NADA QUE DECIR

Aunque un blog es algo personal, y en este que lees se publica solo lo que a mi me viene en gana, es bueno tener un límite, un departamento de calidad que no te deje publicar lo que no aporta o no vale la pena. Los que tenemos blogs, por humildes que sean, le debemos un respeto a quién invierte 20 o 30 segundos leyéndonos. Cuando pasan días y no escribo nada es que mi responsable de calidad particular está actuando, y no me deja colgar la primera tontería que me venga a la cabeza. Todo esto lo pensaba ayer mientras leía algunos post de la página Metal80.com, con artículos razonados, bien escritos y mejor documentados, sobre el heavy de los 80. No sé quién está detrás de esa página, pero seguro que alguien con ganas y con cultura, y con respeto por sus lectores. Por tanto decía, cuando no publico es porque no tengo nada que decir. El mundo es grande, las noticias son jodidamente buenas o pésimamente malas, hay amor, música, cine, comida y las cosas que te pasan, pero a veces, ohlalá, no tienes nada que decir. Y ante eso, mejor no publicar ¿no?

BLUE RODEO, SMALL MIRACLES

Voy catando aquí y allá en la discografía de Blue Rodeo, y me va a dar un ataque si no encuentro ya un mal disco. El anterior a Things we left behind, su última y loada obra, es este Small Miracles del 2007, que tuvieron la buena idea de vender en su reciente gira. Small Miracles te traslada al Sweetheart of the rodeo de los Byrds, a Gene Clark y esos temas, Full Circle, country luminoso pintado con los colores pop más bonitos que puedas imaginarte. So far away, el primer tema, me lleva en volandas cuando el día decae y lo veo todo muy chungo, y Black Ribbon es irresistible, lo tiene todo, con esas mínimas pinceladas psicodélicas incluídas. Regala estas canciones, hazte amigo y sonríe. Hoy ganamos. Las cosas que solo te da la buena música, amigo.

CLARISA

Me dan la noticia de que Clarisa ha muerto. Mi última conversación con ella, siempre por mail, es de principios de 2009. Me siento aturdido, muy, muy acongojado, porque Clarisa era de las que dejan huella, por poco que la conocieras (en directo tan solo la vi una vez, en aquella comida de alumnos del master de guión, donde ella por cierto fue el centro y corazón de todo el encuentro). Hay personas que mientras viven te dan una lección, no sé cómo lo hacen, pero desprenden ganas de vivir, de sobreponerse, y tienen la mirada ardiente, viva, y sonríen y confían. Ella era guionista, como yo.

http://aventurasdeunguionista.blogspot.com/2010/10/chau-clari.html

BAR CAÑETE, BARCELONA

Ahora mismo el Cañete es uno de los bares de tapas con más nervio de Barcelona. Lleno, a plena actividad, con camareros circulando detrás de la barra resolviendo mil situaciones por minuto, y una cocina a la vista que funciona a todo trapo, este local del Raval (Calle Unió, debajo del Liceu) es un espectáculo en si mismo. La orientación de la carta mira hacia el tapeo del sur, con torta de camarones, salmorejo, pringá... Además de embutidos y quesos. No todo funciona al 100%, unos cap i tripa que probé me resultaron bastante inofensivos, pero el bocata de calamares, el relleno de pringá o la golosa cansalada con puré de patata (bombón ibérico lo llaman) son buenas opciones a un precio muy ajustado. Dos o tres cañas por barba y un buen surtido de tapas y platillos te sale por menos de 50, dos personas. En la entrada hay un espacio separado donde te puedes tomar el café y algún postre más tranquilamente. Siempe está bien buscar excusas para darse una vuelta por el Raval, esa república independiente de Barcelona a la que cada vez nos sentimos más ajenos los nativos.

BLACK SABBATH: SEVENTH STAR ERA, REINA EL CAOS

¡Se reeditan a todo lujo los imprescindibles Seventh Star y The Eternal Idol de Black Sabbath! Ante este pedazo de noticia pocos levantarán su culo y pasarán por caja en Amazon o Revolver; yo, quizás tú que estás leyendo esto, y algún otro monguer. Quiero decir, Seventh Star y The Eternal Idol pertenecen a la peor etapa de Black Sabbath, mediados los 80, sin Ozzy, sin Dio, ni siquiera con Gillan, lo peor. Ambos son discos que representan a un hombre, Tony Iommi, en la encrucijada ¿Sabes lo que es salir de una empresa triunfadora y tenerte que buscar curro aunque tu currículm sea inmejorable? ¿Estarías dispuesto a trabajar en otra empresa de menos éxito, donde te pagan peor, has de vender tu otrora insobornable talento y trabajar con personas que en otra época te habrían traido los cafés? Bien, pues en ese punto estaba Iommi, guitarrista fundador, genio de Black Sabbath en 1985. Quería pero no podía. Había vuelto de una larga gira con Ian Gillan como vocalista, la gira del escenario de Stonehenge, que recorrió arenas de Europa y Estados Unidos y le permitió seguir viviendo como una estrella, pero que a la larga, representó el principio del fin. El experimento Purple-Sabbath, con un Gillan que pensó que cantar en Sabbath tan solo consistía en gritar hasta desgañitarse, un disco incomprendido en su momento, Born Again, y unos fans histéricos porque se las venían venir, se convirtió pues en un acuse de recibo. Despierte sr. Iommi, despierte. Y despertó, en el Live Aid, con esa momentánea reunión de los Sabbath originales, y algunos infructuosos contactos para intentar traer al exitoso Ozzy de vuelta al redil.


