JODER NEKO, QUÉ COÑO TE PASA

Qué disco más cargante, insoportable por momentos, más quejica y llorón. El nuevo The worse things get... (etc. para colmo tiene un titulo largo y estúpido) de mi princesa Neko Case es la confirmación de que esta pelirroja no debería haver abandonado la senda que seguia en los tiempos de Furnace room lullaby, cuando mantenia su corazón en el centro del americana 90´s que hoy tanta gente ha olvidado. Muchos la ponen en el cielo a cada nuevo disco, pero yo me estoy desencantando, dios, mi voz favorita, la mujer que me ponia la piel de gallina en todo lo que hacía. Simplemente, no conecto con el manierismo y el dramón de estas canciones sin personalidad ni sentido, pegajosas y estériles. No tengo mejor forma de explicarlo, es pillar el disco y cogerle más y más manía. Joder Neko, qué coño te pasa.

STEVIE NICKS, LA MUÑECA PERFECTA

Hubo un tiempo en que Stevie Nicks era la muñeca perfecta. Una monada, preciosa, con una gran voz y un gran talento. Qué contraste con Christine McVie (aquí un post que le dediqué hace poco), una belleza más inglesa, para mi más sutil. Pero la pequeña Stephanie era el foco de atención de Fleetwood Mac, sensual, con sus temas de amor esotérico, como esta Rhiannon, un vehículo para su lucimiento, esperad a la parte final del vídeo, todo un torrente. Luego de los 80 en adelante, Stevie, con épocas de gran éxito comercial en solitario, se convirtió más en una señorona de peinados imposibles, hasta los tiempos actuales, conservando buenas condiciones de voz pero sin esa inocencia tan erótica de la segunda mitad de los setenta. Los años pasan, claro, pero a ella se le ve bien. Ah, Fleetwood Mac, uno de mis grupos del mes. Ahora suelo trabajar con la banda sonora de Rumours, Tusk, o un infravalorado y sedoso Mirage. Siguen girando por USA, ella y Lindsay Buckingham a la cabeza, jugando a esos viejos ex que se reencuentran y todavía sienten el uno por el otro algo del amor que una vez sintieron (eso encanta en los USA, y ellos lo explotan a conciencia); y luego van a Europa, si se dieran las circunstancias, los astros y todo eso, cuánto me gustaría verles.

DAVID BOWIE, "THE NEXT DAY" (2013)

Opiniones extremas, puntos de vista exagerados y mucha polarización de opiniones. Bueno, para mi lo importante es haberme ilusionado en las semanas previas a que se hiciera oficial la rumorología respecto a la edición del primer disco de David Bowie en una década, haber disfrutado de la campaña de marketing, con museos incluídos, y ante todo, de las primeras escuchas de este The next day, que incluso me ha sorprendido; ha sido fácil elección llevármelo bastantas veces a caminar, y constatar que Bowie ha intentado meter a cuantos Bowie recordaba haber sido, desde Tin Machine hasta la Station to station, por poner dos ejemplos, y pensar que eso no es malo. Quién le dice a Bowie que se copia a si mismo dice una sandez, ¿qué cojones es copiarte a ti mismo? o haces un buen disco o no lo haces, o haces un trabajo honesto o no lo haces. Copiar, innovar y palabras así han dejado de existir en mi vocabulario rockero. Sinceramente, me la pela si Bowie ha buscado deliberadamente contentar a cada fan de cada una de sus etapas. Este trabajo es menos redondo que el penúltimo Heathen, pero más potente que Reality y en fin, plenamente satisfactorio desde su primer single (la ensoñadora Where are we now? y su extraño y atrayente clip) hasta el último tema. El nivel no baja, el disco está pensado y recocinado, pero no se ha perdido el factor humano por el camino, por lo menos esto es lo que opinan mis orejas. La noticia ya era buena sabiendo que Bowie estaba grabando, ahora ya es increíblemente buena, él y Tony Visconti han grabado un fantástico trabajo.

