UNA FOTOGRAFÍA DE GERARD

Al terminar la comida de Navidad observaba una fotografía de uno de mis cuatro sobrinos, Gerard, seis añitos, una mente creativa, inquieta, políticamente incorrecta, un mundo interior que deseo, sepa -le enseñen a- canalizar en algo maravilloso. La foto se la hizo su padre este verano. Gerard solo en la orilla del mar, de espaldas, mirando las olas. He pensado que esa fotografía debería ganar algún concurso porque era preciosa, y que la imagen definía a Gerard, y lo decía todo sobre él, y debería adjuntarse a sus informes escolares, para que cuando cambie de colegio, o entre en la universidad, los profesores sepan quién es realmente este muchacho; que entiendan que sus cualidades deberán encontrar un medio donde adquieran plena expresión, y que ese medio quizás no sea una aburrida (para él) materia escolar, y que su mente convulsa, extraordinaria, quizás no se vea reflejada con buenas notas. Las notas no sirven para nada, en el colegio se aprende a ser persona, a distinguir entre el bien y el mal, y a otear el horizonte para ver que el mundo es grande y que tú puedes encontrar tu sitio donde quieras. Eso no es calificable por unas notas. La escuela, también la universidad, forma el sedimento de lo que seremos más tarde. Nadie se acuerda de las lecciones de ciencias, lo que quedan son las lecciones humanas que recibimos de profesores y compañeros.

NAVIDAD, LOTERÍA...

Esperar a estas alturas algún sentimiento con respecto a la navidad es esperar mucho en mi caso. Los sabores se van perdiendo, y quizás solo los recuperas cuando son tus hijos los que no duermen por las noches pensando en los reyes. Mientras, hay acontecimientos como la lotería, cuyo sabor, para la gran mayoría de la población, no se pierde con el tiempo y la edad, es más, la gente está completamente loca. A ese respecto, el día de ayer fue un día estúpido sin sabor ni contenido. Es una capa de ácaros y caspa que nunca nos quitaremos de encima, somos tal cual, un país pobre, de película neorrealista italiana. Lo que más me sorprende es la cantidad de dinero que se deja la gente, de verdad, no lo entiendo. Prefieren gastarse 200 euros en una administración de lotería antes que ir a cenar al Celler de Can Roca, donde seguro, vivirán una experiencia inolvidable que no depende de la suerte. Luego muchos se quejan de pagar más de 15 euros por una cena. Concluyo. La suerte no existe, las cosas salen de un modo o de otro, y si te tocan tantos millones de euros, tarde o temprano tu vida se irá a la mierda, sobretodo si no estás acostumbrado a ser rico. Ni un rico sabe ser pobre de la noche a la mañana, ni un pobre ser rico. Ambos se van al carajo.

"THERE AIN´T NO WAY..."

"There ain´t no way I´m gonna put my foot in there, that big black pool I been dream´ about". Cuando escuché esta letra por primera vez me dije, joder, a mi me ha pasado igual. Lo que me gusta en Scott H. Biram es lo que me gustó de Townes van Zandt, y que no se lo que es, o sí, una poética, una forma de ver y de sonar, que también está en mi, y que ellos se encargan de sacar a la luz. La música te descubre quién eres, para bien o para mal, no te indica un camino lejano, más bien te mira desde fuera hacia dentro y te dice que ese eres tú, y que está bien.

MOTÖRHEAD (SANT JORDI CLUB, 17-XII-10)

Motörhead, o mejor, Lemmy y su leyenda, llenaron el Sant Jordi Club. Buen ambiente heavy, con aportaciones de las distintas facciones sociales a las que ha conseguido penetrar el ruido de Ace of Spades. Algún modernillo mesándose el flequillo en el lavabo, compartiendo espacio con jóvenes punks y gigantescos heavys haciendo cola para mear. Ya desde sus inicios Mötorhead concilió anhelos metálicos y punks, caso único. Me sorprendió que los teloneros fueran tan malos, es decir, está claro que cualquier grupo que empieza merece un respeto, pero no deja de sorprenderme que den esta gran oportunidad a unos tipos que solo piensan en regalarse posturitas, hacer que el público coree, y con un cantante que se ha limitado a empollarse los vídeos del Ritz y de Paris de Guns n´Roses, tipos que deberían salir y tocar putas buenas canciones, si las tuvieran, claro. Y Lemmy, con los compañeros de barra perfectos, Mickey Dee y Phil Campbell. No sé cuál debe ser la diferencia entre una mala noche de Lemmy y una buena, probablemente todas son iguales. Sale al escenario y es Lemmy, un señor muy, muy mayor que sigue berreando Metropolis y Stay Clean (en un concierto ideal, Stay clean debe ser siempre el segundo tema del set), y que no distingue entre buenas y malas actuaciones. Es él. Tocaron temas del nuevo disco The world is yours, que sonaron tan bien como todo lo que han grabado desde hace años. Me dió bastante igual si tocaban esto o aquello, la cuestión era tenerles ahí. Todavía podemos disfrutar de Motörhead, es Lemmy el tipo que está ahí delante maldita sea, ya lo sentiremos cuando no esté.

