Lo bien que van estos documentales "cinematográficos" (como el de Tom Petty, Lemmy, Anvil...) para reavivar el interés por muchas bandas. No sé si Rush conseguirán nuevos fans con Beyond the lighted stage, pero seguro que hacen que viejos rushólogos como yo (masculinos, un poco inadaptados, un poco raros, según ellos mismos nos definen en la película) sonriamos de satisfacción. El documental repasa toda una carrera, y toda una forma de ser en el rock; como en aquella maravillosa perla que compusieron en los 80, Marathon, no se trata de lo rápido que vayas, sino de lo lejos que vayas a llegar. Y Rush han llegado muy lejos sin comprometerse con maquinarias comerciales (hace bien poco hicieron su primera aparición televisiva para ser entrevistados), haciendo música seria y trabajando como bestias en conciertos de tres horas. Profesionales, inteligentes, aburridos y discretos. Pero la música está ahí, y Rush tienen una discografía, bien repasada en la película, que no hace sino revalorizarse con el tiempo (aunque no me gusta que le den algún que otro palo a la etapa de sintetizadores de los 80, mi favorita), un océano de casi 40 años en el que perderse. Termina Beyond the lighted stage con la banda interpretando esa preciosa Far cry de su último disco Snakes & arrows. Música viva, poesía y tecnología, pasión y matemática. Y tres amigos de la infancia (impagables los videos caseros con un Alex Lifeson adolescente y pasota en la mesa de comer, con unos padres que ven que no podrán sacarle el veneno del rock n´roll al chico ni con fórceps), que siguen siendo tres amigos con 60 años, y no conciben más Rush que el que forman ellos tres. Una bonita historia.
Aprovechando que este domingo me destrozaré las cuerdas vocales aullando Fast as a shark y Metal heart en la Razzmatazz, con la visita de Accept 2.0, es decir, Wolf Hoffmann, Peter Baltes y ese estibador de cojones que es Mark Tornillo, adjunto un video del por otro lado excelente, envidiable, That Metal Show (en VH1), una especie de tertulia Intereconomía del Metal, donde se habla, se discute y se disfruta charlando de bandas como Dokken o los mismos Accept. Un sueño de programa presentado por verdaderos empollones del género, la versión metal de aquel ¡Qué grande es el cine! de Garci. VH1 me hacía gozar hace unos pocos años cada viernes con VH1 Rocks, no había cena en la calle Aragón entre Villarroel y Urgel que no incluyera en el pack ese gran espacio con montones de clips de AC/DC, Van Halen, Priest etc.; igualmente, ahora está bien repasar algún That metal show de vez en cuando en Youtube.
Muchos dicen que Elton John, esa albondiguilla de la que todos nos hemos reído alguna vez, se está redimiendo de su terrible pasado comercial con este disco junto a Leon Russell. Bien, habría que decir que Elton John lleva años redimiéndose, editando discos notables, seguros y de calidad (otro debate sería si tan malas eran aquellas obras de los 80, para mi muchas eran fantásticas- Reg strikes back, Two low for zero- pero ahí interviene el desconocimiento general y el tópico; por no hablar de los insensatos que no saben que Elton John grababa dos o tres obras maestras por año en los inicios de su carrera), y habría que añadir que ha sido el propio Elton John el que ha rescatado a Leon Russell y no al revés. Aunque supongo que los dos se han hecho un favor mútuo en nuestro beneficio con este The Union, que si bien no pasará a los anales, esa no es su intención, si es un sentido ejercicio de buen gusto, piano y nombres como luceros: T Bone Burnett produciendo, una banda con Marc Ribot y Jim Keltner, participaciones de Neil Young, Brian Wilson... Gone to Siloh, esa perfecta Jimmie Rodger´s Dream donde nada falla (ahí está Bernie Taupin y esas letras tan reconocibles), There´s no tomorrow, que tan bien calzaría Joe Henry.... No es un disco de cotas altas, nadie se rasga las vestiduras durante estas 16 canciones, pero como digo, las canciones fluyen de maravilla, a veces acercándose al lado pop de Elton John, otras veces recuperando aires country. Pero Elton John también hizo country (Tumbleweed connection, qué disco), y ahora (no puedo hablar, por desconocimiento, de la carrera de Leon Russell) disfruta de forma un poco más sencilla la música y de su status.
El disco homónimo de debut de Blue Murder, la banda que formó John Sykes con el viejo coloso especialista en trabajos temporales bien remunerados (¿TTBR?) Carmine Appice (aprovecho para lanzar gratuitamente un titular de demagogia rockera: No me gusta como toca la batería Carmine Appice, tampoco me convence su hermano, y creo -¿seré el único?- que Cozy Powell, que por cierto grabó las primeras demos de Blue Murder, fue un batería carismático pero muy, muy sobrevalorado. Ahora, pegadme); Sykes, Appice más Tony Franklin al bajo, y producido por Bob Rock, Blue Murder es el disco de hard perfecto para el periodo 1987-90. El disco por el que perdían el culo Kiss y el mismísimo Coverdale, que empezaba a zozobrar con la continuación de 1987 (Slip of the tongue, que por otro lado me parece un buen disco). Hay en estas canciones un montón de buenas ideas (Sex Child lo tenía todo para convertirse en un standard hard rockero de la época), y un tipo, John Sykes, en plenitud de confianza, vengándose del trato que recibió en Whitesnake, donde Coverdale exprimió sus neuronas y le dejó luego tirado. El hard de Blue Murder, y el de la época, era americanizado, grande, satinado, de confección elegante, canciones muy producidas, de curvas sinuosas y sonidos elevados. Ya no se follaba en el barro ni en los baretos, sino en coctelerías de luz azulada situadas en la azotea de algún rascacielos de Miami Beach, con señoras agazapadas a contraluz, pelo rizado y tacones de aguja. A finales de los 80 el hard que marcaron discos como 1987 o Blue Murder era pretencioso, esencialmente mentiroso, no era como aquellos Twisted Sister que se acercaban al adolescente y le decían tío, la vida es una mierda, sal y bébete una cerveza. Ahora había chicas impresionantes, pero estaban más lejos, todo era más distante, y ningún adolescente podía llevar esos peinados de ciencia ficción, ni pagarse un Tanqueray on the rocks en un local de moda de Miami. El rock duro se convertía en un pop ruidoso, barroco y de diseño (¡incluso Deep Purple lo intentaron con Slaves & Masters!), canciones afectadas y de contornos suaves. 9 semanas y media. Pero había talento, y así, discos como este Blue Murder, con canciones muy elaboradas no solo en producción sino en estructuras, funcionan a las mil maravillas en el estado mental correcto.