Finalmente Iommi se tomó su tiempo, todos abandonaban el barco menos él, así que contrató al pequeñín Eric Singer a la batería, quién ya empezaba a hacer de las suyas en el mundo de los contratos temporales, a Dave Spitz al bajo y a Glenn Hughes, leyenda ex Deep Purple a las voces. En un principio pretendía grabar un disco en solitario con distintos cantantes, pero cambió de idea, y le dio a Hughes toda la responsabilidad. La compañía de discos, con Don Arden (el padre de Sharon Osbourne) a la cabeza, le presionó para que el disco fuera de Black Sabbath, así que finalmente, tenemos ese extraño producto llamado "Black Sabbath featuring Tony Iommi", más vendible que un simple disco en solitario. El resultado es miel para los oídos dispuestos a sumergirse en un baño turco de teclados, guitarras livianas y atmósferas propias de la época. Hay canciones grandes, mayores, como In for the kill, power ballads muy resultonas, No stranger to love, y un buen grupo de temas que gustan si tienes paciencia, Angry heart, Sphinx... un metal muy atmosférico, como digo, y un resultado en general digno, atractivo, aunque de menor enjundia que los dos discos que vendrían después, todavía en los 80, el implacable The Eternal Idol -donde Iommi recuperaría la garra en los riffs- y Headless Cross, los dos con el aplicado Tony Martin a las voces. Los temas de Seventh Star no tienen riffs memorables, la pasión la pone Glenn y sus privilegiadas cuerdas vocales, pero como digo, es un buen disco.



Las cosas más o menos iban encaminándose para Iommi, así que era el momento de emprender un nuevo tour. Para esta ocasión Iommi se dejó de grandilocuencias y monolitos e hizo diseñar un escenario que era... ¡grandilocuente otra vez! El montaje se dividía en dos decorados, a la izquierda aparecía una vieja ciudad, de corte medieval, y a la derecha otra futurista, ambas estaban unidas por una pasarela encima de la cual se situaba la batería y los teclados. Iommi quería expresar nosequé pollas de la evolución del tiempo y el ser humano, y como siempre, hizo el ridículo. Los primeros conciertos significaron varias cosas, una que nuestros amigos del averno (cuatro más el Casper de la saga Sabbath, Geoff Nichols, siempre presto a echar una mano en los teclados y a no salir en las fotos) ofrecían unas pintas dignas de Carmen de Mairena, maquillados y aseados con las mejores pintas, que los pabellones estaban ligeramente más vacíos, que Tony tocaba bien, como siempre, y que Glenn estaba... perdido. Los seis primeros conciertos de la gira Seventh Star de 1986 son una de las experiencia más vergonzosas a las que puede asistir un fan del metal. Glenn Hughes no da con ninguna nota, la voz le chilla, en escena está descolocado, pesado y patoso. Borracho y yonqui en suma, aunque él se justificó diciendo que antes del primer concierto tuvo una pelea con alguien del equipo de management y recibió un puñetazo en la nariz que le fastidió la voz. Tonterías, Glenn pasaba por un momento dramático, y si coges cualquier bootleg de estos seis primeros conciertos (Cleveland, Detroit), o el video de Detroit, asistes ojoplático al hundimiento de un vocalista inigualable.


(Formación Sabbath recién despedido Glenn Hughes, con Ray Gillen)

