways, Everybody´s rockin´, This note´s for you o Life juegan cada uno a estilos dispares: tecno-rock, country ultra tradicional, rock n´roll 50s... Pero de todos saco siempre buenos momentos cuando los escucho; por no hablar de las giras de la época, apoteósicas y nucleares como siempre (ese video de la gira Neil´s Garage, 1987 creo, es una fiesta, incluso me gusta el vídeo grabado en Berlín, con Neil y su jodido vocoder, y Nils Lofgren dando saltitos de un lado a otro). Por eso recibo con un aplauso, sombrero en mano y pajita entre los dientes, esta nueva entrega de los archivos youngianos. Se trata de A Treasure, formado por tomas en directo de su gira '84-'85, presentando mayormente un repertorio country. Delicioso compendio de joyas como Amber Jean, la aguerrida Are you ready for the country, Flying on the ground is wrong, la divertida Motor city, en la que Neil se queja de que se vendan demasiados coches japoneses cuando ellos tienen la verdadera Motor city en Detroit; o la blues Soul of a woman, todas en sus galas más campestres, violines, pedal steels, pianitos... A treasure incluye varios temas que nunca tuvieron cabida en los discos en estudio. Aquí hay mucha energía, y tranquilo optimismo por la vida, el campo y el sol.

THE BLACK PINES PRESENTAMOS DISCO

2011-06-30T11:56:00.008+02:00

Una banda es siempre un equilibrio delicado. Terminadas las jornadas laborales, nos juntamos cuando podemos y ensayamos. A veces hay que poner orden, son cinco cabezas pensantes, cinco ilusiones, cinco pequeños egos. Lo importante si tocas música es saber que es una parte bonita de tu vida, pero que no debe ocupar ni un centímetro de espacio en tus preocupaciones. Tocamos para divertirnos, no hay batallas que disputar ni dinero que ganar, nada más que hacer durante un rato lo que te gusta. Y hacerlo a fondo, pisando al máximo el acelerador. Dar mucha guerra. Este mes de Julio tenemos varias fechas (¡bien!), aunque la más chula es la del sábado día 16 en Barcelona, Sala Monasterio. Presentaremos nuestro disquito, Walk in the rain, y daremos mucho blues n´roll, mucha guerra y sudor, fijo. Solo me queda invitaros a que os paséis a saludar y a escuchar.

ODIAR

2011-06-28T13:23:00.004+02:00

A muchos les pasa cada semana, a mi de vez en cuando. Alguien de mi entorno se me cruza y paso de un minuto a otro a despreciarlo. Independientemente de su culpabilidad o inocencia, o de si es un gilipollas, pasas a realizar juicios sumarísimos a cada gesto o frase de la persona en cuestión. Le marcas la "x", y todo de él te quema, y todo lo que haga es un argumento que apoya la tesis de que debes odiarle hasta reventar. Quizás haya personas de tu entorno susceptibles de ser odiadas. Pero es molesto, y no es constructivo. Odiar es tan fácil, como rajar de los demás, te hace sentir bien contigo mismo a un precio irrisiorio, perder el sentido ético y equilibrado de la vida. No me gusta odiar, ni rajar, por eso cuando alguien se me cruza me siento rabioso (por mi), porque no me gusta ser como tanta gente que me he encontrado en la vida, que viven y respiran para odiar, pero odios estúpidos, mezquinos, tonterías que se arreglarían hablándolo. Pero hablarlo y solucionarlo no nos hace sentir bien, nos gusta ganar, machacar. Odiar.