MORENTE

Mi contacto con el flamenco es tangencial, de vez en cuando y en pequeñas dosis. Flamenco puro y voces como las de Duquende o Morente. Muy poco porque no es lo mío, claro. Y qué pena lo que ha ocurrido con Morente, un genio valiente, que se tomaba su arte con toda la naturalidad del mundo, que rompió barreras (conozco muy, muy poco su discografía, pero Omega, el disco junto a Lagartija Nick lo dice todo, igual que sus colaboraciones con Sonic Youth); Morente paraba el mundo cuando pillabas algún concierto suyo por la tele. Un genio que muere de la forma más estúpida e inesperada.

COMER

Comiendo nos educamos. Tengo muchos defectos, entre ellos algunos relacionados con el acto de comer. En mi caso, es una cuestión de en casa de herrero cuchillo de palo. Me cuesta mucho acabarme lo que tengo en el plato, como un niño malcriado, me canso pronto de lo que estoy comiendo, o lo devoro de forma tan compulsiva que me quedo desfondado y abandono. A veces como igual que el peor follador, pim pam fuera, sin ritmo ni suavidad, preocupado solo por saciar el instinto más primario, pronto y rápido, café y cuenta. Luego como digo, no me termino lo que tengo en el plato, y mis digestiones son torturas chinas, me cambia la cara y la voz y todo. La disciplina en el comer es envidiable, admiro a los que se comen la cabeza de las gambas (eso es signo de civilización), los que cogen las costillas con los dedos (otro signo) y ejercen de cirujanos del hueso, dejando un plato impoluto, dos o tres huesecillos limpios y perfectos. Mi pareja me critica con razón que en los restaurantes se me va la olla. Con la carta delante no conozco ni a mi madre, quiero esto y eso, y lo de más allá, y lo quiero ahora, pronto, cuando lo mejor es ir despacio, pedir lo justo y dejar luego el plato reluciente. Mientras como practico verdaderas carnicerías con los alimentos, destrozo los pescados, los filetes, los estofados, corto sin ton ni son; después de que yo haya pasado, los platos parecen pastizales. Los hay que comen disciplinadamente, y su plato sigue teniendo una estética mientras cortan la carne y mojan la salsa. Lo mio es una orgía vacía y sin sentido, fea. Trato de mejorar en todo eso, claro, nunca es tarde para ser educado, no comer como un moribundo, darte pausa y ritmo, y mirar el paisaje. Si aprendo, mis digestiones me lo agradecerán.

JAY MUNLY

Me gustó leer sobre Jay Munly en el Popu. Qué tipo. La escena gothic-country-folk (dark country, american gothic... qué más da) de Denver quedó eclipsada en su tiempo por el auge de David Eugene Edwards y sus 16 Horsepower, así que cuando a muchos se nos abrieron las puertas de obras como Secret South, no sabíamos que detrás también venían artistas disfuncionales, oscuros, como este raro pez del desierto que alterna diversos proyectos (Slim Cessna´s Auto Club) y toca el banjo desde el fondo de algún granero maldito a punto de arder. A Jay Munly lo vi por primera vez dando extraños bailes en el clip de Clogger, de 16 Horsepower. Y como estos últimos (atención, este viernes David E. Edwards y sus Wovenhand actúan en Barcelona, espero llegar a tiempo), Munly acude a los ambientes góticos y a Joy Division, los mezcla con el country más subterráneo y le añade unas prestancias vocales profundas, como el Iggy Pop más susurrante. En la época en que me empollaba a base de bien el Murder Ballads de Nick Cave, este tipo me hubiera volado definitivamente la cabeza. De lo que he escuchado, recomiendo dejarse aplastar por Jimmy Carter Syndrome, del 2002. Asusta.