A la primera escucha, Invariable Heartache ya tiene suficientes argumentos para convertirse en tu amigo íntimo para las próximas semanas; con más escuchas, lo será durante quién sabe cuánto. Se trata de un proyecto único, Kurt Wagner, líder de esa gran agrupación llamada Lambchop y Cortney Tidwell, cantante y heredera de la antigua discográfica de Naschville Chart Records. La historia es bonita. Chart Records era una pequeña discográfica country independiente que su abuelo convirtió en hogar de éxitos interpretados por artistas jóvenes, se editaron montones de singles y algunos de sus artistas como Lynn Anderson llegaron a lo más alto del género; luego fueron sus padres los que se encargaron de mantener el barco. Cortney creció rodeada de country en casa, pero también vivió de primera mano las dificultades que les suponía a sus padres mantener a flote una discográfica como esa, la presión por fabricar éxitos... Cortney se hizo adulta odiando su propio legado familiar, hasta que décadas después del auge de Chart Records en los 60, hace las paces con su pasado de la mano de su marido y productor Todd Tidwell y el gran Kurt Wagner. Invariable heartache son 12 versiones de viejos temas del catálogo Chart Records grabadas por Cortney y Wagner. Una operación de rescate y actualización, y de redescubrimiento de la esencia de todo aquello que sonaba hace 40 años. Delicioso, perfecto. Lo vas escuchando una y otra vez y los ojos se te humedecen, qué alegría encontrarte con temas como She came around last night, o Incredibly Lonely, o la imparable Penetration, o todos, absolútamente todos. Es el mejor disco del 2010 que no ha figurado en ninguna lista de mejores discos del 2010. Heredero de los grandes dúos del pasado, de Marvin Gaye y Tammi Terrell, exquisito e imprescindible.
(Esta última, Today, versión de Jefferson Airplane, es un bonus track del disco que sin embargo no he encontrado en el cd)
Wikipedeando te enteras de cosillas. Por ejemplo, que el bruto batería de los actuales Scorpions, James Kottak, tocó con Ronnie Montrose a finales de los 80, o que Bill Church y el propio Ronnie Montrose participaron en el inagotable Tupelo Honey de Van Morrison (recomiendo disfrutar de los espléndidos artículos que le está dedicando TSI-NA-PAH al gran Van the Man). Y luego giras la carpeta del vinilo del primer disco de Montrose (1973) y lees que Ted Templeman produjo este torpedo. Poco puedo contar de Montrose que no sepáis, es decir, nada. Que este disco quema asfalto como pocos, que en los setenta hay obras que huelen a gasofa y alquitrán, y que eso es irrepetible. Como defensor a ultranza de Sammy Hagar, me enorgullezco de que su carrera empezara de esta forma, marcando paquete al lado de Ronnie Montrose. Rockeando duro. Luego Sammy se salió de la banda y rubricó una carrera en solitario, en gran parte, tremebunda (Live 80, VOA, ese primer disco homónimo con una de esas portadas Hypgnosis que más me han obsesionado, y su carrera de los noventa para arriba, rica en discos rockeros más nutritivos de lo que pueda parecer), y ah, aquellos impecables discos de hard ochentero con los ahora insoportables, idiotas, hermanos Van Halen (¿Pero es que ningún fan de Van Halen se siente estafado después de tantos años de estupideces? ¿Nadie va a protestar? ¡Por favor!). Bueno, creo que Rock Candy, pesada, densa y sucia, Bad motor scooter, tan Hagar, o Space station #5 son tan buenos argumentos como los temas restantes de Montrose. Mete el disco en la guantera y que arda la carretera. Rock USA 100%.
Hay que subir el ánimo, decir basta a los problemas, arreglarse y salir esta noche. Para todos los bolsillos, algunos restaurantes -clásicos en este mi blog- que ahora me vienen a la cabeza...
La mejor barra que conozco... es la del Coure (Passatge Marimon, Barcelona), no más de cuatro metros de barra donde probar unas croquetas de carn d´olla insuperables, un tartar perfecto, una coca de sardinas... Varias veces hemos ido, ninguna decepción.
La mejor carne que he comido... en los últimos tiempos, la del Casa Paloma, uno de los locales más vibrantes de la ciudad. Un invento que funciona como un reloj. Arriba, carnes de todo tipo prohibidas a pesados vegetarianos, barra de tatars, y algo de pescado, como un delicioso tartar de salmón con crema smitana. Abajo, bar-coctelería para rematar con el gin tonic.
Ruido, lío, bullicio... Y más barras, pasear por el decadente Raval tiene ahora sentido si paro en el Cañete, teatrillo a la andaluza donde el tapeo hace ruido y bullicio. Hay tapas mejores que otras, pero el local está en su apogeo y el ritmo en cocina va que pita.
Más... Tradicional es la comida que hacemos en el San Telmo el día de Reyes. Ha tenido épocas de servicio más mimoso, pero las carnes siguen siendo de primera calidad, y las empanadillas mejor que nunca.