En los últimos temas de cada uno de esos conciertos, el propio Geoff Nichols, nuestro Casper el fantasma bueno, tenía que ponerse al micro, y cantar las canciones, mientras Glenn se balanceaba y trataba de balbucear algo con sentido. Naturalmente que Tony ya lo veía venir y desde el inicio del tour contrató los servicios de Ray Gillen , entonces cantante desconocido (posteriormente en Badlands, y fallecido a principios de los 90 víctima del SIDA), quién pasaba el rato en el autobús de gira a la espera de que Glenn se desplomase ya totalmente y él ocupara su lugar. Al séptimo concierto, Tony ya tuvo suficiente, echó a Glenn Hughes y el tour continuó hasta el final con el hábil Gillen, cuyo futuro en Sabbath sin embargo no daría para mucho más (grabó The Eternal Idol entero, pero Iommi lo despidió por ir demasiado sobrado, entró Tony Martin y regrabó las voces del disco, pero eso es otra historia, algún día hablaré de The Eternal Idol). Al cabo de los años, cuando ya nos hemos acostumbrado al actual Glenn Hughes hiperactivo, sobrado de cualidades, mucho más en forma que tantos otros de su generación, nos cuesta ver a ese Glenn más parecido a un patético Liberace encocado, que con Black Sabbath dió lo mejor, o casi, en el estudio con Seventh Star, y lo peor en aquellos bochornosos conciertos de los cuales os incluyo aquí algún video. Un periodo loco, fascinante. Ya no habían más Paranoids, Masters of reality, ni Mob Rules, pero la música de los Sabbath post Dio siempre me ha parecido dramáticamente infravalorada. Nunca es tarde para (re)descubrirla. Black Sabbath da para toda una vida ¿verdad?

UN TRABAJO EN CLASE: MINEROS DE SAN JOSÉ

En una de mis clases, un grupo de chavales están elaborando una cápsula informativa audiovisual sobre los 33 mineros chilenos atrapados a 700 metros de profundidad. Podían escoger entre otras noticias de actualidad, desde ETA hasta las inundaciones de Pakistán o el tema del burka, pero el componente de suspense, casi de ciencia ficción, de lo que ocurre ahí abajo en Chile les ha seducido ¿Saldrán o no saldrán? ¿Cómo sobreviven? ¿Cómo comen, respiran, mean? Ahora que parece que todo va a ir bien, y que los sacarán con vida muchas semanas antes de lo previsto, este grupo de niños, niños periodistas, tendrán que saber encauzar la noticia en una nueva dirección, no solo explicando este final feliz, sino entendiendo lo que ahora ocurrirá con estos 33 humildes obreros -más familiares, amigos etc.- cuyas vidas cambiarán para siempre. En el exterior recibirán toneladas de calor humano globalizado, pero también medallas, premios, dinero, iPods cortesía de Steve Jobs, invitaciones de famosos clubes de fútbol para asistir a sus palcos, de programas de televisión, de productoras de cine. Ojalá disfruten de todo eso sin perder la perspectiva, el equilibrio. Yo no sabría. Mientras, en clase, espero que este grupo de chavales comprendan la magnitud de la lucha por la supervivencia que han librado estos tipos, pero también el gigantesco tsunami que se les viene ahora encima, para el que muchos de ellos, temo, no van a estar tan bien preparados.

FREGANDO LOS PLATOS

Recomiendo fregar los platos. Primero porque es una guarrada entrar en una casa con la cocina sucia y la vajilla pringosa acumulada en el fregadero (cocina limpia y cama hecha, es de ley), segundo porque en ocasiones es un placer. Esta mañana fregaba tranquilamente los restos de la cena de ayer, fuimos ocho, un montón de platos, cacharros, copas etc. Primero me he deshecho de botellas de cerveza, vino, tónicas, pieles de limón del gin tonic y demás mierda, luego he colocado milimétricamente lo que he podido en el lavaplatos, soy el mejor en eso, y el resto, casi todo, me lo he trabajado a mano. Cuando era fumador no había mejor cigarro que el que me fumaba fregando los platos, ahora que estoy limpio me conformo con gozar de esa disciplina tranquila y mecánica que requiere una actividad tan denostada por muchos. Esta mañana, relajado, limpiaba platos, cubiertos y copas mientras sonaba el IV de Led Zeppelin y el extraordinario disco de Black Country Communion. Estaba tan bien que ni siquiera he tenido que tomarme el Gelocatil de turno. Necesito momentos así.

BLUE RODEO (6-X-10, RAZZMATAZZ 3)

Definitivamente, en mi bar siempre tendrían cabida Blue Rodeo. De lunes a domingo, las noches que quisieran, el tiempo que quisieran. Banda de larga trayectoria, descubierta ahora por muchos de nosotros gracias al doble Things we left behind (lo escuché cuando salió, me gustó, ahora me gusta diez veces más, y sigue creciendo), practican con dedicación y mimo un country rock envuelto en gustoso pop, aunque lo que más me gusta de ellos son esos largos desarrollos instrumentales, como anteayer en algunos finales y en el segundo compacto de Things we left behind. Buenas vibraciones, simpatía, calidad y entrega. Venían sin Greg Keelor, co-líder de la banda junto a Jim Cuddy, pero su sutituto temporal tocó con buen gusto y pasión. Sin necesidad de reventar amplis, ni bajarse los pantalones, ni hacer la pelota, Blue Rodeo nos dejaron el miércoles pasado felices. Seguiremos buceando en su discografía, y esperándoles, que seguro que vuelven.