DIO: "AT DONINGTON UK: LIVE 1983 & 1987" (2010)

Ahora que ya no está, a Dio le salen fans por todas partes, ya sea por parte del público o la crítica. Tanto que se reían de él, curioso. El primer lanzamiento dedicado a ordeñar el mito es este doble directo At Donington UK: Live 1983 & 1987. Son sendas grabaciones de los dos conciertos que Dio dio en su carrera en el festival de festivales del metal, Donington. El primero, en su etapa clásica, con Vivian Campbell, después de debutar con el potente Holy Diver en 1983, tras su espantada de Black Sabbath; el segundo, para redescubrir que en su pendiente hacia la mediocridad, Dio todavía sacaba buenos discos (Dream Evil, de 1987, puede disfrutarse más incluso que Sacred Heart), y que en directo le ponía todo lo que siempre le puso, fuera época de vacas gordas o de vacas flacas. Las rutinas de Ronnie en el escenario eran siempre las mismas, pero lo hacía con tanto talento y ganas, nunca parecía estar aburrido de si mismo, y se creía lo que cantaba. Eso llegaba al público, se nota, por eso hemos sentido tanto su muerte. Este doble directo (llegan a incluir los dos conciertos en DVD y me muero) grabado en el lugar de la Tierra con más meados por metro cuadrado, es digno de entrar con todas las salvas en la discrografía clásica de este hombre. No he escuchado un directo mejor de Dio, a excepción, claro está, del On Stage de Rainbow y el Live Evil con Sabbath, y ah, el elegante, perfecto DVD-CD de Heaven & Hell desde el Radio City Music Hall, puro metal tres estrellas Michelín. A paladear con gusto temas oscuros como All the fools sailed away o Naked in the rain, y todos los himnos que Dio cantó una y otra vez en su carrera.

THE GRATEFUL DEAD: "LIVE AT COW PALACE, NEW YEAR´S EVE 1976"

Es probable que te encuentres en la vida con estos momentos: Tienes delante a tu hijo, o a tu nieto, y el pequeño te pide, ansioso: papá (o abuelo) necesito introducirme en la magia de Grateful Dead, ¿qué me recomiendas? Bien, aceptando que eso no va a ocurrir, y que es difícil que tu futuro nieto te pida info sobre Jerry García y los suyos, recomiéndale, ahora mismo, esta noche, el triple directo Live at Cow Palace, New Year´s Eve 1976. Qué testimonio. Una banda que directamente eran capaces de todo, digo yo que hasta que la E Street Band explotó entre el '77 y '78, no había banda más sobrada en los USA que los Grateful Dead. Este concierto es una más de las ceremonias interminables que oficiaban cada fin de año, esta vez en el feo e histórico pabellón de San Francisco, el Cow Palace. Escuchad la versión de Playing in the band, 23 minutos, escoge un buen día, que los astros te acompañen, conéctate y descubre que todo esto vale la pena. Este lanzamiento de Rhino es un triunfo, tres horas y pico inenarrables que culminan en un Morning Dew (que aquí os enlazo) que va directo al tuétano emocional; sube el volumen, dale paciencia, ponte en tensión, abre las orejas, el camino es recto y da vértigo ¡Escuchad como crece otra vez a partir del minuto 9.00!¡Notas suspendidas en el aire!. Este Morning dew paraliza el tiempo. Los que nos hemos quedado pillados con esta banda no necesitamos más pruebas que esta...

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LOS QUE DESENTONAN

Me hago mayor, y cada vez soporto menos a los tipos que desentonan. Bien, no sé si eso tiene relación con hacerse mayor, lo que sé es que los odio, aunque en el fondo sufro por ellos. Ayer viendo el partido del Barça en un bar, todo el mundo bebía y etcétera (el fútbol en el bar, como las fiestas mayores y como tantas cosas en la vida, es una excusa para beber), pero había un tipo que daba el cante (y eso es difícil en el bar con un Barça-Madrid), había mamado mucho más de la cuenta, claro, pero también era gilipollas, y trágicamente no se daba cuenta de ello. Él gritaba más que los demás, en momentos en que nadie estaba alzando la voz, y daba muestras de ser un gran practicante del don de lo inoportuno. No hablo solo de fútbol, hay gente inoportuna en todas partes, que aparece cuando no se la espera, que habla cuando necesitas silencio, que ladran cuando los demás hablan. Si lo hicieran dos, tres o cuatro no pasaría nada, pero son ellos solos. Se toman unos cuantos decibelios de libertad y total, los utilizan para decir sandeces. Será porque soy muy propenso a sentir vergüenza ajena, pero sufro muchísimo cuando noto que alguien desentona, y hace el ridículo y todos lo saben. Entonces bajo la mirada, me pongo tenso y ruego para que pase lo antes posible. Será, seguro, porque yo también he desentonado más de una vez. Quién no.