Bistronomics... Como el Caldeny, pequeño local con menú ajustado a mediodías, un trabajo magnífico con la carne y ajustadas ambiciones gastronómicas.
Una estrella Michelín ha recibido el Hisop, merecida o no en comparación con otros, pero una comida en este local, situado en frente del Coure, son dos horitas de tranquilidad y buen producto. He comido algún arroz fantástico, la última vez una lubina deliciosa, una cocina medida, bonita, que sabe lo que se trae entre manos. Suerte para ellos, ahora que el nivel de exigencia, y de crítica, va a aumentar dramáticamente.
Improvisar es fácil si lo haces en forma de hamburguesa, como las de La Burg, las mejores, las más cuidadas, buey forever, mejor propuesta esta que la del Filete Ruso, en la calle Enric Granados, de los mismos dueños, que no acabó de convencernos. Por cierto, las hamburguesas del Saltimbocca han acabado por gustarme, aunque esta pizzería ha tenido mejores momentos, seguro, como los primeros meses después de inaugurarse. Lo sé de buena tinta, vivo cerca.
Y arroces... Pues el estilo castizo, grasiento, tragaperras y ceniceros llenos de colillas (ya no) en La Perla, Poblesec, y más cool en La Mifanera, con un chef super especializado en la materia.
Son los que me vienen ahora. Y como es habitual... ¡Siempre acabo hablando de los mismos!
Darkness on the edge of town fue el primer disco que verdaderamente sentí de Bruce Springsteen. No entendía canciones como Factory o Racing in the street, demasiado serias, introspectivas, pero en cambio Candy´s room, Prove it all night o incluso Something in the night se grababan a fuego en mi corazón sin que ni siquiera me enterase. Debía tener diez años o así. Por eso estas diez canciones siguen teniendo una significación especial, escuchar algo del Darkness me pone de un humor particular, es el disco más mio de Bruce, el que experimento de forma más íntima, aunque no sea ni mejor ni peor que Born to run y The river. Ando pues estos días manejando la caja Darkness on the edge of town, escojo momentos muy concretos para abrirla y gozarla, hay poco tiempo claro, trabajo y fiestas familiares, pero recomiendo citarse de madrugada, y escenificar la ceremonia con cerveza, la ténue luz de una lámpara y mucha tranquilidad por delante. Darkness on the edge of town, noche, soledad, carreteras, desesperación, el fin del sueño y a la vez la luz al final del túnel, el último aliento del derrotado, la promesa. Darkness... significa muchas cosas, y puede ayudarte en muchas fases de tu vida, como medicina crónica funciona siempre, a los 15 y a los 60 años.
Ahora, con esta gigantesca caja, más el primer material inédito de la época escuchado en Tracks, el mundo ya tiene el puzzle casi completo. Escuchando el doble cd de outtakes The Promise, vuelvo a quedarme sin palabras ante la creatividad compulsiva de Bruce, tantas canciones por las que tantos matarían y que él se limitaba a tirar a la basura porque no encajaban en el concepto del disco. En ese sentido, escuchadas todas estas canciones deshechadas, concluyo que Darkness..., el disco oficial, es perfecto tal y como se editó. Bruce escogió bien los temas, y de la inicial Badlands hasta la propia Darkness on te edge of town, la magia y el mensaje fluyen de forma perfecta, por algo se trata de una obra que se renueva a si misma a cada escucha, y conserva toda la rabia y el corazón tantos años después. Hace mucho tiempo coleccionaba material de Springsteen, siempre he sido fan, pero durante un par de años fuí un insoportable fanático de esos que muchos rockeros miran frunciendo el ceño; por entonces, antes de la era internet, me hice con vinilos que encerraban en sus cutres portadas canciones extrañas para mi como The iceman, The promise o Preacher´s daughter. El sonido pésimo de aquellas grabaciones no impedía que me quedara absorto ante unos temas que, daba la sensación, solo yo conocía. Existía el Bruce oficial, y luego el Bruce secreto, con docenas de canciones maravillosas que el mundo no conocía: Restless nights, Loose ends, The promise, Murder Inc... Ahora que son oficiales gracias a esta caja y a Tracks (aunque todavía hay joyas sin oficializar: esa misma Preacher´s daughter, o la dulcísima Cindy de las sesiones de The river, o... tantas otras de las que no tenemos ni idea), ahora que lucen remasterizadas y limpias, me siguen emocionando, y me alegra que por fin hayan quedado oficialmente desenterradas, pero las prefería en esos vinilos sucios y carísimos, tonterías de la nostalgia.
Darkness..., el disco, vuelve en esta caja más potente y profundo que nunca, mientras que este doble cd de inéditos revela preciadas tomas, entre otras, una bonita toma de Racing in the street (aunque la editada en Darkness... es insuperable), unas cuantas golosinas pop salidas del armario del cuarto trastero de Phil Spector, Someday (we´ll be together), tremendas piezas muy en la onda de lo que tenía Bruce en la cabeza por entonces, y que parecía que le salían a centenares, como Wrong side of the street o Save my love, y simples y llanas obras maestras: la evocadora The promise, el mito definitivo del fan springstiniano, y la redonda Because the night. Otra de las cosas positivas que sacas escuchando estos temas es comprobar como Bruce intercambiaba fragmentos musicales, versos, solos, entre canciones, hasta dar con las proporciones perfectas en la canción definitiva. Así, Come on (let´s go tonigh) es Factory sin la letra de Factory, o Wrong side of the street tiene partes de Loose ends, por poner solo dos ejemplos. Este mecanismo creativo queda más claro disfrutando del libreto en el que se presenta la caja, reproducción del cuaderno donde Bruce bosquejaba las letras de Badlands, Prove it all night y las demás. En estas deliciosas hojas observas de primera mano su modo de trabajo, como remueve las piezas entre las canciones, añade esto aquí y quita lo de más allá, como un alquimista o, él mismo díce en el documental The making of Darkness on the edge of town, como un mecánico con las piezas de un coche. Este doble cd de inéditos, en el que no todas las canciones rayan a igual altura, aunque no bajen del notable, es pues un regalo de valor incalculable, como si el joven Bruce de 27 años viniera a visitarnos del pasado con un par de nuevos discos bajo el brazo.