ACE FREHLEY

Ahora que se anuncia la publicación de las memorias de Ace Frehley para 2011, todavía más elogios va a recibir su figura. Ace creó para Kiss un sonido particular, casi minimalista, un concepto que valoraba el feeling del sustain antes que la cantidad de notas por metro cuadrado, un estilo propio y original en definitiva, inimitable, y también le dio a la banda el gen de rock n´roll del que Gene y Paul eran capaces de olvidarse tan a menudo, ahora con la música disco, ahora con las óperas rock. Pero la posterior carrera del Spaceman ha sido decepcionante. Frehley´s Comet empezó bien, heavy con buenas melodías y riffs, un poco pasteurizado por la producción de mediados de los 80, pero válido. Luego la nada. Gene y Paul lo rescataron del asco vital (como al pobre Peter) en la reunión del 95, entonces su figura se reactivó, así como su carácter poco fiable, sus empanadas y sus vicios. Adoro el sonido Frehley, su disco en solitario del 78 fue el mejor de los cuatro Kiss, y su catálogo tiene una buena ristra de clásios, de Cold Gin a Rocket ride, de Parasite a Shock me, leeré su libro y me lo pasaré en grande, pero es triste que este hombre haya tirado su vida por la borda durante tantos años. Su talento se fundió con su salida de Kiss, y desde entonces ha vivido del mito y de caer extrañamente bien al fan. Durante años Gene y Paul eran los malos, los que estaban ahí por la pasta, y Ace era el auténtico, el amigo de los niños, el rockero que vive por y para el rock. Sin embargo el tiempo ha dado la razón a los primeros, porque Ace quiere la pasta como el que más, y su concepto del rock n´roll es pasarse décadas enteras sin firmar una canción decente, mientras promete y promete que el disco de su vida llegará pronto. Musicalmente, Ace está acabado, su último disco no me interesa en absoluto. Ahora es un hombre entrañable y viejo, que se cree mejor de lo que quizás es, otro genio que vive mirando al pasado. Y le sigo queriendo.

NEIL YOUNG, LE NOISE

No entiendo la sorpresa con el disco de Neil Young. Es decir, entiendo que guste o no, pero nada más. Hoy día estamos curados de espantos, la música nos ha dado tantas alegrías, decepciones, infartos etc. que nuestro cuerpo ya segrega suficientes plaquetas para cuando escuchamos algo supuestamente... ¿sorprendente? ¿difícil? Somos perros viejos, sí. Había que estar a principios de los 80 para saber lo que era que Neil te la diese con manteca con aquel vocoder y Nils Lofgren a su lado pegando saltitos idiotas. Ahora en cambio, Le Noise me parece coherente con lo que está siendo la carrera de este hombre desde los 90. Si todas las canciones fueran acústicas, lo compararían con Praire Wind, pero aquí Neil ha cogido su distorsión y se ha encerrado con Daniel Lanois en una cueva donde sonidos y palabras reverberan y rebotan hasta el infinito. Si escuchas este disco en el momento correcto, como es mi caso, te sientes irremediablemente atraído, aunque luego pienses que es mejor o peor que el anterior, o que el maestro Chrome Dreams II. Hitchhiker, Angry world, Sign of love o la acústica Love and war, no dejo de escucharlas. Sonidos de una mente cortocircuitada, palpitaciones eléctricas antes de la tormenta, una bombilla parpadea, el hilo musical de una estación lunar abandonada. Más o menos.

WASP, INSIDE THE ELECTRIC CIRCUS

Algún desaprensivo en no recuerdo qué web, escribía que los discos clásicos de WASP son un par de temillas que están bien y lo demás todo relleno. Hay que joderse. Es lo que tiene la libertad (y que dure, claro), cualquier pichón de tres al cuarto cree que puede cargarse la carrera de una banda como WASP en un par de líneas. En cualquier caso, una persona inteligente sabe que Blackie Lawless lleva décadas currándoselo, que da pena leerle en las entrevistas, pero que sus discos actuales son dignos y los clásicos, bien, imprescindibles. Escucho ahora Inside the Electric Circus, 1986, y qué decir. Otros tiempos, otro vestuario, otros peinados y otras ideas sobre la vida; y cuatro pulgosos carroñeros grabando en Hollywood Hills un disco repleto de rabia y provocación. De WASP, lo que siempre me engancha es la forma de cantar de Blackie. Este hombre no canta melodías, directamente se pelea a ostias en cada verso, y saca la peor bilis estrofa tras estrofa. Un disco que pasará a la historia por la versión del I don´t need no doctor (Humble Pie, recordad cómo la cantaba Steve Marriot. Piel de gallina), pero que es todo espectáculo de principio a fin. Aquí añado el clip de I don´t need no doctor, que presenta el montaje que llevaban por entonces en directo. Puro delirio y espectáculo.