STEVIE NICKS: "LIVE AT RED ROCKS"

A rebufo del anterior post sobre la reedición del Rumours de Fleetwood Mac, reviso este concierto tan, tan´80s de Stevie Nicks. De cuando la pequeña Stephanie se había convertido en una suerte de Tina Turner blanca, o mejor, una David Coverdale femenina sin la lascivia de este, y había conseguido conectar, esta vez en solitario, con el gran público. El directo es tan deliciosamente falso, pomposo, acartonado y repeinadamente 80s que me encanta, y el hecho de estar grabado en el precioso anfiteatro de Red Rocks lo hace todavía más pintoresco. Las melodías, el sonido, el acercamiento a las canciones (por no hablar de la estética), está bien fijada en la segunda mitad de los 80, cuando lo pop quería sonar más hard rock y lo hard rock se suavizaba para sonar más pop. Entre medio, Stevie encontró su momento. Una curiosidad, tengo la teoría de que los primeros planos de Stevie no se grabaron en el concierto, ¿estáis de acuerdo?

FLEETWOOD MAC, "RUMOURS" (1977)

Fletwood Mac tienen toda la razón del mundo si quieren volver a girar juntos. Solo por la garra que todavía tiene en escena Lindsay Buckingham, que tira de la banda él solito, ya se ve que no van a estrellarse. Aprovechan ahora además la reedición de su disco más mega millonario, Rumours, de 1977. Desconocía el disco en profundidad, y desconfiaba de una banda que me recordaba a sonidos demasiado ochenteros (Tango in the night, creo que era el disco que no dejaba de sonar en la radio cuando era pequeño). Comprada esta magnífica reedición (un segundo cd con directos y un tercero con rarezas), redescubro temas que pertenecen ya al universo popular como Don´t stop, o maravillas como Go your own way o Oh daddy. Una banda particular. Alejada ya de los principios blueseros de Peter Green, Fleetwood Mac eran ahora un crisol de personalidades distintas dispuestas a dar lo mejor de si mismos en un solo disco. Christine McVie, Lindsay Buckingham y Stevie Nicks (¿quién no se ha enamorado alguna vez de Stevie y su voz?) componen el grueso de temas, cada uno de los tres con sus propios clásicos inmortales, y lo mejor, con una unidad final de todo el conjunto extraordinaria, al estilo de otros grandes discos comerciales de los 70 como One of these nights de los Eagles. En Rumours todo tiende a la sencillez, pompa la justa, son canciones hechas con buena pasta, que suenan harmónicas unas con las otras. Que la grabación del álbum estuviera rodeada de problemas personales (la relación amorosa de Buckingham y Nicks, la separación de Christine y John McVie) forma parte de la leyenda, como el monstruoso éxito que consiguieron una vez el disco salió a la venta y que condicionó sus vidas a partir de entonces. Sí, hubo un tiempo en el que daba gusto comprarte el disco de moda.

BEACHWOOD SPARKS, "THE TARNISHED GOLD" (2012)

Aunque no lo han hecho de forma tan brillante como en aquel Once we were trees del 2001, Beachwood Sparks han vuelto a pintar colores de amable psicodelia country, de esas canciones que al escucharlas te hacen ver una vida que no es ni mala ni buena ni regular, sino que está por encima de todo eso, flotando y pasando, pausadamente, de largo. Contribuye al renacimiento de una banda que me descubrió tantos horizontes como los mismísmimos Jayhawks, el gran Neal Casal, quién porcierto tiene prohibido separarse de Chris Robinson para el resto de sus días. The Tarnished Gold calmará los envites de los corazones demasiado ardientes, y reconfortará la soledad para quién lo necesite. Me gustaría que para gente de veinte y pico años este disco signifique lo mismo que significó para mi Once we were trees; aunque de momento, me conformo con dar el notable alto a temas como Sparks fly again o Talk about lonesome. Luego otros llenarán la Razzmatazz para ver a Fleet Foxes, pero eso es su puto problema.

REM SE VAN...