Pero la caja Darkness... es esto y mucho más. En el apartado audiovisual, el tema alcanza proporciones orgásmicas. El documental sobre la creación del disco contiene maravillosas escenas de creación y camaradería en el estudio, con la que por entonces era la banda de rock más potente del mundo. Las claves de las canciones de Darkness..., de como funcionaba todo entre Bruce y la E Street, la importancia de Miami Steve, de John Landau, todo está ahí, y en las declaraciones actuales del propio Bruce e incluso del hombre al que tanto odiaban los fans del boss, ese Mike Appel que le hizo la vida imposible entre 1975-78, y que ahora nos enteramos que es tan amigo del boss. El tiempo lo cura todo. Gracias por cierto a los problemas que le dio su antiguo manager, este Appel supuestamente diabólico que le impidió grabar durante tres largos años, Bruce acumuló parte de esa frustración que mutó en la rabia y el compromiso, que supura por todas estas canciones, así que mucho debemos agradecerle a este personaje. The Promise: The making of Darkness... es una película fantástica, de verdad, indispensable para tener una visión de 360º de lo que sucedió en aquellas complicadas temporadas 77 y 78, que tanta buena música produjeron.
Más viandas. También se incluye en la caja un concierto de los actuales Bruce & the E Street Band interpretando íntegro el Darkness, una presentación escénica seria, robusta (por cierto, no está Nils, ni la pesada violinista que tanto ha contaminado el sonido de los últimos discos de Springsteen, supongo que para evocar la formación original que grabó Darkness...), nada que decir de unos tipos que pasan de 60 años y que siguen haciendo las cosas tan bien. Hay más, claro, pero me quedo con la joya de la corona, la locura de concierto del '78 en Houston, que está llamado a rivalizar con el clásico video del concierto de Largo del mismo año, que consumí hasta el hartazgo en mis años de fan. Si bien el Bruce de la gira de The River me parece que es el mejor Bruce que ha habido nunca, el más rockero, el que iba más a lo que iba, el que te noquea durante tres horas sin mediar palabra, este es igual de sobrehumano. A los que se cepillan a Springsteen con cuatro tópicos idiotas, o a los que siguen pensando que el mejor Bruce es el de la cinta en la cabeza, los brazos musculados y la bandera USA, se les puede obligar a visionar este concierto, uno de los mayores espectáculos de rock n´roll que uno pueda presenciar. De cuando una noche tras otra, se terminaba con Quarter to three en un sensacional desparrame de energía, y Prove it all night empezaba con aquel solo hiriente de Bruce, y Mona / She´s the one eran una fiesta y... En fin, Darkness on the edge of town como nunca lo has soñado. No ha sido mi regalo de reyes, pero sin duda es el regalo de reyes.
En el último curso de guión, ella era siempre la primera en llegar. Al entrar para preparar la clase, me la encontraba ya en su sitio, silenciosa, leyendo a Chuck Palahniuk. Tiene una voz, un físico y una actitud que miran hacia dentro, es poco dada a la conversación vanal, luce camisetas de Nirvana, y alterna revistas de heavy con literatura y un mundo interior, seguro, lleno de contradicciones y claroscuros. Ella no es convencional, con 18 años es de largo la más joven del grupo, y sin embargo la que primero interviene, pregunta, propone en clase. Su proyecto era un poco vago, la idea una locura, sin embargo pronto vi que detrás de aquella idea había algo más, y que ella tenía muy claro como iba a ser su guión. Pero nadie tuvo la película en la cabeza hasta que no nos enseñó el cómic que había dibujado años atrás, como trabajo en la escuela, en el que había basado la idea para el proyecto. Nos mostró las viñetas sin darle importancia, mirando a otro lado, y entonces vimos como esos dibujos, esa sencillez del trazo, de la historia, te llevaban al corazón de lo que quería contar, y lo hacía a su manera, con sus reglas y su lenguaje. Dos hojas dibujadas por una adolescente que son una maravilla. Ella ya tiene una voz propia, cuando muchos emplean años de oficio en encontrarla, si lo hacen. Entonces yo me sentí un obstáculo, mis consejos, mi aplicación de ciertas "reglas" (algo que trato de evitar, pero no siempre lo consigo) a la hora de crear una historia no hacían sino cortarle las alas. Es tan joven, su mente en contínua explosión, que lo que menos necesita es que alguien le corte por aquí y por allá y le marque un camino concreto a seguir. Hay que darle confianza, poco más. Ahora sus ideas deben expresarse líbremente, y yo debo cogerlas con pinzas y no toquetearlas con mis manos manchadas de teorías e ideas preconcebidas, porque entonces perderán la intensidad de aquellas dos hojas de cómic que tanto decían, sobre su historia y sobre ella.
Venga, blues para calentar las primeras horas del 2011. Es increíble que haya bluesman en activo como Buddy Guy, quién en los cincuenta ya se pateaba todos los garitos de Chicago. Germen del estilo de gente como Eric Clapton, admirado hoy por amantes del rock y el blues, este hombre se pasó décadas enteras en las catacumbas, olvidado por la industria. Ahora puede grabar discos como este Living Proof, donde nos habla de su vida y de como se ven las cosas a los 74, o tocar con los Stones en la película de Scorsese, y sentir que hay miles de personas que le agradecen que esté ahí. Suena Living Proof de fábula, escucha Stay around a little longer, y cuéntale al señor, como hace Buddy, que todavía tienes mucho que decir en esta vida. El buen blues no se limita a regodearse en la tristeza, el buen blues te muestra la salida, y te dice que las cosas valen la pena. Buddy Guy es prueba viviente de ello. Añado un video de un concierto reciente, con un bienhumorado, joven Buddy sacando a pasear una vez más Hoochie Coochie Man. Enjoy!