BLACK COUNTRY COMMUNION 2

2011-06-25T01:07:00.007+02:00

A cada metro que avanza este caballo llamado Black Country Communion, más noto un "sense of purpose", un sentido, un objetivo, una línea. Glenn Hughes, el alma del grupo, Joe Bonamassa, Jason Bonham y Derek Sherinian, más el productor Kevin Shirley, saben que tienen entre manos una bestia que saca humo y arrasa con todo. A penas pueden controlar la creatividad que explota en cada tema, en serio, no sé cuánto durará esta banda, pero asusta que saquen un segundo disco que no solo afianza lo escuchado en el primero, sino que, sencillamente, lo destroza todo. Es más heavy, más oscuro, más poético. El primer tema, The outsider (de nuevo, versos de Glenn para definir todo un disco y un estado vital: "I´m the keeper, you know my name, kill the reaper, feed the flame, I´m a rider, blood red sky, THE OUTSIDER", igual que ocurrió con ese impagable "I am a messenger, this is my prophecy...!" del primer volumen de Black Country Comunion), The outsider es lo que los yonquis de Deep Purple andamos soñando desde hace años (ese teclado, esos solos, esa intensidad); lo más Deep Purple que he escuchado en mucho tiempo. Un temazo, como el groove diabólico de Man in the middle, la sensacional concepción de un tema de Joe, The battle for Hadrian´s Wall, al igual que otra criatura de Bonamassa, An ordinary son, con un glorioso puente protagonizado por la voz angelical y furiosa de Glenn, y un pequeño fragmento de teclado de Sherinian que es una delicia, además de un estribillo rabioso, y el solo de Bonamassa bien arriba al final; o el blues según lo entienden estos tipos con Smokestack woman (otra que te imaginas interpretada por los Purple de Hughes & Coverdale)... Es un placer saber que todo esto ya lo esperábamos. Estaba seguro de que no fallarían con este segundo disco. Otra cosa es que no salga de mi asombro ante tanta contundencia y tanta magia.

CLARENCE

2011-06-22T00:01:00.004+02:00

En Hollywood siempre cuidaron la figura del secundario. Agnes Moorehead, Walter Brennan, Dan Duryea. Actores con carácter, que defendían a su personaje en un par de trazos maestros. Tenían que ser rápidos, porque salían menos en pantalla que las estrellas del reparto; captar la mirada del espectador en pocos minutos, y luego desaparecer. Pero también tenían que ser elegantes y generosos, aunque pudieran, no debían robar la escena al protagonista, tenían que dejar huella pero sin que se notase. Unos interpretaban siempre al amigo fiel del protagonista, otra a la clásica y malvada ama de llaves, o al conductor de diligencias borracho, o al oscuro chantajista de cine negro. Ellos estaban en la segunda línea, pero siempre me acuerdo que mi abuela tenía muy presente, por ejemplo, al ama de llaves de Rebeca. Mi yaya recordaba más a aquellos secundarios que a las propias estrellas. Estos días ocurre lo mismo. Clarence Clemons pasa al primer término, y Bruce lo mira, por última vez, desde el fondo del escenario. El último solo de Clarence, o el tópico que encuentres. Lo quiero tanto porque me ayudó a crecer, y sé que a muchos os pasa lo mismo. Bruce significó nuestra puerta de entrada al rock n´roll de verdad, y a quién veíamos a su lado sino a aquel monumental saxofonista. Nos asustaba, se hacía respetar, pero lo queríamos. La música tiene estas cosas. Clarence era un secundario que aparecía en momentos muy determinados, pero cuando lo hacía, ay cuando lo hacía. Todos podemos escoger nuestros momentos Clarence: Rosalita, Quarter to three, Jungleland, Thunder road. Era el hombre de la banda, y como he leído hoy, la conexión directa de Bruce con el pasado más dorado de la E street band. Era escuchar de nuevo su saxo y transportarte a otras épocas. Estos días resuenan muchas canciones y mucho saxo. Esta noche toca Thunder road, la original. Gracias por todo Clarence.

RORY GALLAGHER, NOTES FROM SAN FRANCISCO

2011-06-20T13:44:00.005+02:00

El legado de Rory Gallagher va explotándose por parte de su hermano Donald con pausa y elegancia. Los fans no sentimos que se expolie hasta el último lick del bueno de Rory, los familiares tienen derecho a seguir ganando dinero de él, y muy despacito van sucediéndose fantásticos lanzamientos. Notes from San Francisco está a la altura del recopilatorio de acústicos Wheels within wheels, aunque imposible que llegue al nivel de las BBC Sessions, o por supuesto los tres DVD´s en directo del Rockpalast, o el doble de Montreaux. Con un artwork precioso, formado por postales de una San Francisco que probáblemente ya no sea igual, encontramos en el cd 1 un compendio de grabaciones registradas en un estudio de San Francisco que iban destinadas a publicarse como continuación de Calling Card, de 1976. Finalmente Rory decidió posponer el disco, pulir los temas y editar el tajante Photo finish de 1978. Los temas son conocidos en su mayoría, versiones menos redondas y acabadas de los temas de Photo finish, más alguna que otra joya como Persuasion o Rue the day. Solo por volver a disfrutar de Fuel to the fire, ya vale la pena pagar por esto: hija de preciosas baladas de Rory como A million miles away, o Darling of the everglades, una maravilla. El cd 2 es Rory en su punto, servido en un concierto de 1979, formato trío, fuerte, duro, tremendo. Música de corazón.