El disco que más he difrutado de REM es New Adventures in Hi-Fi, lo que indica mi condición de seguidor raro de la banda. No soy ni seguidor, he tenido mis épocas obsesivas con Automatic for the people, The one I love y cosas del principio, y algunos singles de algunos discos posteriores, pero en general, REM me han sido muy ajenos. Los veía distantes, me faltaba que giraran más a menudo, que fueran más una banda de carne y hueso que algo que se pone en marcha cada x años. Ahora dicen que lo dejan, pero me afecta mucho más que lo dejen los Scorpions. Practicantes de un lenguaje pop muy particular, siempre a rebufo de la personalidad de su cantante y la economía y clase de Peter Buck, REM nunca se han permitido convertirse en una puta con ínfulas de princesa como U2, lo que les honra. Hay también una diferencia entre el rock de estadios de REM y el rock subnormal de Coldplay. Algún día volveré a tener ganas de pinchar Cuyahoga, Drive, Man on the moon o Let me in, y volveré a disfrutar, seguro. Ahora de momento, nadie me quita E-bow the letter...

THE BEATLES Y EL SECTOR CÁRNICO

Una de portadas de disco y carnicería variada. Cojan su turno. Me encanta esta historia Beatle. En 1966, se edita en USA el disco Yesterday and Today (recordemos ese lío monumental de los 60: en USA los discos tenían títulos y canciones distintas a las de Europa), con una de las portadas más polémicas de la historia. En ella, la banda aparecía vestida de carniceros, sujetando pedazos de muñeca y trozos de carne, tan happys. Años antes que las Billion Dollar Babies de Alice Cooper, y siglos antes que los bebés colgados en el tendedero de Megadeth en Youthanasia (por poner dos ejemplos que me vienen a la cabeza ahora), los Beatles jugaron con la inocencia de las muñequitas y la crueldad con esta portada que diseñó un fotógrafo australiano con ínfulas de vanguardia.



Años después, Paul, George y Ringo confesaron que el montaje ya les parecía raro en el mismo estudio del fotógrafo, y que ni siquiera sabían que cara poner entre tanto chuletón y cabezas decapitadas. Les pasaba a menudo, se metían en percales pseudo-artísticos sin siquiera darse cuenta. Por su parte, John defendió la portada hasta lo que pudo, creyendo que los Beatles tenían que animarse a ofrecer al público una imagen un poco más salvaje. Viendo la portada ahora, la verdad es que es increíble que les dejaran hacer eso... y editarlo. Porque el disco salió a la venta en USA, aunque al poco tiempo fue retirado ante la consecuente polémica. A las copias retiradas se les pegó de forma bastante cutre la nueva portada (que adjunto más abajo, mucho más típica) encima de la anterior. Tal chapuza no hizo sino añadir más leyenda al disco, pues los fans que lo compraron despegaron la nueva portada con vapor y descubrían así, majestuosa, la salvajada de unos Beatles metidos a carniceros infantiles.

ELTON JOHN & LEON RUSSELL: "THE UNION" (2010)

Muchos dicen que Elton John, esa albondiguilla de la que todos nos hemos reído alguna vez, se está redimiendo de su terrible pasado comercial con este disco junto a Leon Russell. Bien, habría que decir que Elton John lleva años redimiéndose, editando discos notables, seguros y de calidad (otro debate sería si tan malas eran aquellas obras de los 80, para mi muchas eran fantásticas- Reg strikes back, Two low for zero- pero ahí interviene el desconocimiento general y el tópico; por no hablar de los insensatos que no saben que Elton John grababa dos o tres obras maestras por año en los inicios de su carrera), y habría que añadir que ha sido el propio Elton John el que ha rescatado a Leon Russell y no al revés. Aunque supongo que los dos se han hecho un favor mútuo en nuestro beneficio con este The Union, que si bien no pasará a los anales, esa no es su intención, si es un sentido ejercicio de buen gusto, piano y nombres como luceros: T Bone Burnett produciendo, una banda con Marc Ribot y Jim Keltner, participaciones de Neil Young, Brian Wilson... Gone to Siloh, esa perfecta Jimmie Rodger´s Dream donde nada falla (ahí está Bernie Taupin y esas letras tan reconocibles), There´s no tomorrow, que tan bien calzaría Joe Henry.... No es un disco de cotas altas, nadie se rasga las vestiduras durante estas 16 canciones, pero como digo, las canciones fluyen de maravilla, a veces acercándose al lado pop de Elton John, otras veces recuperando aires country. Pero Elton John también hizo country (Tumbleweed connection, qué disco), y ahora (no puedo hablar, por desconocimiento, de la carrera de Leon Russell) disfruta de forma un poco más sencilla la música y de su status.