NAHIR YA ESTÁ EN CASA

Así de guapa luce Nahir en su primer día con nostros. La tenían en la protectora durmiendo con los gatos (la protectora es como aquella peli de un mundo superpoblado, Soylent Green, pero con perros), un poco enferma. Nos la han dado unos días antes de lo previsto, porque en casa estará más calentita y se curará antes. La protectora de Avinguda Tibidabo es un oasis de buenas personas que no cobran un duro y cuidan animales abandonados por la facción hija de puta de la civilización. Ni una belleza como Nahir se salva, a ella también la abandonó algún idiota. Desde aquí os animo a que paséis una tarde por la protectora, haceros voluntarios y sacad algún perro a pasear, media horita a la semana, nada más. En esta época también les van bien las mantas, así que si os sobran, ya sabéis. La Lliga per a la Protecció d´Animals i Plantes, con ese olor a pis, tan caótica (¡hay tantos perros!), es el lugar más civilizado que conozco. El otro día una señora jubilada, que podría estar jugando a la brisca en su casa, se arremangaba para sacar a pasear a este, y luego al otro y luego al de más allá. A sus favoritos. Y así echaba la mañana. Tini vino de la protectora hace diez años, y ahora Nahir. De momento se llevan bien, y con el gato tampoco han habido mayores problemas. Hoy es un buen día.

ACCEPT: "BLOOD OF NATIONS" (2010)

Me da rabia que Wolf Hoffman haya encontrado un pedazo de cantante, sucio y chirriante, viejo y cabrón, como Mark Tornillo, y haya grabado este notable disco de metal clásico a la europea. Ahora, UDO, el hombre que se ha currado la marca Accept todos estos años, la ha mantenido viva y no ha dejado de trabajar como un obrero del metal, tendrá que espabilar, y lo tiene crudo, porque Blood of Nations supera la rutina en la que había caído UDO con sus últimos discos. Igual eso le sirve para ponerse las pilas. Digo que me da rabia porque el ahora calvo guitarrista de Accept y el otro miembro original, el bajista Peter Baltes, recogen mucho de lo que UDO ha sembrado todo este tiempo. Accept vive porque UDO no lo ha dejado morir, esa es mi teoría. Recordemos que Hoffman y Baltes fueron los responsables de asesinar a los Accept clásicos echando a UDO y fichando a un pobre moñas norteamericano, David Reece, con la estúpida intención de convertirse en los nuevos Bon Jovi. Ellos, cuyo horizonte vital no pasaba de las barras del Oktoberfest. Naturalmente, el experimento fue un fracaso y UDO siguió a lo suyo, fabricando heavy germánico clásico para mantener viva la llama. Pero eso es el pasado, y hay que reconocer que Blood of nations se escucha con mucho placer. Teutonic Terror y The Abyss (con un interludio melódico que parece de otro tiempo) son temazos, aquí hay ganas de mover ficha y reclamar el trono. Mark Tornillo, repito, es todo un descubrimiento, encaja en todos los aspectos, es un viejo lobo de mar salido de los mismos muelles de carga donde trabajaba Bon Scott, me encanta el tipo. Les espero en su próxima gira a primeros de 2011, jamás pensé que diría esto.

ALICE COOPER (SANT JORDI CLUB, 23-IX-10)