Es curioso, hace ya un montón que lancé este blog sin preocuparme demasiado por si alguien lo leía o no, hasta que fueron apareciendo -bueno, a muchos los fuí buscando- blogs amigos y lectores, y me empecé a sentir responsable de este, mi espacio. Aquí pongo yo las reglas, puedo venir a relajarme o a estresarme, aquí se escucha rock n´roll, se come bien y se bebe mejor. Este es un espacio de dudas también, porque escribir sirve para dudar de forma que quede bonito. Mi blog me define bastante bien en todas mis contradicciones, y mi blog siempre me recuerda que hay que tener esperanza. Y espero un buen año que viene, como siempre tengo cosas en la cabeza, proyectos y cosas que quiero hacer, y algunas mejoras en mis circuitos también. Hace años me dije que la treintena era la mejor edad de la vida, y quiero luchar para hacer realidad ese pensamiento. De momento no me ha ido mal, pero necesito un salto, también un cambio y un voto de confianza por lo hecho hasta ahora. Todo en uno. Y hablando de hoy en concreto, permitámonos ser felices en una noche tan dada a las gilipolleces. Pasé algunos fines de año entre los 18 y los 25 de los que no quiero ni acordarme, por eso como que le tengo miedo a esta noche en la que todo el mundo sale a comerse las farolas a partir de las 12. Relax, eh. Hoy en casa se cena lubina, se bebe La Montesa, ya aguardan dos bolsas de hielo en el congelador, y en la nevera una botella sin estrenar de Seagram´s y tónicas. Bien, creo que con eso vamos por buen camino. Bon any nou.
Me fascinan los orígenes del metal extremo, del trash, death, black metal... Mis audiciones son experiencias íntimas, en las que Testament, Inmortal o Celtic Frost inundan indistintamente mis orejas de rabia y maldad. Así, de vez en cuando me paso un par de semanas en un trance de apocalipsis metálica, y buceo en los orígenes del trash, el death y todo eso. Ya he hablado alguna vez aquí de grupos como Possessed (siempre hay que reivindicar Seven Churches como un disco de valor histórico incalculable, cuya audición todavía hoy día acojona), Celtic Frost, Bathory... puntos de origen del metal extremo que ha arrasado con las mentes de tantos millones de jóvenes. Y también he citado alguna vez a los descubridores de la piedra de rosetta del trash, moradores de la Bay area de San Francisco, atacados por el acné y la rebeldía, los Exodus, Testament, Megadeth & Metallica claro, Slayer, Anthrax... De todos ellos me fascina que brindaran obras tan importantes cuando a penas eran adolescentes con ganas de beber cuantas latas de cerveza pudieran (Possessed tenían 15 años, putos mocosos). Otra banda de la prehistoria trasher es la que escucho ahora mismo, el trío alemán Destruction, representantes de la rama europea del primer trash junto a grupos decisivos como Kreator. Destruction, todavía en activo, eran tres adolescentes con ganas de dar ostias, y a buena fe que las daban en su Ep Sentence of death (1984) y el Lp siguiente, Infernal Overkill (1985), digno de figurar en una lista de los veinte o veinticinco discos de metal más importantes de la historia. Las pintas que gastaban eran tremendas, tres freaks con cinturones de balas robados del backstage de Lemmy, rostros pálidos y una creencia absoluta en lo que hacían. Como tantas bandas extremas de la época, se trataba de inadaptados escolares que vivían del intercambio de cintas de grupos oscuros, y se sentían herederos de Mercyful Fate y los sonidos de la New Wave of British Heavy Metal, solo que ellos veían que era posible hacer 100 veces más ruido y tocar 100 veces más rápido que Iron Maiden. Destruction van a todo trapo, aunque menos que otras bandas trashers, matizan bien los solos, los riffs, y las guitarras rítmicas, y te aseguran buenas dosis de pasión metalera.
A medida que pasan los años me veo incapaz de valorar si el rock está en crisis o no. No tengo ni idea de si esta temporada ha sido mejor en cuanto a calidad de lanzamientos que la anterior, no puedo comparar el 2010 con el 2009, o el 2005, me pierdo en valoraciones generales sobre el estado de la cuestión. Así que, agobiado, me agarro a los discos que más me han hecho vibrar estos últimos meses y punto. ¿Mejores que los del 2009? Ni idea.
Permanecerán mucho tiempo en mi memoria las sensaciones marcianas que me produce el disco de Neil Young. Le Noise es una caja de resonancia que emite en frecuencias perdidas en el subsuelo. A paso cambiado entre el presente y el pasado, Neil, su guitarra y un viejo ampli tratan de descifrar algún código desconocido desde la segunda planta de alguna casa perdida. Y todo sin dejar de ser un disco de Neil Young, con las clásicas, aquí inspiradísimas, canciones de Neil Young. Cada vez más, un grandísimo disco.
Band of Horses, con Infinite Arms, están llamados a ocupar grandes espacios y alcanzar grandes metas. My Morning Jackett deberán cederles sitio en la locomotora que arrastra el rock del futuro. Música paisajística, cinematográfica, también hay Beach Boys meets Neil Young & Crazy Horse, y un cuidado por cada detalle que me hace pensar que Bren Bridwell y los suyos sabían lo que tenían entre manos y han invertido en ello hasta la casita del perro. Han hecho bien, ahora el mundo les mira, y pronto les veremos en Barcelona.