ROXY MUSIC

Aprovecho que Roxy Music han actuado en el Sonar. Ahora los escucho y aunque entiendo porque me gustaron tanto en una época de mi vida, me parecen igual de magnificentes que baratos e impostados, con esas letras de turista por París, ahora italiano, ahora español, francés, esos portes de Brian Ferry, afectado crooner a la vera de Julio Iglesias etc. Para colmo, tuve un profesor de guitarra que me decía que como músicos no valían un pimiento, comentario estúpido que me llegué a creer. Los dos primeros discos de Roxy Music son casi vanguardistas, incluso exigentes para el fan del Bowie más Ziggy, por ejemplo, supongo que algo tenía que ver la presencia en la banda del planetario hombre-ostra Brian Eno, y también el momeno histórico que vivían, con el glam permitiendo cualquier licencia estética que tuvieran en mente, consultad hemerotecas: esas gafas de mosca cojonera que llevaba Phil Manzarena, la de ostias que debió meterse por entonces. Nada que ver esos inicios con el pop de diseño, de Costa Azul y chateaux francés, de anuncio de Hermes, que facturarían después y que les ha permitido, sobretodo a Ferry, vivir del cuento hasta hoy. Cuando Brian Ferry se puso traje y corbata todo cambió. Pero yo a los 12 años adoraba a Roxy. Discos de los setenta como Stranded o Country life los escuchaba sin parar, y canciones como esta A song for Europe (que tiene lo mejor y lo peor del grupo: magnífica en su construcción, sofisticada y con ese punto trágico, pero como he dicho, falsa, barata y turística), del excelente Stranded, me ayudaban en los momentos en que mis hormonas chocaban contra la dura realidad. Algunos lloraban con Bon Jovi, yo lo hacía con Roxy Music. Es algo de lo que me siento orgulloso, el hecho de que no escuchara la misma música que mis amigos, y que con solo poner en el walkman la cinta donde tenía grabado por una cara ese Stranded y por otra el Dark side of the moon de Pink Floyd ya me sentía distinto y especial, aunque no gastara melenas ni fuera excesivamente rebelde.

DUFFY - AN EDUCATION - SMOKE WITHOUT FIRE

Duffy es una persona afortunada por sus cualidades vocales, su personalidad y su físico, y sin embargo muchos no le dan el crédito que merece. Se orquestó hace poco tiempo una perfecta campaña promocional con su imagen y su tema Mercy, y se la vendió como lo que viene después de Amy Winehouse, tanto que parecía de mentira, no podías creer que detrás de su look Paris 60´s hubiera algo auténtico. Bien, por mi Amy Winehouse ya se puede ir al cuerno, hablando en plata hace un par de años que debería haberlo hecho, y también pueden dar un paso atrás los que meten a Duffy en el saco de figurines poperos de un solo día. Todos babeamos con Eli Paperboy Reed pero miramos a otro lado cuando oímos algo de Duffy, si es que así no aprenderemos nunca. Hablo de ella porque en los créditos finales de la dulce An Education, una de esas películas tan delicadamente pintadas y barnizadas que pasas como un gorrión por encima de cualquier defecto que pueda tener y te limitas a disfrutar, una historia de adolescencia, de decisiones y de la escuela de la vida, y una película que recomiendo sin dudarlo; a lo que voy, que en los créditos finales del film suena una composición escrita por la misma Duffy, Smoke without fire que es, mínimo, majestuosa, y que te deja pegadito a la butaca. Cuánto talento hay en cada verso, y como alarga las sílabas en lo finales, y la autoridad de esas cuerdas vocales. En sus giras, Duffy toca con Bernard Butler (Suede), aunque ella no necesita crédito rockero de ningún tipo, se vale por si misma.