De los tres conciertos de Alice Cooper a los que he podido asistir, el de ayer fue el menos bueno. Alice está sensacional, su voz y presencia continúan ahí a pesar de la edad, pero en el show las cosas iban demasiado rápido, con el habitual momento dramático de The ballad of Dwight Fry colocado demasiado pronto en el set list, y con demasiadas muertes de Alice, son tonterías, ya lo sé. En mi show perfecto, le cortan la cabeza a Alice y luego resucita a golpe de No more Mr. Nice Guy, pero bueno, todos tenemos nuestro show perfecto de Alice en la cabeza. En el Sant Jordi Club se está bien, es cómodo, aunque los conciertos pierden calor, el Alice de hace tres o cuatro años, fue más rockero y sucio sobretodo por ser la sala Razzmatazz. La banda que lo acompañaba anoche, por cierto, ni fu ni fa. El set list fue casi perfecto, Alice siguió recordándonos que From the inside es un clásico (en los últimos años siempre rescata temas de ese disco compuesto a medias con Bernie Taupin, en esta ocasión fueron From the inside y Nurse Rozetta), revisitó el Wicked young man del plomizo Brutal Planet (de aquel disco, la única pieza que levantaba miembros era Sanctuary), tocó lo que siempre toca y nunca nos cansamos de corear (quiero decir, los primeros segundos de No more mr. nice guy hacen que la vida valga la pena), y pasó olímpicamente de su lamentable último disco (solo tocó Vengance is mine, tema inútil como pocos), de hecho él lo sabe, por eso la gira se llama Theatre of Pain y obvia cualquier mención conceptual a Along came a spider. Lo mejor, poder ir a un concierto de Alice Cooper y verle y escucharle. Es Alice Cooper, por dios.

JERRY GARCIA: "REFLECTIONS" (1976)

Los setenta fueron para los Grateful Dead una década de crecimiento insospechado, de superar barreras creativas y técnicas (aquellas giras con el wall of sound, una matada de invento diseñado para conseguir el mejor sonido en directo escuchado hasta entonces: un panal gigantesco de 640 altavoces en la parte superior del escenario, muy complejo técnicamente y demasiado costoso como para durar); y también increíbles periodos musicales, como las giras del 72, o las del 77-78, mis favoritas. Pero si se trata de buscar grandes discos, no basta con lo que editó la banda, hay que absorver con la misma pasión las obras en solitario de Bob Weir y Jerry Garcia, en las que solían participar los Dead al completo. Ace, de Weir, o este Reflections de Jerry no solo están a la altura de la mejor obra de los Dead, son obras de los Dead. Reflections es otra maravilla sentida, pulida, brillante de Jerry García y los demás. They love each other o It must have been the roses son standards deadheads, Might as well recuerda el desfase de viajar de gira con Janis Joplin y The Band en 1970, mientras que Comes a time y Mission in the rain son dos de los momentos mágicos de la carrera de Jerry. Incluyo aquí una interpretación de Mission in the rain de las que te rompen en mil pedazos...



Recién salidos de la grabación de Blues for Allah, disco ambicioso para el que tuvieron un tiempo récord de cinco meses en el estudio, y dado por finalizado el hiato de un año en las actividades del grupo, en 1976 Jerry, Weir, Lesh & co. estaban en el momento ideal para seguir grabando maravillas.

THE BLACK PINES LIVE

Mañana tocamos en Olesa. Entre Enero y Febrero caerán Terrassa, Barcelona y lo que venga. Es bonito tener una banda y gritar un rato delante del micro, como hacen tus héroes. Soy un tipo con suerte.

WHISPERING PINES: "FAMILY TREE" (2010)

Bueno, Whispering Pines debutan con este Family Tree y habrá que dejar de lado otras cosas y concentrarse. Un disco de música de raíces norteamericana, con un muy mucho del segundo de los Allman, con cosas de Creedence, de The Band (Whispering Pines es una de las canciones de la banda de Robbie Robertson) y una elegancia ¡tan fácil! a la hora de crear canciones cristalinas que te llenan enseguida (Stars above, Family tree). Repito, Family Tree me ha obligado a echar el freno, sacudirme el polvo del camino y dejarme embelesar. La cerveza y los cigarros que ya no fumo los pongo yo. Las dos guitarras se cosen entre sí creando belleza, y canciones como Mirror woman mirror man son propias de bandas con mucha mierda a sus espaldas. Y estos empiezan ahora. Una joya.