RESTAURANTE CASA PALOMA: CARNE ROJA Y GIN TONIC

Casa Paloma (Calle Casanova, por encima de Diagonal) es uno de los restaurantes con más pulso actualmente en Barcelona. Inaugurado hace bien poco, se trata de un gran local especializado en carne, con una atractiva barra de tartars de carne y pescado (un sueño hecho realidad), amplia zona de mesas, terraza, y bajando unas escaleras otra atractiva barra, esta vez para darle al gin tonic después de la cena. En Casa Paloma, como digo, las cosas van con buen pulso, es un local potente, directo, bullicioso y cómodo, y es el lugar ideal para perderse en el mundo de la carne. Ésta, cuando es honrada y se ha trabajado bien, y cuando está comida con ritual, sin prisas y con el espíritu en paz, es el mejor homenaje posible al animal del cual procede; en mi caso, qué mejor homenaje que el que me embuché, un lomo bajo de casi 400 gramos, con 70 días de maduración (yeah!), y que ya al corte daba una sensación inédita para mi, de carne compacta y muy fuerte. El pescado en cierta forma es un alimento más contemplativo, suave, que invita a la sensualidad y la calma; la carne en cambio es poder, ataque, potencia. Ante eso, lechugas, rábanos y calabazas están muy bien, pero cómo puede vivir uno solo con eso. A parte de la carne, de primero probé un tartar de salmón con crema smitana que era todo textura y suavidad, bebimos un Camins de las bodegas Palacios, Priorat. Sin ganas de postre, saciados, bajamos a la barra de coctails, a por dos gin tonics de Seagram´s y una bonita conversación. Carne, gin tonic y la mejor compañía, solo faltaban los Stones tocando y ya me puedo morir en paz.


(Barra de tartars de Casa Paloma)

ROBERT PLANT: "BAND OF JOY" (2010)

Vuelve a confirmarse que el mejor miembro de Led Zeppelin fuera de Led Zeppelin ha sido y es Robert Plant. Parece mentira lo poco que ha hecho un genio de la guitarra como Jimmy Page desde 1980. The Firm han quedado sepultados en el tiempo, alguna colaboración, giras majas pero alimenticias con The Black Crowes y con el propio Plant, el también olvidado Outrider, pero nada relevante, nada digno de él; en este caso, hasta la carrera actual de Ritchie Blackmore, con sus pitufos y sus flautas, me parece más valiente que lo que hace Page hoy en día. El hombre que creó la música de una de las cinco bandas más decisivas de la historia ha dejado consumir su creatividad hasta dejar solo cenizas que tan solo reaviva con sus ruegos para que Led Zeppelin, o algún monstruo lisiado parecido, se reunan. De John Paul Jones no hablo porque no le he seguido tanto, y en cuanto a Plant, lo dicho, su vida y su arte van viento en popa. Su última obra Band of joy (nombre homenaje a su banda de juventud), aunque no es perfecta, es una delicia. Producido con Buddy Miller, contiene el aire roots del anterior disco con Allison Krauss más la variedad de registros que siempre ha existido en la carrera en solitario de Percy, ese desenfado a la hora de sacar las canciones de sus predecibles etiquetas (aunque eso nos ha legado alguna que otra horterada en los 80), y el aire folk que está en su propia genética (hay aquí por cierto, una brillante versión de Richard Thompson). Este disco es una continuación, mejorada, sorprendente, un punto retorcida a ratos, del fascinante Mighty Rearranger del 2005. Yo me he rendido al sonido y la profundidad de los temas, pasajes como los de Cindy, I´ll marry you someday me hacen pensar en la cara 2 del Led Zeppelin III, y me ilusiona escuchar a este hombre cantar dos temas de Low -Silver rider y Monkey- banda a la que debo recuperar ya (aquel The Great Destroyer...), aunque no aporte mucho a las respectivas versiones originales. Como digo, Plant ha sabido escapar de la senda marcada, no quiso forzar la reunión zeppeliana a más de un concierto, y produce ahora buena música de acuerdo con su edad, sin querer pasar por el héroe que ya no es. Rodeado por gente de garantías (Miller, Gillian Welch, David Rawlings), Plant se siente libre. Ante eso, poco le queda por hacer a Page, unos miran al pasado, otros al futuro.

EL GRAN VÁZQUEZ

Me encanta la ambientación, la luz, el atrezzo, los cigarrillos encendidos y el humo, los baretos de esa Barcelona de hace cuarenta años, las animaciones de personajes de los tebeos de Vázquez -idea a todas luces desaprovechada- y la ilusión que pone Santiago Segura en empujar a su personaje, y por extensión, a toda la película. Pero por lo demás, la historia de El gran Vázquez, dirigida por Óscar Aibar, cuenta bien poco. En el tramo medio, antes de que el dibujante entre en la cárcel, me resulta aburrida y repetitiva, parece querer ser graciosa sin que se note, y al final no hace ni media gracia. Y cuando intenta resultar dramática, pues tampoco funciona, no te lo crees. Me hubiera gustado más una historia centrada en el por qué de la mente creativa de un tipo como Vázquez, antes que una sucesión de chanchulleos y pillerías, gracietas y embrollos de un calavera que, como bien dice uno de los personajes del film, piensa que todo el mundo es gilipollas menos él.