RICHARD HAWLEY (BIKINI 16-III-10)

Tiene Richard Hawley unas cuerdas vocales fabricadas en el cuartucho más oscuro y recóndito de la fábrica central de Marlboro. Por lo menos eso. Sin aparente esfuerzo, pronuncia la palabra "ocean" o "night" y la sala enmudece. Envidio a este tipo, yo que con una voz absolútamente convencional me esfuerzo por cantar en mi banda, cruzando los dedos para que lo que salga de mi boca sea por lo menos algo que no duela. Sí, Bikini enmudeció ayer durante las primeras canciones de Hawley y su banda, pero el problema es que una dosis completa de su música puede ser como comerte una docena de polvorones de aperitivo; así, en el tramo final del concierto fuí a estirar las piernas a la parte de atrás de Bikini y descubrí que estaba a reventar, que la gente no cabía, y que en el lateral donde instalan una pantalla de video donde se proyecta lo que vemos en el escenario, la peña se dedicaba a sociabilizar, que es lo que hacen tantos esnobs que van a conciertos para todo menos para dejarse llevar por la música. Hawley recuperó pulso con desarrollos eléctricos en los finales de algunos temas, y se despidió como había venido. Discreto y jodídamente inglés. Me gustó, pero sentado o con menos gente hubiera sido mejor. En el merchandising vendían camisetas suyas con la leyenda "Let´s ballad", que resume a la perfección el oficio de este hombre.

CHARLOTTE GAINSBOURG

Se le puede echar en cara que en su banda haya un tipo con una máscara de lobo, lo que es una gilipollez, también ese tufo "arty" a la francesa que lleva ella, o que se muestre un tanto pava en directo, incluso alguien la odiará porque un día la vió en el cine corretear por el bosque en pelota picada en la infumable o genial Anticristo de Lars von Trier, pero yo he caído rendido al nuevo disco de Charlotte Gainsbourg, titulado IRM y producido por Beck, y ella me tiene loco. Este Trick pony que interpreta en el show de Letterman no es el mejor tema del disco, yo me quedaría con el martilleante e hipnótico Le chat du café des artistes, pero vale la pena pegarle una escucha a su voz y a todo lo que Beck ha montado a su alrededor. Charlotte es la versión Place Vendôme de Patti Smith, es suave pero muerde, y su música es absorvente.

FRANÇOISE HARDY

Se reedita en estos días un nuevo recopilatorio de los primeros años de la carrera de Françoise Hardy, swingin´ sixties, la época Vogue. Supongo que se parecerá al gastadísimo doble cd que tengo yo, The Vogue Years. En todo caso, gran noticia. Para entendernos, hace poco escribí sobre Chet Baker y pensaba, este tipo es el hombre más atractivo que ha pisado el planeta, y lo mismo me pasa ahora con Françoise Hardy. Esta chica era el sueño inalcanzable de miles de hombres y mujeres en los sesenta. Inteligente, con talento, joven, cool, misteriosa e irrealmente bella. Su carrera empezó a principios de década, con un éxito que la ha perseguido hasta nuestros días, la universal Tout les garçons et les filles.


Pero profundizando en esa época, te das cuenta de que esta jovencísima francesita no tenía suficiente con ser una monísima fábrica de hits (pero qué hits, preciosa música: Le temps de l'amour, Je pense à lui...) , y pronto se labró una discografía de personales obras (tengo un sedoso disco del 73, Message Personnel, que me encanta), evocadoras y complejas. Incluso sus últimos discos (ese Le danger del 96) tienen una negrura y un misterio que todavía seduce. Françoise Hardy lo tiene todo. En aquellos 60 en los que reinó con su clase y su belleza, se codeó con la realeza pop de Londres, los Stones incluídos, fue icono de una época, participó en Eurovisión y vendió millones de copias sin perder un gramo de personalidad. Resumiendo, se trata de una mujer capaz de dedicarle el título de uno de sus discos a uno de los placeres más indiscutibles de la vida: el gin tonic. Y no hace falta decir nada más.