BAR EL CANALLA

2011-06-18T21:55:00.006+02:00

Si se trata de dar un paseo por Sarrià, mejor pasar de largo el Tomàs, y sus cansinas bravas y su cansina fama, y subir hasta la Plaza Sarrià para comer unas tapas en El Canalla. Con una decoración de bodega vieja con toques modernillos, incómodo por sus mesitas redondas en las que a los diez minutos no cabe ni un plato más, El Canalla promete comer bien pagando poco. A partir de la carambola croquetas (deliciosas), ensaladilla rusa (imprescindible desde ya, un simple platillo de ensaladilla que bien vale volver) y el arroz mar i muntanya, sabroso, en su punto, vete a las carnes, o sigue con las tapas, tu eliges. Carta de vinos adaptada a todas las prestaciones, servicio joven y simpático. Local que no pretende, pero que con el buen tino que le dan a sus platillos, tienen garantizada peregrinación inter-barrio.

BUCKCHERRY, BIKINI 16-VI-11

2011-06-17T17:35:00.007+02:00

Deberíamos protestar por un concierto tan corto, igual que hicimos con los pobres 70 minutos de Cinderella. Y con más razón, porque visto lo acontecido ayer en Bikini, a Buckcherry les arde el fuego en cada segundo de concierto, y tienen mucha cuerda. Podría quejarme también porque Josh Todd se pasa toda la actuación tocándose su lindo peinado. Pero una vez dicho esto, hoy toca removerse de placer como un cerdo en el barro, después de un concierto de rock n´roll impecable. La energía de Todd es embriagadora (con una actitud entre bailarina y boxeador ¡qué juego de piernas a lo Holyfield!, no puedo dejar de pensar en lo que este tipo habrá llegado a follar), el carácter de Keith Nelson, sobrado, y sobretodo, la generosidad de un tipo como el pequeño Stevie D, comprometido al 200% con lo que hace, tuteando al público, uno a uno, haciendo feliz individualmente a los que tiene delante, disfrutando, gustándose, amando lo que hace. Para mi no hay nada más auténtico y bonito que un tipo como Stevie D. Buckcherry sudaron ante un Bikini rebosante, con temas de ese buen Jack con cola que es All night long, y regalaron momentos deseados, como el Lit up que nos abrió las puertas a su música, hace más de diez años. El hard rock se toca y se vive así, punto.

NORTH MISSISSIPPI ALLSTARS DUO, "LIVE IN THE HILLS 6-26-10"

2011-06-16T13:54:00.005+02:00

Muchos de los que estuvimos en la última visita de los hermanos Dickinson pasamos por el exiguo puesto de merchandising y nos hicimos con este delicioso directo, donde brilla todo el sonido blues swamp marca reg. North Mississippi Allstars, menos, ya lo sabemos, el bajista. Su visita nos colmó hasta el notable, con este directo grabado por el dúo en 2010, tu valoración puede trepar hasta el sobresaliente. La portada, fea de cojones, su contenido, adictivo.

BIG MAN

2011-06-13T22:54:00.005+02:00

Leo que Clarence Clemons ha sufrido un derrame cerebral. Tantos que nos hemos educado en todos los sentidos a golpe del saxo de nuestro Big Man, le deseamos ahora que se recupere. Clarence Clemons era el mejor lugarteniente de Bruce, su doctor McCoy particular, en términos trekkies. Yo de pequeño lo quería y me daba miedo a partes iguales. Lo de Clarence es carisma y punto. Ahí va un Quarter to three más ¡Ánimo Big Man!