SOUTHSIDE JOHNNY AND THE ASBURY JUKES: "PILLS AND AMMO" (2010)

La abultada papada de Southside Johnny esconde una voz que llora con las palabras, las celebra, las engrandece, cantando así es difícil que alguna de sus interpretaciones salga mal. Todo su nuevo disco Pills and Ammo es una fiesta de sentimiento soul. Certifico, por cierto, que ahora mismo Lead me on, el cuarto tema, es la mejor canción del universo. La fuerza de los vientos, la pasión de Southside Johnny, colocan a las canciones en un altar, Cross that line explota, luego hay alguna delicadeza para observar cada matiz de la voz, esa Thank you, o el blues que me gustaría cantar cuando sea mayor en Woke up this morning. Con una carrera de cuarenta años, el Southside Johnny de ahora y aquel que emocionaba a las ovejas con su versión del Heart of stone de Springsteen, no deben ser muy diferentes. Supongo que la clave es seguir creyendo en lo que haces, en lo que cantas. Y hay que tenerlo claro para levantar un señor disco como este con más de sesenta tacos.

UN DISCO EN MIS MANOS

Ayer pude tener en mis manos, por fin, el disco de The Felice Brothers, Tonight at the Arizona. He hablado ya más de una vez de este disco por aquí. Es del 2007, la mejor obra de la caótica banda de los hermanos Felice, y si insisto en postear de nuevo sobre lo mismo es porque Tonight at the Arizona me tiene obsesionado. Muchos discos me tienen obsesionado, pienso en ellos en los momentos más estúpidos, en cualquier circunstancia, lo siento, pero igual te estoy hablando y mientras mi cerebro vuelve a repasar tal canción de un disco de Elton John, de Neil Young, o de este de los Felice. Había sobado el Tonight at the Arizona de muchas formas distintas, pero hasta ayer no lo había tenido en físico en mis manos. Es una bonita portada, un artwork sin muchas florituras pero con gusto. Y es un proceso, un compromiso con la música, un ciclo. Para mi, para tantos otros, la música no se usa y se tira, la buena música permanece y sedimenta en tu día a día, la escuchas y la tocas con las manos, la hueles. Por eso ayer fue un día feliz, tener en tus manos el disco de los Felice es otro voto, otra firma, otra cláusula de compromiso. Tampoco tengo ganas de largar otra vez el discurso de pagar por la música, símplemente que tener el Tonight at the Arizona en mis manos me hace un poco más feliz.

KROKUS: "HOODOO" (2010)

Los suizos Krokus llevan más de 30 años de carrera y ahora, sin armar ruido, sin pavonearse con chorradas en las entrevistas, con trabajo y amor propio, graban este Hoodoo, un golpe de autoridad en la mesa del hard rock. Es como, callad la boca y escuchad quién manda. La banda, con los mismos miembros que grabaron aquel explosivo One vice at time de 1982, suena potente, segura, imparable. Un temazo como el single Hoodoo woman basta para aclarar las cosas, el vicio, la atmósfera del bayou, qué sencilla y efectiva confección. En las cuerdas vocales de Marc Storace (que todavía hoy día tiene que sufrir que mocosos periodistas le insinúen que es un simple imitador de Bon Scott), una versión tan manida como Born to be wild puede resultar felina, adictiva, nueva. Cómo canta, se enrosca en las palabras con todo el groove y la mala leche. Cualquier canción de Hoodoo tiene la actitud correcta, quizás no sean obras maestras, pero cuántas bandas jóvenes son incapaces de darte el buen rollo de una canción como Too hot. De lo que estoy cada vez más seguro es que puedes tener 60 tacos y rockear como el primer día. Eso me deja tranquilo.

JOHN MELLENCAMP: "NO BETTER THAN THIS" (2010)