De lo que yo he escuchado, Sharon Jones ha grabado el disco con las mejores canciones de este año. Anoche volví a escuchar I learned the hard way y qué decir. La clase de los Dap Kings y la autoridad de Sharon lo hacen un recurso perfecto para cenas en grupo (verano mejor), con gin tonics en la terraza y el mejor soul de fondo. El concierto de Apolo fue también de lo más ardiente del año.
Hank III y su troupe parecen salidos de la peor rulot del peor vecindario del peor extrarradio de los USA. Es country-hillbilly-punk, outlaw country, whatever, y lo tocan a todo trapo, mientras que las letras no ahorran en detalles morbosos. Las agujas se clavan en los brazos en plano detalle, las borracheras no duran una noche, duran toda una vida, y la poética de saberse lo peor de la sociedad y que eso te importe una mierda, rezuma en cada canción. Rebel Within no es ni mejor ni peor que el anterior Damn right, rebel proud, es otra vuelta de tuerca, cada vez más aguerrida, a esos dos primeros discos que nos deslumbraron hace 10 años, Risin´outlaw y Lovesick, broke and driftin´.
Necesito revindicar discos anti-cool como este. Voodoo, de Krokus. Y me siento orgulloso de que en mi resumen de lo mejor del años estén estos suizos, veteranísimos, que continúan sirviendo rock n´roll honesto y caliente como si todavía tuvieran que demostrar algo. Krokus son reivindicables, sus discos clásicos suenan brutales hoy día (ese One vice at time del 82...), y se mantienen mejor que nunca.
...Y la innegable calidad del Family Tree de los Whispering Pines (Stars above, ¿tema del año?), John Hiatt y su terroso The Open Road, el inabarcable doble cd de Blue Rodeo, Things we left behind, que todavía estoy estudiando con detenimiento de ornitólogo, la suavidad y timidez de Jakob Dylan (Truth for a truth, ¿segundo tema del año?), la solidez sin tonterías de la nueva entrega de Tom Petty, la explosión de The Brew y su A million dead stars, la recuperación del cetro del terribilismo gótic-country de Wovenhand y su The Threshing floor, la emoción soulera de Southside Johnny cantando Lead me on en su espléndido Pills & Ammo, John Mellencamp y su tratado arqueológico del rock n´roll No better than this, la clase y sensibilidad de Robert Plant en Band of joy, el barroquismo de Iron Maiden en un disco mejor de lo que parecía, The final frontier, el southern de calidad de Hogjaw y el oficio de Accept con Blood of Nations. Me dejo algunos, pero así a bote pronto, estos son los discos que mejor han sonado este año en mis cada vez más sordos (estoy como una tapia) oídos. Un 2010 que en lo musical también recordaré por la muerte de uno de mis héroes, Ronnie James Dio, un tipo al que ahora más que nunca llevo en el corazón. Parece que hace un par de semanas estaba escribiendo sobre lo mejor del 2009, con el disco de Kiss o el de Derek Trucks. Ya ha pasado un año, la vida va demasiado rápido. Estoy acojonado.
Al terminar la comida de Navidad observaba una fotografía de uno de mis cuatro sobrinos, Gerard, seis añitos, una mente creativa, inquieta, políticamente incorrecta, un mundo interior que deseo, sepa -le enseñen a- canalizar en algo maravilloso. La foto se la hizo su padre este verano. Gerard solo en la orilla del mar, de espaldas, mirando las olas. He pensado que esa fotografía debería ganar algún concurso porque era preciosa, y que la imagen definía a Gerard, y lo decía todo sobre él, y debería adjuntarse a sus informes escolares, para que cuando cambie de colegio, o entre en la universidad, los profesores sepan quién es realmente este muchacho; que entiendan que sus cualidades deberán encontrar un medio donde adquieran plena expresión, y que ese medio quizás no sea una aburrida (para él) materia escolar, y que su mente convulsa, extraordinaria, quizás no se vea reflejada con buenas notas. Las notas no sirven para nada, en el colegio se aprende a ser persona, a distinguir entre el bien y el mal, y a otear el horizonte para ver que el mundo es grande y que tú puedes encontrar tu sitio donde quieras. Eso no es calificable por unas notas. La escuela, también la universidad, forma el sedimento de lo que seremos más tarde. Nadie se acuerda de las lecciones de ciencias, lo que quedan son las lecciones humanas que recibimos de profesores y compañeros.
Esperar a estas alturas algún sentimiento con respecto a la navidad es esperar mucho en mi caso. Los sabores se van perdiendo, y quizás solo los recuperas cuando son tus hijos los que no duermen por las noches pensando en los reyes. Mientras, hay acontecimientos como la lotería, cuyo sabor, para la gran mayoría de la población, no se pierde con el tiempo y la edad, es más, la gente está completamente loca. A ese respecto, el día de ayer fue un día estúpido sin sabor ni contenido. Es una capa de ácaros y caspa que nunca nos quitaremos de encima, somos tal cual, un país pobre, de película neorrealista italiana. Lo que más me sorprende es la cantidad de dinero que se deja la gente, de verdad, no lo entiendo. Prefieren gastarse 200 euros en una administración de lotería antes que ir a cenar al Celler de Can Roca, donde seguro, vivirán una experiencia inolvidable que no depende de la suerte. Luego muchos se quejan de pagar más de 15 euros por una cena. Concluyo. La suerte no existe, las cosas salen de un modo o de otro, y si te tocan tantos millones de euros, tarde o temprano tu vida se irá a la mierda, sobretodo si no estás acostumbrado a ser rico. Ni un rico sabe ser pobre de la noche a la mañana, ni un pobre ser rico. Ambos se van al carajo.