ZZ TOP

2011-06-12T00:22:00.006+02:00

Ahora que vuelven a Barcelona, y que en mi banda estamos haciendo una versioncita de La grange, me apetece hablar de ZZ Top. Vagos y apalancados como pocos, Gibbons y los otros dos hace años que funcionan al ralentí, mezclando blues tejano a ritmo chop-chop con sus hits de mediados de los ochenta. Arrancarles un disco con nuevas canciones es más difícil que arrancarle una decisión acertada a Zapatero, por más que llevemos años oyendo que Rick Rubin les producirá una nueva obra. Lástima, porque creo que con XXX, de 1999, el trío había encontrado un nuevo lenguaje blues. Sucio, embarrado y mohoso, grasiento y lento, embadurnado en lodo, tierra y tequila. Cómo me gusta XXX, Poke chop sandwich y las demás enchiladas sonoras requemadas y pegajosas de ese disco, y qué pena que no siguieran por ahí. Mescalero, su última entrega en estudio, sonaba parecido, pero eran unas canciones a penas esbozadas, balbuceadas en boceto, vagas y apalancadas, más o menos como son ellos. En directo sin embargo, la empresa funciona perfectamente año tras año. Ya no giran con montajes surrealistas como aquel tour de, creo, Recycler, en el que el escenario representaba un desguace de coches, con una grua que iba trasladando piezas de un lado a otro, y Dusty y Billy tocando encima de esas cintas móviles para correr. Era gracioso y desmesurado. Ahora afinan la propuesta con sus éxitos, cero riesgo y un control de calidad que siempre les ha funcionado. El sonido ZZ Top parece fácil, pero ese sabor, esa elegancia y ese extraño sentido del humor y del blues no los tiene cualquiera. Gibbons toca pocas notas, a veces parecería que se va a quedar dormido a mitad de solo, pero tiene una clase innegable. En el pasado crearon obras mayores como Tres Hombres, Degüello, incluso el dúo ultra comercial Eliminator y Afterburner, causantes al fin y al cabo de que ahora sean unos parásitos de su propio legado. Espero con ganas su concierto veraniego del Poble Espanyol.

CINDERELLA (RAZZMATAZZ, 10-VI-11)

2011-06-11T10:59:00.008+02:00

Con la velocidad a la que corre todo a partir de los 30, uno ya ni valora que hace años, era inviable pensar que vería a Cinderella encima de un escenario. Ahora vas a Razzmatazz, miras, escuchas, valoras y llegas a casa con la opinión formada y a otra cosa. Como digo, todo corre mucho ahora, aunque para Tom Keifer haya sido una dura travesía hasta poder girar de nuevo en condiciones. Ayer lo pasé bien, las canciones sonaron bien, y hubo momentos en que me emocioné, como en la perfecta Heartbreak station, Nobody´s fool, Gipsy road... Pero eso se daba por descontado, como tener que pagar cuarenta euros por un concierto no mucho más largo que el que dieron en Madrid el año pasado, y eso que los promotores juraban que esta vez duraría más. Tom Keifer conserva buena actitud, y su voz funciona más o menos bien. Hay momentos en que berrea los temas, porque ya no es capaz de cuidar los matices, como en Don´t know what you got. Sigue acaparando protagonismo muy por delante del resto de la banda, y Cinderella siguen siendo candidatos a ser una banda de blues rock clásica (cuanto más lejos del sonido Night songs mejor, by the way), una referencia. Pero siempre candidatos. Sin canciones nuevas, sin riesgos, la carrera de Tom y los demás, ya en la que podríamos denominar "última fase", puede perderse. Llevan tiempo girando con estos temas, cómo es posible, podrían firmar algo con el espíritu de Heartbreak station, tratar de sacar sus conciertos del molde de grandes éxitos, estirarse en jams, darse un toque más Black Crowes en todos los sentidos. Pero ahí fallan, con conciertos de hora y veinte y sin música nueva, no hay nada que hacer. Y no me quejo, eh, lo importante es que ayer estaban ahí. La sala no estaba a reventar, supongo que por el exceso de conciertos y Azkenas, y el público satisfecho, aunque sin dar volteretas ni durante ni después de la actuación. A pesar de todo, bueno sería pararse y valorar que, por fin, he visto a una de mis bandas favoritas.

CINDERELLA

2011-06-08T23:29:00.004+02:00

Si es que es normal que Tom Keifer se haya pasado media carrera como músico entre especialistas para ver cómo demonios le arreglaban las cuerdas vocales. Su voz debe salir del rincóm más insano y mugriento de su aparato respiratorio, y ya desde joven, se le notaba que sacar un concierto adelante le representaba más esfuerzo que a la mayoría. Pero qué estilo, qué seguridad con la Les Paul, con la Telecaster, qué clase. El carisma y atractivo de Tom era tal que dejaba a los demás miembros de la banda en un lejanísimo segundo plano. Lo tenía clarísimo, Tom sabía cuál era su posición en el escenario, como debía arquear el cuerpo, marcar los riffs, sudar y respirar; a su lado, los demás eran hamsters correteando de un lado a otro. Ilusiona saber que el viernes podré verle por primera vez, y entiendo que tendrá sus limitaciones, y que no será igual que en la gira de Heartbreak Station, solo faltaría. Pero será una bonita noche.