RESTAURANTE ROUTA, BARCELONA

Hablo de gastronomía por intuición, por bagaje sentimental, por haber tenido la suerte de visitar muchos restaurantes en mi vida, pero apenas cocino, leo poco sobre el tema y mi cultura sobre productos es limitada; y aún así creo en la validez de mi opinión a la hora de juzgar las impresiones que me produce un restaurante. Realmente confío en mi propio criterio. Por eso digo con toda la tranquilidad, que en los últimos meses no he disfrutado más en un restaurante, ni me he sentido más sorprendido, cogido "a contrapié", culturizado y emocionado (siempre desde la humildad, no estoy hablando de experiencias metafísicas ni del nuevo Adrià), que en el Routa de la calle Enric Granados de Barcelona. La propuesta: cocina nórdica (los dos chefs son finlandeses) abierta al resto del continente, valentía, producto y creatividad sin complejos. En un local al que una mejor iluminación le haría mucho bien (enfocar la atención en los platos, mediante la luz, dotar al espacio de intimismo e intencionalidad), disfrutamos de un menú con aperitivos insuperables, estéticamente preciosos, con pescado de Finlandia, y atractivos snacks. Divertidos. Luego, enfilando el menú, la estrella de la noche, una velouté (crema) de setas salvajes y setas escabechadas, un plato gigantesco armonizado estéticamente con mil y un detalles (lo han definido como puntillismo, impresionismo al estilo Seurat; ahora mismo en Barcelona dudo que muchos puedan igualar la estética de los platos del Routa), y junto a la velouté, un platito con brioche de trufa y mantequilla de ceps. Un plato festivo, voluptuoso, inagotable, que estuvimos degustando durante casi media hora. De segundo, el menú continuaba con otro barroquismo culinario, una codorniz rellena de foie gras. Luego quesos -correctos- y otra preciosidad, el postre de manzana verde. Sobrados de buen gusto, los dos chefs del Routa, y la amable y prudente jefa de sala, tan solo necesitan de que el cliente responda. La oferta gastronómica en Barcelona, sobretodo en un barrio como el Eixample, es tan salvaje, hay tantas ostias, que es normal que cueste llenar, sea lunes, viernes o sábado, pero para eso estamos nosotros, dando el callo. Hay que apoyar los sitios que valen la pena.

DEEP PURPLE: "COME TASTE THE BAND" (1976)

Me planteo ahora, teniendo delante la extraordinaria, esperadísima por muchos, reedición del último disco "clásico" de Deep Purple, con Tommy Bolin a la guitarra, Come taste the band (1976), si Glenn Hughes y el recién contratado Bolin, imposible aunque talentoso sustituto de Ritchie Blackmore, no tomaron a la banda por el pito del sereno y se dedicaron tan solo a vivir de coca y heroina hasta que aguantara el cuerpo, o la paciencia de los miembros originales Jon Lord y Ian Paice (y David Coverdale también, quién se alineaba -siempre inteligente Coverdale- con ellos). Hughes y Bolin, a pesar de sus cualidades, a pesar de que Come taste the band es un disco fantástico en parte gracias a ellos, saquearon el nombre de Deep Purple en su propio beneficio, se inutilizaron para volver a grabar y girar con garantías, y finalmente propiciaron que la banda perdiera su reputación y que Lord y Paice les mandaran a tomar por saco y se fueran a por algo más provechoso; poco después los dos, Paice y Lord, entraron a formar parte de los Whitesnake de Coverdale, mientras Ritchie Blackmore triunfaba a lo suyo con Rainbow, Gillan experimentaba con el rock y el jazz y Glover tocaba con Ritchie y se ejercitaba como productor de prestigio; a todo eso Tommy Bolin ya estaba muerto y a Glenn Hughes le faltaba más de una década para salir del túnel de las adicciones y el dolor. Creo que eso lo dice todo, quién ganó y quién perdió.


Sin embargo, aún grabado en aquellas condiciones de malas caras, malos rollos y droga, Come taste the band suena a gloria. Los Purple más espumosos, funkys a la vez que rockeros, en un disco que en general me satisface más que el anterior Stormbringer, aunque supongo que depende del día. De los Deep Purple setenteros uno puede mamar hasta llegar a viejo, hay tanta buena música, tantas historias y tanto exceso, que no te los terminas. Coverdale jamás pierde la compostura blues cuando canta, Glenn Hughes ataca Gettin´tighter y justifica el porque este tema le ha servido como espaldarazo para recuperar su esplendor como artista y hombre de escenario pasados los 50, Lady luck es puro Purple Mark III, Dealer, Love Child con ese riff nieto del Into the fire de Blackmore ¡y qué decir de You keep on moving, con toda la banda consciente de cada segundo de canción, enchufados, a flor de piel! Las reediciones del catálogo Purple desde In rock hasta Come taste the band (sin olvidar enormes lanzamientos de conciertos tipo This time around, conciertazo -y eso es raro- con Bolin, o Live in London etc.), son regalos, enciclopedias a consultar regularmente, tesoros para disfrutar con uno mismo o con quién entienda de qué cojones va esto.