"There ain´t no way I´m gonna put my foot in there, that big black pool I been dream´ about". Cuando escuché esta letra por primera vez me dije, joder, a mi me ha pasado igual. Lo que me gusta en Scott H. Biram es lo que me gustó de Townes van Zandt, y que no se lo que es, o sí, una poética, una forma de ver y de sonar, que también está en mi, y que ellos se encargan de sacar a la luz. La música te descubre quién eres, para bien o para mal, no te indica un camino lejano, más bien te mira desde fuera hacia dentro y te dice que ese eres tú, y que está bien.
Motörhead, o mejor, Lemmy y su leyenda, llenaron el Sant Jordi Club. Buen ambiente heavy, con aportaciones de las distintas facciones sociales a las que ha conseguido penetrar el ruido de Ace of Spades. Algún modernillo mesándose el flequillo en el lavabo, compartiendo espacio con jóvenes punks y gigantescos heavys haciendo cola para mear. Ya desde sus inicios Mötorhead concilió anhelos metálicos y punks, caso único. Me sorprendió que los teloneros fueran tan malos, es decir, está claro que cualquier grupo que empieza merece un respeto, pero no deja de sorprenderme que den esta gran oportunidad a unos tipos que solo piensan en regalarse posturitas, hacer que el público coree, y con un cantante que se ha limitado a empollarse los vídeos del Ritz y de Paris de Guns n´Roses, tipos que deberían salir y tocar putas buenas canciones, si las tuvieran, claro. Y Lemmy, con los compañeros de barra perfectos, Mickey Dee y Phil Campbell. No sé cuál debe ser la diferencia entre una mala noche de Lemmy y una buena, probablemente todas son iguales. Sale al escenario y es Lemmy, un señor muy, muy mayor que sigue berreando Metropolis y Stay Clean (en un concierto ideal, Stay clean debe ser siempre el segundo tema del set), y que no distingue entre buenas y malas actuaciones. Es él. Tocaron temas del nuevo disco The world is yours, que sonaron tan bien como todo lo que han grabado desde hace años. Me dió bastante igual si tocaban esto o aquello, la cuestión era tenerles ahí. Todavía podemos disfrutar de Motörhead, es Lemmy el tipo que está ahí delante maldita sea, ya lo sentiremos cuando no esté.
Mi contacto con el flamenco es tangencial, de vez en cuando y en pequeñas dosis. Flamenco puro y voces como las de Duquende o Morente. Muy poco porque no es lo mío, claro. Y qué pena lo que ha ocurrido con Morente, un genio valiente, que se tomaba su arte con toda la naturalidad del mundo, que rompió barreras (conozco muy, muy poco su discografía, pero Omega, el disco junto a Lagartija Nick lo dice todo, igual que sus colaboraciones con Sonic Youth); Morente paraba el mundo cuando pillabas algún concierto suyo por la tele. Un genio que muere de la forma más estúpida e inesperada.
Comiendo nos educamos. Tengo muchos defectos, entre ellos algunos relacionados con el acto de comer. En mi caso, es una cuestión de en casa de herrero cuchillo de palo. Me cuesta mucho acabarme lo que tengo en el plato, como un niño malcriado, me canso pronto de lo que estoy comiendo, o lo devoro de forma tan compulsiva que me quedo desfondado y abandono. A veces como igual que el peor follador, pim pam fuera, sin ritmo ni suavidad, preocupado solo por saciar el instinto más primario, pronto y rápido, café y cuenta. Luego como digo, no me termino lo que tengo en el plato, y mis digestiones son torturas chinas, me cambia la cara y la voz y todo. La disciplina en el comer es envidiable, admiro a los que se comen la cabeza de las gambas (eso es signo de civilización), los que cogen las costillas con los dedos (otro signo) y ejercen de cirujanos del hueso, dejando un plato impoluto, dos o tres huesecillos limpios y perfectos. Mi pareja me critica con razón que en los restaurantes se me va la olla. Con la carta delante no conozco ni a mi madre, quiero esto y eso, y lo de más allá, y lo quiero ahora, pronto, cuando lo mejor es ir despacio, pedir lo justo y dejar luego el plato reluciente. Mientras como practico verdaderas carnicerías con los alimentos, destrozo los pescados, los filetes, los estofados, corto sin ton ni son; después de que yo haya pasado, los platos parecen pastizales. Los hay que comen disciplinadamente, y su plato sigue teniendo una estética mientras cortan la carne y mojan la salsa. Lo mio es una orgía vacía y sin sentido, fea. Trato de mejorar en todo eso, claro, nunca es tarde para ser educado, no comer como un moribundo, darte pausa y ritmo, y mirar el paisaje. Si aprendo, mis digestiones me lo agradecerán.
Me gustó leer sobre Jay Munly en el Popu. Qué tipo. La escena gothic-country-folk (dark country, american gothic... qué más da) de Denver quedó eclipsada en su tiempo por el auge de David Eugene Edwards y sus 16 Horsepower, así que cuando a muchos se nos abrieron las puertas de obras como Secret South, no sabíamos que detrás también venían artistas disfuncionales, oscuros, como este raro pez del desierto que alterna diversos proyectos (Slim Cessna´s Auto Club) y toca el banjo desde el fondo de algún granero maldito a punto de arder. A Jay Munly lo vi por primera vez dando extraños bailes en el clip de Clogger, de 16 Horsepower. Y como estos últimos (atención, este viernes David E. Edwards y sus Wovenhand actúan en Barcelona, espero llegar a tiempo), Munly acude a los ambientes góticos y a Joy Division, los mezcla con el country más subterráneo y le añade unas prestancias vocales profundas, como el Iggy Pop más susurrante. En la época en que me empollaba a base de bien el Murder Ballads de Nick Cave, este tipo me hubiera volado definitivamente la cabeza. De lo que he escuchado, recomiendo dejarse aplastar por Jimmy Carter Syndrome, del 2002. Asusta.