DIO CON SABBATH, DIO CON RAINBOW

2011-06-04T21:46:00.005+02:00

No me cabe la menor duda de que los primeros Rainbow con Dio, fueron más importantes que los Sabbath de Heaven & Hell, también con Ronnie. Como cualquier otro debate rockero estéril y caduco, me interesan este tipo de discusiones. Es importante tenerlo claro, si te quedas a nivel de importancia histórica con los Rainbow de Tarot woman o los Sabbath de Neon knights. Es una postura que debes tener clara, amigo. En ambos casos, la figura de Dio fue esencial para revitalizar las carreras tanto de Ritchie Blackmore sin Deep Purple, como de Iommi y los otros dos bigotudos, una vez Ozzy ya no estaba. La influencia de Dio en ambas instituciones resultó ser inmensa, y la capacidad de Blackmore & Iommi para verlo y solaparse con su personalidad también. Los Sabbath de Dio son unos nuevos Sabbath, más dinámicos y más metal, acordes con los tiempos que corrían, pero los Rainbow que formó Ritchie con la banda de Dio, Elf, sí eran algo realmente nuevo.

El Ritchie que salía de Deep Purple era un Ritchie enrabietado y desatado. Tenía, ahora sí, todos los medios a su favor (fuera Gillan, fuera el funky de Hughes etc.), más una nueva personalidad con la que congeniaba artísticamente, para crear lo que tenía en su cabeza. El estilo de rock duro medieval, fantasioso, con desarrollos clásicos pero también con blues, sustentado en la voz y la guitarra, tan pasional y épico, tan asesino y poético, es una de las piedras de toque de todo el heavy metal posterior. Había algo nuevo y radiante en aquellos Rainbow, escuchad Rising, escuchad On Stage, o los tres directos, im-pres-cin-di-bles, grabados en Alemania en 1976, que se editaron hace pocos años. Ritchie Blackmore al 100%: libertad y dictadura, tensión y armonía. La música dura se mueve bien en terrenos poéticos, por eso me fascinan esos Mistreated que interpretaban Rainbow en directo, del 76 al 78, con tantos pasajes bellos, luego otros dementes, con tanta libertad y prepotencia. Mucho se habla de lo capullo y prepotente que siempre ha sido Ritchie Blackmore, incluso muchos (aunque varios millones menos) han acusado a Dio de ser igual. La prepotencia está infravalorada. La prepotencia es buena, si la utilizan los superdotados. Los genios solo pueden expresarse mediante la prepotencia y el desprecio a los que no somos genios, un genio humilde quizás se esté dejando cosas en casa, por aquello de respetar a los demás. Ritchie no se dejaba nada en la recámara y lo daba todo de forma extraña y brutal, sin cortapistas y sin respeto ni por su banda, a cuyos miembros despedía y contrataba como le venía en gana, ni por su público, que asistía a conciertos, geniales o no, dependiendo de su humor. Los tres primeros discos de Rainbow tienen, en mi opinión, mayor relevancia histórica que Heaven & Hell y Mob Rules. Da gusto que el debate sea solo entre obras maestras.

REENCUENTROS ESCOLARES

2011-06-04T20:20:00.010+02:00

Los hay que odian esos reencuentros, vía Facebook, de viejos amigos del colegio. No sé, como si hubiera un resentimiento por algo, o una necesidad de borrarlo todo y reafirmarte en que ahora eres distinto y que no necesitas que te recuerden que una vez fuiste un niño con gafas, parche, peinado a lo beatle y cara de empanado. Pues no eres tan distinto ahora. A mi me gusta que me lo recuerden, me gusta parar el reloj y juntarme de vez en cuando con cuatro o cinco glorias de la EGB y pasar una cena agradable. Hay tantos guiños que demuestran que somos exactamente lo que éramos antes. Es divertido, es una amistad que en verdad no es muy práctica, lo son más las que vas haciendo en el presente, en el trabajo, en la vida, pero sí en cambio es una amistad sólida, hay algo que nunca se apaga en la relación que tienes con alguien que te conoció de niño. Y si bien es algo sólido, conviene no removerlo demasiado, verse poco, guardar estas amistades en un armario que tenga que airearse muy de vez en cuando. Ser delicado, y que ese hilo tan fino que te une con el niño con bata que una vez fuiste, no se rompa nunca.