RICHARD HAWLEY: "TRUELOVE´S GUTTER"

Hay estados de ánimo que, por negativos que parezcan, no deben ser curados, sino mimados. A veces no te apetece transformar tu pequeño día nublado en una fiesta, a veces no quieres que salga el sol. No tiene porque haber razones concretas detrás de un día así, a veces son pequeños detalles que te ofuscan, y aunque durante el día hagas las cosas que normalmente haces, por dentro te sientes raro, y es curioso como muchos lo notan aunque no te digan nada. A lo que voy, para dar punto y final una jornada de esa clase, nada mejor que tener en casa el nuevo disco de Richard Hawley y disfrutar de la perfecta tristeza de su música. Mañana, te prometes, ya saldrá el sol, pero ahora es bonito embadurnarte en el suave desánimo de estas canciones. Lady´s Bridge, el último disco de Hawley, me cargó, no sentí lo mismo que con el precioso Coles Corner, o el Late night final del 2001. Ahora, con Truelove´s gutter todo vuelve a su sitio, escucho temas como Ashes on the fire y me siento como en mi propio club. Ojalá siempre tengamos un nuevo disco de Richard Hawley para días así.

Marc Bolan The Concert Hall, Long Beach, California, 08th Oct 1974-01 Jeepster [HQ]

(Disculpad los que habeis comentado antes esta entrada, porque sin querer he eliminado vuestros comentarios)
De esta guisa salía Bolan a escena en su tour norteamericano del 74. Engordado y decadente, poco público le prestaba atención, aunque su magia seguía casi intacta. Tocaba de esa forma tan grácil, sus T-Rex, siempre adecuados al tono, con Mickey Finn, el percusionista y 50% de la imagen de la banda en los buenos tiempos, y desde 1974 con Gloria Jones, una mujer que lo daba todo en escena. Bolan ya no era el invencible fabricante de hits de antaño, pero viñendole saltar de esa estrella de carton piedra y atacar el concierto con Jeepster... dulce decadencia la suya.
(La entrada anterior también la dedico a este periodo de Bolan)

MARC BOLAN & T-REX: FULGURANTE VIAJE DE LA CIMA A LA DECADENCIA

Nadie sufrió más que Marc Bolan el reverso de la fama. En los primeros setenta, hasta el 72-73, él fue el máximo fenómeno pop europeo. En su Inglaterra natal la locura por el pequeño emperador del glam de gominola fue comparable a la de los Beatles. Marc era joven, mono, y tenía una insultante seguridad en cada paso que daba, discos capitales como Electric Warrior o The Slider, conciertos extáticos (ver la reeditada Born to boogie, con Marc arrasando con Wembley), y singles que no bajaban del primer puesto. Jeepster, Life´s a gas, Metal guru, Children of the revolution... fueron la banda sonora de los adolescentes británicos que empezaban a maquillarse y a vestirse con plataformas y lentejuelas. Era la falsedad y la fiesta del glam, de la que Bolan fue pionero, principal beneficiario y más desgraciada víctima también.


(Mickey Finn, percusionista en T Rex, y Marc Bolan regalaban actitud a saco en escena)

Porque de 1973 hasta 1977, año de su muerte por accidente de coche, Marc vivió ese lado oscuro de la fama, hubo alcohol, separaciones matrimoniales, una ira que impedía un trabajo normal con él (el mítico productor Tony Visconti, responsable del sonido tan particular de T-Rex, acabó dejándolo en la estacada, no podía más con su comportamiento de estrellita malhumorada o no según le viniera en gana), hubo champagne y brandy, cocaína y un alejamiento preocupante de la realidad. Después del que quizás sea su disco culminante, The Slider, Marc entró en una imparable decadencia. Él público le dió la espalda, la crítica se reía de él, y América le ignoraba. Pero él jamás quiso enterarse.