Parece que John Mellencamp ha encontrado una vez más su lugar en el universo. Lo encontró en los 80, claro, (Uh Huh, Scarecrow o The Lonesome Jubilee fueron felices cosechas de rock rural reivindicativo para los que no querían estar pensando en el Born in the USA las 24 horas del día), y lo encontró a principios de los 90, con Whenever we wanted, Human Wheels o aquel vital, sonriente Mr. Happy go lucky. Y ahora, en el siglo XXI, vuelve a encontrar su piedra filosofal con No Better than this y su folk tajante, con el virus de Robert Johnson y el sonido que ya no se escucha en ninguna parte. La apuesta radicaliza la seriedad y sencillez a la antigua del anterior Freedom´s road, hasta el punto de que Mellencamp, como obseso arqueólogo en busca de fantasmas del pasado, ha grabado las canciones en estudios míticos como los Sun Studios de Memphis, o en la misma habitación donde Robert Johnson grabó sus primeros temas, y lo ha hecho utilizando un solo micro, con él y su banda tocando alrededor, con amplis vintage y con T Bone Burnett produciendo y vigilando que nada que huela a moderno se cuele por la cerradura o los conductos del aire. El resultado es un sonido que huele a habitación, a tipos tocando entre cuatro paredes, sonido físico que puedes hasta oler. Y canciones como bocetos al carboncillo que podrían colorearse y adornarse pero que mejor se queden como están, trazos llenos de conocimiento y madurez. Consejos para tu vida en Save some time to dream, rock n´roll y carretera con No better than this, delicias cantadas con mimo como Love at first sight, o un tema de riguroso negro, crónica de un lugar en cualquier lugar de Estados Unidos donde todo huele a derrota y a vidas malgastadas, tema raspado, sensacional, el segundo del disco, The west end. No better than this no te lo compras ni te lo bajas, te haces su amigo.

MANOWAR (SANT JORDI CLUB, 12-IX-10)

Después de la vacía actuación de Holyhell, otro de esos grupos operísticos de telefilme, con presumida cantante femenina, teclista saltimbanqui y guitarrista aprendiz de Yngwie Malmsteen, todos con muchas ínfulas y cero profundidad emocional, llegó el momento de ver y escuchar como Joey DeMaio y Eric Adams montaban su teatrillo. Siguen en lo suyo, y nuevos y jóvenes fans les dan la razón, curioso como una banda que curra tan poco (producción en estudio bajo mínimos) puede mantenerse tan alto en cuanto a aceptación popular. La parafernalia conceptual de Manowar funciona como siempre, aunque sus últimos discos se excedan (la palabra "exceso" es clave en el diccionario Manowar) en envoltorios propios de una banda sonora cruce entre Ben Hur y Evita. Dedicaron más de tres cuartos de concierto a repasar Gods of War y Warriors of the World, con mínimas concesiones al pasado en los bises -Kings of metal cayó como agua de mayo-, al estilo Maiden. El concierto fue entretenido y cervecero, populista y barato. A muchos nos encantaría que grabaran otro Into Glory Ride, o que el pimpollo que llevan de guitarrista se buscara otro empleo, o que DeMaio no soltara tantas gilipolleces en las entrevistas, pero entonces Manowar no serían Manowar. Ellos son la banda del pueblo, Belén Esteban en heavy. Pero cuando ruge el motor, y vuelves a sentir ese latido de locomotora que está en la base de su música, y Eric Adams atrapa las palabras como solo él sabe hacerlo, entonces te rindes otra vez al cuento mil veces contado.

CLAUDE CHABROL

No se me dan bien los obituarios, y menos después de haber perdido hace bien poco a una persona a la que quería (y que justamente dedicó una gran parte de su vida a amar el cine), pero la noticia de la muerte de Claude Chabrol, director francés enmarcado en la renovación del cine de autor de finales de los 50 y principios de los 60, la Nouvelle Vague, me obliga a escribir algo al respecto. Nunca fuí muy de Godard, si un poco de Rohmer y Malle, y un bastante de Truffaut, pero el director francés de la Nouvelle Vague que más me impresionó desde el primer momento fue Chabrol. Me recuerdo analizando el fino suspense de El carnicero con mi amigo Victor, y prendarme de la por entonces esposa del director, Stéphane Audran, en Las Ciervas y Una mujer infiel. El director de la burguesía provinciana de Francia lo llamaban, y es cierto, siempre adoré esos paisjes tranquilos, con aquellos pueblecitos franceses habitados por buenas familias, donde todo precía idílico hasta que el lado salvaje del ser humano irrumpía despiadadamente. Qué diferente es el cine de Chabrol a lo que se hace hoy en día, y qué necesario será a partir de ahora reivindicarle. En su vejez, Chabrol todavía firmaba grandes películas como La flor del mal, o la tremenda La ceremonia, de 1995, cuyo final todavía me hiela la sangre. Me prometo bajar las persianas, desconectar el móvil y el portátil y revisar lo que pueda de su filmografía.

ADIÓS JOHNNY GUITAR

Gracias, Johnny Guitar, por tu amor por tu familia, por tu bondad. Gracias por recordarme que el cine es algo maravilloso. A mis hijos les hablaré de ti, y veremos tus películas juntos. Jamás te olvidaremos.

¿TREGUA DE ETA?