STEVE WYNN: "MELTING IN THE DARK" (1995)

Thalia Zedek y Chris Brokaw tejían aquellos mantos eléctricos, dos guitarras mimándose, odiándose, acariciándose en ese tacto cálido que solo da cierta distorsión, juntos fueron responsables de algunos de los mejores momentos musicales de los 90. Come, la banda que ambos lideraban, me regalaron aquel concierto en la pasada década (¿fué en Mephisto? no me acuerdo), y discos como Don´t ask don´t tell, para mi una de las cinco obras con más agallas y corazón de los 90. Luego me limité seguirle la pista en solitario a Thalia Zedek, con un par de discos que me hacen saltar las lágrimas, y ahora recupero (en el Ruta 66 de este mes lo recuerdan) el disco de 1995 de Steve Wynn, Melting in the Dark, que cuenta con los Come originales -Zedek, Brokaw, más Sean O´Brien y Arthur Johnson) al compelto como banda de apoyo. Y se nota, por la electricidad, por las caricias a las que antes hacía referencia, por el corazón. Steve Wynn es otro que tal. Igual tú también has erosionado el Days of wine and roses de The Dream Syndicate, la banda con la que Steve dejó huella para la historia en los 80, y luego más tarde, te habrás rendido a los encantos acústicos de Fluorescent (1993, un disco perfecto del que Johnny Cash debe sentirse orgulloso), o a la riqueza creativa inagotable del doble Here come the miracles (2001). Steve Wynn es uno de los tipos en este negocio que merecen más respeto. Y en Melting in the Dark la combinación es letal. Electricidad, melodías, quiero decir, ese sonido Zedek / Brokaw que me sigue derritiendo, y el talento de Steve en hacer que una gran canción suene como algo natural, como casual. Epilogue, rasca hasta que duele, Shelley´s blues pt. 2 es tal como es, evidente, certera, precisa y gustosa. Hay una intención, unas aristas en cada canción, un compromiso y un vacío que me hacen añorar otras épocas, no tan lejanas.



Y una bella apropiación de Leonard Cohen por parte de Thalia Zedek...

EL PAPA VINO Y SE FUE

Al final vino el Papa, cenó un menú de Sergi Arola, emocionó a sus fieles, dio misa en la Sagrada Familia y poco después se fue. Hoy por la mañana, yendo en moto me fijaba en una pareja de ancianos retirando su bandera vaticana del balcón. Por fin algunos mossos podrán tener algún día de vacaciones, porque ayer parecían una plaga, no debieron librar ni los jubilados. El Papa ha venido y no ha pasado nada. Algunas mentes progres un tanto adolescentes deberían calmarse con sus comentarios antirreligiosos, que de tanto refunfuñar, de tanto rechazar todo lo que huela a papado y fumata blanca, van dando un peligroso giro de la izquierda abierta que dicen defender a la derecha más intolerante. Como país de antiquísima tradición cristiana, Catalunya tiene derecho a aplaudir al Papa y darle todo el fasto que crea conveniente. Mejor que venga el Papa que no Gadafi. Barcelona debía salir al mundo como una ciudad respetuosa con la religión, y por suerte se consiguió. Ratzinguer es uno de los dos o tres personajes más importantes del planeta, guste o no, y en casos como este tenemos que ser responsables con nuestra ciudad y nuestra imagen, y eso se paga con dinero público como se paga por tantas otras cosas. Una visita de Obama no nos saldría tampoco muy barata. Para los que como yo, no sentimos nada ante la presencia papal, aunque respetamos su visita, nos quedó comprobar desde casa como la televisión ha sabido actualizar la rancia imagen que la iglesia se empeña en dar de si misma, siglo sí y siglo también. Esos travelling arriba y abajo, esos barridos y contrapicados en el templo, todo pura y espectacular liturgia visual, mucho más atractiva que la que se daba abajo en el altar.