(Para Zinc Alloy and the Hidden riders of Tomorrow, Marc se cortó el pelo, lo que provocó el enfado de sus fans, los pocos que le iban quedando. Otro disco lleno de fantasía, bisutería pop y aliento negro)

Cuando Bowie ya se había reinventado veinte veces, Marc seguía esperando que los tiempos de singles en el nº1 volvieran pronto. Mientras, bebía y comía pollo como un loco y se descuidaba de su forma física, engordando cual bolilla de grasa. Ahora, con la perspectiva del tiempo, este periodo decadente de Bolan puede valorarse de forma más positiva. Discos como Tanx, el sucesor de The Slider, Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow, o Bolan´s Zip Gun resultan irresistibles, por más que a veces parece que Marc repita riffs y estructuras facilonas, como sacadas del congelador del Mercadona, pop precocinado industrialmente para consumo instantáneo. Son obras cerradas en si mismas, con Marc dando rienda suelta a sus letras absolútamente espaciales, y esas estructuras cada vez más minimalistas de las que hablo, y temas que componía en dos minutos y grababa en tres.


(Joya oculta, nadie se acuerda de este disco. Descúbrelo)

Pero Marc tenía el don, y escuchando ahora mismo Bolan´s Zip Gun, lo situaría a la altura de sus grandes obras. Menudo disco, original, divertido ¡bailable! y con esa influencia negra que le dió a los discos de esta época, fruto de su fascinación por la américa soul y de la influencia de su pareja de entonces, la cantante, organista y compositora Gloria Jones, que se unió a los T-Rex de Bolan y aportó coros con su increíble voz y una presencia escénica fascinante. Sin embargo, por entonces la perspectiva de aquellos años 1974-75-76 era otra. Bolan era una reliquia del pasado, le diseñaban patéticas giras por puebluchos de la costa británica, ante los cuatro fans que le quedaban, y tours de telonero por Estados Unidos, en los que el alcohol y el malhumor (incluídas peleas sonadas con Gloria Jones) le impedían ser el Bolan de antes, si bien a nadie le importaba, puesto que los pabellones todavía estaban medio vacíos cuando él y sus T-Rex salían a escena.


(A pesar de vivir en una clara pendiente artística, Gloria Jones le dió amor y alma soul a la vida y obra del último Bolan)

Nadie le respetaba ya, por más que Bolan se mostrara ante los periodistas como el mejor colega de la estrella del momento, Bowie (a quién había despreciado cuando este empezaba a despuntar y él estaba en la cima), y como un artista activo con mil proyectos de cine y música en la cabeza. Sin embargo fue la televisión la que reactivó su carrera. Los productores vieron filón en su figura carismática del pasado, y le dedicaron programas especiales como Supersonic, donde Marc cantaba sus últimos temas y algún clásico rodeado de escenografía ultra kitch.


(En la fase final de su carrera Bolan cambiaba de aspecto con frecuencia, aquí con su famosa mecha de cabello blanca)

En una de esas actuaciones, Marc apareció con el rostro pálido y el pelo al más puro estilo siniestro, cuando nadie sabía lo que eso significaba todavía. Una joven Siouxie vió su actuación y tomó nota. Bolan acababa de convertirse en padrino del punk y la estética siniestra, lo que, seguro, le llenó de orgullo. Desgraciadamente, cuando todo podía suceder en su carrera, y su creatividad podía dar aún algunas alegrías, su Mini, conducido por Gloria Jones, se estampó contra un árbol. Marc murió al instante. Pero su música no, claro, por ello recomiendo meterse a fondo y sin complejos en cualquiera de sus discos desde Electric Warrior. Es una carrera fascinante, música que salía como los algodones de azúcar en las ferias, en un plis ya tenías algo dulce y hermoso en la boca.