Me temo que la última opción que tenía ETA para conservar el gramo o dos de peso mediático y social que les quedaba era desempolvar el decorado habitual de "pastorets" y grabar otro cutre video con tres idiotas encapuchados que, de nuevo, apelan a la democracia para solucionar el conflicto vasco (añadid la cantidad de exclamaciones que creáis necesarias). Las ilusiones que la gente normal como yo pusimos en el 2006 fueron tan altas, que ahora todo esto nos parece un chiste, un vídeo doméstico de mal gusto; hablando en serio, una trampa. Hace cuatro años, la paz se fue a la mierda, no lo olvidemos, primero por ETA, luego, a mucha distancia, por la inoperancia del gobierno de Zapatero; aquella tregua de ETA se solucionó con una bomba mortal en Madrid, y eso nos ha vuelo desconfiados, demasiado como para esperar algo de este último anuncio. En los últimos tiempos, la única noticia de algo relacionado con ETA ha sido el ridículo homenaje que cuatro perroflautas querían hacerle en las fiestas de Gracia a otra idiota corresponsable de la muerte de inocentes. Ya no hay titulares, ya no hay muertes, la policía hace su trabajo, y ellos se sienten olvidados. Ahora, a punto de caer por el precipicio, los asesinos tratan desesperadamente de agarrarse a nuestra mano y salvarse. Me reconozco un ciudadano desinformado, repito, desconfiado, y quizás en un año o dos ETA ya no esté gracias a un ejemplar proceso de paz, pero si depende de mi, este es el momento de pisarles esa mano y, por fin, mandarlos al infierno.

UN PEQUEÑO RESTAURANTE: BLAVIS

El Blavis no pasa de los cuarenta metros cuadrados de local. Ínfimo restaurante en la calle Saragossa de Barcelona, entre Gracia y Sant Gervasi; humilde propuesta, ilusión y ganas ante lo que venga, crisis incluidas. Una encantadora pareja, él, ex alumno de la escuela Hoffmann, en cocina, ella lidiando con la clientela con total naturalidad. Abren mediodías, con menú a doce euros, y por las noches (no todas, infórmate) ofrecen una carta super atractiva de platillos. En cualquier caso, llama antes de ir y reserva, te harás un favor y se lo harás a ellos. La decoración, la estética es nula, han tirado con lo que han podido, pero eso no es lo que importa. Ahora que tantos bistronomics intentan rizar el rizo con sus menús a precio reducido, esta pareja ofrece una cocina transparente, natural y de formas sencillas. Un vaso de ajoblanco como primer y fresco entrante te pone de buen humor aunque al lado tengas a cuatro tipos que no paran de fumar como chimeneas (único punto débil del Blavis, deberían prohibir fumar en un local tan pequeño. El tabaco molesta a los que queremos disfrutar de la comida. Recomiendo dejar un cenicero fuera, en la puerta, para que salgan los que no puedan aguantarse); el marmitako de atún es una delicia, cero formalismos y tonterías, tacos de patata, atún, caldo exquisito. Ante el exhibicionismo, el quiero y no puedo, estos chicos dan lo que dan, cocina humilde pero con fondo. En estas circunstancias, incluso un simple granizado de limón de postre es otra delicia. A la espera de probar una noche esa carta de platillos -que, aventuro, acentuará la creatividad de la propuesta- felicidades, Blavis.

VUELO IL874 (TELE 5)

Vuelo IL874, TV movie de dos capítulos que hoy ha emitido Tele 5, mañana sigue con el desenlace. La película está basada en las investigaciones posteriores al accidente de hace dos años en Barajas. Bien realizada, estética aséptica, actores conocidos en su registro más pétreo, escuela Grissom, y mucho tecnicismo, parafernalia aeroportuaria y las eternas tensiones entre cadenas de mando. La asociación de víctimas del accidente ha tratado de impedir la emisión de la película, alegando que todavía están por dilucidar las verdaderas causas de la tragedia, y que una película así atentaba contra el honor de los fallecidos. No han tenido éxito. Vuelo IL874 no es ningún pecado, en un mundo libre todos tenemos el derecho de hacer una película sobre lo que queramos, mal que pese. Y estos productos gustan desde siempre, y si la película se hubiera hecho de aquí a cinco o diez años no tendría la mitad del efecto. Queremos volver al escenario de la tragedia, vivirla aunque hayamos tenido la suerte de no estar allí, saborear detalles con deleite y sufrimiento, regocijarnos en los flashbacks donde se muestran los segundos antes de la tragedia, alimentar nuestra sed de morbo, descorrer las cortinas y asomarnos a la desgracia de los demás. La vida es así, y el arte, y los telediarios. La información televisiva es una barriga fresca rajada de arriba a abajo, y cuanta más tripa veamos mejor. En la era de Pedro Piqueras, nadie debería escandalizarse por una TV movie sobre un terrible accidente aéreo que costó la vida a tanta gente. Que la ficción -las TV movies- se apodere de la realidad más inmediata y dolorosa no es malo ni bueno (si acaso denota falta de ideas), sí lo es en cambio que los formatos de información se contaminen de los métodos de la ficción.