BLACK COUNTRY COMMUNION, 2010

El nivel de forma de Glenn Hughes es tan exagerado que me parece que detrás de su imagen vampiresca y casi andrógina se esconde un holograma. Quién dice que las personas no pueden cambiar, cuando en su caso pasa de ser un despojo humano hinchado de drogas a un fibrado soulman que se toma cada proyecto como si fuera el último de su vida. Black Country Communion es otra de sus criaturas, en este caso un supergrupo (aunque hoy día le llaman supergrupo a cualquier cosa) bicéfalo, con Joe Bonamassa, el joven guitarrista de blues que gusta tanto a los ejecutivos (esos cuyos padres solo gastaban discos de Eric Clapton), de indudable talento, influencias hard rockeras y pintas a medio camino entre un repartidor de pizza y un McCaulay Culkin adulto y trajeado a punto de entrar en el juzgado acusado de fumar marihuana en una fiesta. Que a los teclados esté Derek Sheridan me da igual, y que a la batería esté alguien con la poca gracia de Jason Bonham también, sinceramente esto de supergrupo solo tiene a los dos cabecillas. Black Country Communion, el disco, puede traerte de cabeza, es espitoso, soulero, funky y heavy. Glenn Hughes se desborda en cada tema (I am a Messanger!!! grita a pecho descubierto), su bajo y su voz son todo pasión y ritmo, y a Bonamassa (¡bravo por Song of yesterday, Joe!) todo esto le sienta de maravilla; el tipo se ha empollado desde crío la herencia Deep Purple, y tocar en estas canciones le sale del alma.

HEROIS

Me gustó dejarme embaucar por la dulzura de Herois, por las escenas de amor y amistad veraniega pre adolescente, por los detalles años 80 con los que se sabe que a los treintañeros nos tienen en la palma de la mano (desde los Bonis a las BH, los posters de los Goonies y las camisetas de Bruce Springsteen), por la música (demasiado pomposa), las gotas de humor aquí y allá (esos padres del gafotas del grupito no tienen precio) y por el sorprendente giro que da la película en un momento determinado, y que me parece genial. ¿Defectos? Bueno, los hay, pero como digo me los comí con patatas y entré de lleno en el verano de la película. Mis veranos también eran en la costa, pero en pocas ocasiones tuve pandillas con las que buscar aventuras montados en las bicicross BH. Tenía una abuela que jugaba a la brisca y era tan cariñosa como la del film, que interpreta Ana Lizarán, y de vez en cuando me visitaba algún amigo que me sacaba de la urna de cristal con jardín en la que me depositaban mis padres desde mediados de julio hasta septiembre. Había playa y la sensación de que muchas cosas estaban por llegar y las quería aquí y ahora. Una película que te hace pensar en ti ha de ser buena ¿verdad?

LOU REED, THE BLUE MASK

Vuelvo a este disco de 1982 más que a ningún otro de Lou Reed. Me encanta la mezcla que hay entre un hombre con una pareja estable, tratando de echar el freno y ser un tipo corriente, con su casa, su tranquilidad, sus fantasmas y sus cosas (como describe en la fantástica, tan sencilla, My house), y la tormenta que siempre acecha en Lou Reed, esta vez agitada gracias a la guitarra de Robert Quine, un afilador de cuchillos sónicos que convierte temas como Waves of fear (¿uno de mis 10 temas de Lou favoritos?) en pura paranoia y violencia. Los versos de Lou son sinceros, confesionales y a veces dan vértigo, como en la sinpar The Gun, que no es una canción, es un túnel oscuro y serpenteante, hacia abajo y hacia abajo. El sonido cálido que siempre acaricia Lou con su guitarra, el bajo de Fernando Saunders y la guitarra de Robert Quine, el mejor Lou Reed (como el de New York), no necesita mucho más.

JOHN HIATT (BIKINI, 28-X-10)

Aunque el John Hiatt que nos acaba de visitar no es el del directo del "Budokan" de los 90, y es un Hiatt muy low-key, con sonido carnoso y certero faltaría, pero sin ninguna fuga de energía inesperada, sin sorpresas ni saltos al vacío, habría que pensar que, pongamos, en 1995, o en el 2000, ni soñábamos con que este hombre se pasaría algún día por una sala de nuestra ciudad. Y lo ha hecho, y ha tocado todo lo que imaginábamos: repaso a Bring the Family, más paradas en los también imprescindibles Slow Turning y Stolen Moments, y alguna agradable sorpresa como el Crossing Muddy Waters, de aquel disco homónimo, serio, acústico y brumoso que nos entregó en el 2000. Administrando con conciencia su energía, su cancionero y su talento, Hiatt continúa sobreviviendo, y este concierto no hará más que mantener el respeto que muchos le tenemos y que nunca dejaremos de tenerle. También tocó tres o cuatro temas de su último y excelente The Open Road, que demuestran que el río no se ha secado, y que aunque a velocidad diesel, Hiatt sigue creando nueva música, manteniéndose vivo y mirando a los ojos a aquel alcohólico desesperado que milagrosamente grabó Memphis in the Meantime con tres buenos amigos, a mediados de los 80.