PALABRAS PARA BONO

He ido viendo fragmentos del concierto que U2 dio en L.A hace pocos días, el que fue retransmitido ("retransmitido"... es una palabra que ya suena antigua) en directo por Youtube. Más allá del zopenco espectáculo de 360º, del que yo y tantos otros hemos hablado con cinismo cuando no burla, me he dado cuenta de que el problema de Bono y su megalomanía es que es bajito. Bono es muy bajito, lleva unos zapatones ortopédicos que tratan de disimular su corta estatura, pero nosotros y él sabemos que no hay remedio, él es bajito. Si Bono fuera alto no querría cambiar el mundo, ni se dedicaría a hablar del planeta Tierra como quien habla de su mascota, si fuera alto se preocuparía de sus asuntos y dejaría el planeta en paz. Es complejo de inferioridad sublimado a proporciones infinitas, y así hasta llegar a estos conciertos donde una pantalla giratoria escupe imágenes de niños con ojos preciosos en África, frases épicas de líderes mundiales abrazando un futuro de globalizada esperanza y demás paparruchas intergalácticas a ritmo de pop decadente. Bono se equivoca, claro, lleva décadas equivocado. Al contrario que él, yo por mi parte rehuyo cada vez más a parlotear de los cambios globales, odio la pancarta y las masas y no soporto que alguien me diga que el mundo tiene que estar unido, como Bono en el concierto gritando como un burro "¡somos uno!¡somos uno!". No Bono, no somos uno, tú eres tú y yo soy yo, y el mundo no cambia subiéndonos todos al mismo carro ni portando la misma pancarta. Las malas conciencias quizás se limpien escuchando mensajes bíblicos como los tuyos, pero la realidad los desmentirá uno a uno. El ser humano estropeará el mundo, y a cada frase de esperanza que salga de tu boca, Bono, caerá una bomba más. Por todo esto, porque no hay solución, te animo a que cambies tu vida, deja los zapatones ortopédicos y empieza a actuar en clubs para unas pocas docenas de espectadores, y si largas algún discurso, apela a los valores individuales, y ocúpate del principal problema que tienes ahora mismo, tú. Los cambios empiezan por uno, por mi y por ti, y por cosas tontas, no sé, apagando la colilla y tirándola a la basura y no en la calle, recogiendo la mierda del perro, besando a tu mujer, llamando a tu madre, trabajando, cuidando a la gente que te quiere. Te aseguro que eso vale mucho más que cualquier mensaje multiglobalizado lanzado a todo el mundo a través de Youtube. Porque el mundo no existe Bono, existes tú.

THE DUKE & THE KING: "NOTHING GOLD CAN STAY" (2009)

Un hermanísimo de los Felice Brothers, Simone, y Robert Chicken Burke han grabado un disco bajo el nombre de The Duke & The King que, si quieres, acariciará tus oídos y calmará tu espíritu durante este otoño. Folk etéreo, volátil, y aire de soul empañando todos los temas. Hay una belleza y una sinceridad que no empalaga en canciones como If you ever get famous, mientras que Suzanne es tan delicada como un hilo de seda que se rompe con solo rozarlo. A Gene Clark le encantaría este disco. Y no me olvido del magnífico crescendo de Lose my self, mi momento favorito del álbum. Necesito esta música para trabajar con tranquilidad, para pasear al perro durante estas tardes grises, para recordar y mirar adelante, música de lluvia y frío.

ME GUSTAN LOS DISCOS MALOS

Siempre he tenido está desviación musical en mi cabeza, me encantan los discos malos de los artistas que admiro. Pero me encantan hasta la enfermedad. Doy fé de que Crazy Nights de Kiss, Savage Amusement de Scorpions, no sé, Tonight de David Bowie, House of blue light de Deep Purple o algunas mierdas que hizo Ted Nugent en los 80 son eso, basura, pero siento un cariño muy especial por ese material creado por bandas y artistas en la cúspide que en un momento dado se creen invencibles y seguros de que darán gato por liebre al mundo entero, y que los royalties seguirán llegando y la piscina de su mansión será cada año más grande y llena de casacadas. Naturalmente, el mundo desprecia esos discos que marcan la decadencia de tantos artistas, pero ahí entro yo para recoger la basura y marcharme a casa emocionado. Como he hecho hoy en Revólver. Mira que hay cosas que hacer en Revólver, pero hoy tan solo tenía humor para buscar y encontrar los discos más malos de Elton John en los 80, a 1 y 2 euros.


Así que me he hecho con un montón de ellos y he pasado por la simpática cajera con mi camiseta de Motörhead... y mis discos malos de Elton John. Supongo que es lo que pasa con tu amor, la amas tanto que te quedas con lo bueno y con lo malo. Ahora escuchaba Reg Strikes Back, disco de Elton del 88 del que nadie se acuerda ya, pero mira por donde que contiene algunos temas perfectos, porque normalmente Elton John siempre dejaba buenos temas aún en sus peores obras. Estos días pasaré buenos ratos buscándolos.