Ahora que ya no está, a Dio le salen fans por todas partes, ya sea por parte del público o la crítica. Tanto que se reían de él, curioso. El primer lanzamiento dedicado a ordeñar el mito es este doble directo At Donington UK: Live 1983 & 1987. Son sendas grabaciones de los dos conciertos que Dio dio en su carrera en el festival de festivales del metal, Donington. El primero, en su etapa clásica, con Vivian Campbell, después de debutar con el potente Holy Diver en 1983, tras su espantada de Black Sabbath; el segundo, para redescubrir que en su pendiente hacia la mediocridad, Dio todavía sacaba buenos discos (Dream Evil, de 1987, puede disfrutarse más incluso que Sacred Heart), y que en directo le ponía todo lo que siempre le puso, fuera época de vacas gordas o de vacas flacas. Las rutinas de Ronnie en el escenario eran siempre las mismas, pero lo hacía con tanto talento y ganas, nunca parecía estar aburrido de si mismo, y se creía lo que cantaba. Eso llegaba al público, se nota, por eso hemos sentido tanto su muerte. Este doble directo (llegan a incluir los dos conciertos en DVD y me muero) grabado en el lugar de la Tierra con más meados por metro cuadrado, es digno de entrar con todas las salvas en la discrografía clásica de este hombre. No he escuchado un directo mejor de Dio, a excepción, claro está, del On Stage de Rainbow y el Live Evil con Sabbath, y ah, el elegante, perfecto DVD-CD de Heaven & Hell desde el Radio City Music Hall, puro metal tres estrellas Michelín. A paladear con gusto temas oscuros como All the fools sailed away o Naked in the rain, y todos los himnos que Dio cantó una y otra vez en su carrera.
Es probable que te encuentres en la vida con estos momentos: Tienes delante a tu hijo, o a tu nieto, y el pequeño te pide, ansioso: papá (o abuelo) necesito introducirme en la magia de Grateful Dead, ¿qué me recomiendas? Bien, aceptando que eso no va a ocurrir, y que es difícil que tu futuro nieto te pida info sobre Jerry García y los suyos, recomiéndale, ahora mismo, esta noche, el triple directo Live at Cow Palace, New Year´s Eve 1976. Qué testimonio. Una banda que directamente eran capaces de todo, digo yo que hasta que la E Street Band explotó entre el '77 y '78, no había banda más sobrada en los USA que los Grateful Dead. Este concierto es una más de las ceremonias interminables que oficiaban cada fin de año, esta vez en el feo e histórico pabellón de San Francisco, el Cow Palace. Escuchad la versión de Playing in the band, 23 minutos, escoge un buen día, que los astros te acompañen, conéctate y descubre que todo esto vale la pena. Este lanzamiento de Rhino es un triunfo, tres horas y pico inenarrables que culminan en un Morning Dew (que aquí os enlazo) que va directo al tuétano emocional; sube el volumen, dale paciencia, ponte en tensión, abre las orejas, el camino es recto y da vértigo ¡Escuchad como crece otra vez a partir del minuto 9.00!¡Notas suspendidas en el aire!. Este Morning dew paraliza el tiempo. Los que nos hemos quedado pillados con esta banda no necesitamos más pruebas que esta...
Me hago mayor, y cada vez soporto menos a los tipos que desentonan. Bien, no sé si eso tiene relación con hacerse mayor, lo que sé es que los odio, aunque en el fondo sufro por ellos. Ayer viendo el partido del Barça en un bar, todo el mundo bebía y etcétera (el fútbol en el bar, como las fiestas mayores y como tantas cosas en la vida, es una excusa para beber), pero había un tipo que daba el cante (y eso es difícil en el bar con un Barça-Madrid), había mamado mucho más de la cuenta, claro, pero también era gilipollas, y trágicamente no se daba cuenta de ello. Él gritaba más que los demás, en momentos en que nadie estaba alzando la voz, y daba muestras de ser un gran practicante del don de lo inoportuno. No hablo solo de fútbol, hay gente inoportuna en todas partes, que aparece cuando no se la espera, que habla cuando necesitas silencio, que ladran cuando los demás hablan. Si lo hicieran dos, tres o cuatro no pasaría nada, pero son ellos solos. Se toman unos cuantos decibelios de libertad y total, los utilizan para decir sandeces. Será porque soy muy propenso a sentir vergüenza ajena, pero sufro muchísimo cuando noto que alguien desentona, y hace el ridículo y todos lo saben. Entonces bajo la mirada, me pongo tenso y ruego para que pase lo antes posible. Será, seguro, porque yo también he desentonado más de una vez. Quién no.
Así de guapa luce Nahir en su primer día con nostros. La tenían en la protectora durmiendo con los gatos (la protectora es como aquella peli de un mundo superpoblado, Soylent Green, pero con perros), un poco enferma. Nos la han dado unos días antes de lo previsto, porque en casa estará más calentita y se curará antes. La protectora de Avinguda Tibidabo es un oasis de buenas personas que no cobran un duro y cuidan animales abandonados por la facción hija de puta de la civilización. Ni una belleza como Nahir se salva, a ella también la abandonó algún idiota. Desde aquí os animo a que paséis una tarde por la protectora, haceros voluntarios y sacad algún perro a pasear, media horita a la semana, nada más. En esta época también les van bien las mantas, así que si os sobran, ya sabéis. La Lliga per a la Protecció d´Animals i Plantes, con ese olor a pis, tan caótica (¡hay tantos perros!), es el lugar más civilizado que conozco. El otro día una señora jubilada, que podría estar jugando a la brisca en su casa, se arremangaba para sacar a pasear a este, y luego al otro y luego al de más allá. A sus favoritos. Y así echaba la mañana. Tini vino de la protectora hace diez años, y ahora Nahir. De momento se llevan bien, y con el gato tampoco han habido mayores problemas. Hoy es un buen día.
