TESTAMENT, THE RITUAL (1992)

Disfruto más con Testament que con alguna otra banda clásica trash. Escucho más los discos de Testament que los de Megadeth, aunque estos últimos también suelen estar cerca del reproductor de la cocina. Vueltas que le doy estos días a este imperial The ritual, con el que en 1992, Testament daban la réplica al álbum negro de Metallica y al Countdown to extinction de Megadeth. En los tres casos, se trataba de bandas clásicas, con sus lógicas diferencias y sus cotas de éxito dispares, que entraban en unos 90 que pintaban raros de forma original y arriesgada. En el caso de Testament, con un disco que huía del trash clásico para detenerse en una cierta melodía y en unas guitarras más matizadas, pero no por ello sin olvidar las canciones. En este disco hay canciones soberanas, serias, contundentes. So many lies, The ritual... Luego con el tiempo, los de Chuck Billy se distanciaron de esta aproximación más colorista a su estilo, y volvieron al redil, pero ahí queda The ritual, un disco del que pocos se acuerdan ahora, pero que en aquel 1992 era agua bendita. Desde aquí, reivindico a Testament, unos clásicos del trash USA que sin embargo se han quedado fuera de los big four (Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax) que ahora giran y facturan juntos por los estadios de este mundo, en el gran negocio de la nostalgia trasher.

ALEJANDRO ESCOVEDO, MUSIC HALL (17-X-11)

Definir en poco espacio el concierto de Alejandro Escovedo y su guitarrista David Pulkingham en la rara y cara sala Music Hall de Barcelona es fácil: sencillez á la máxima potencia. Ni las canciones de este superviviente son complejas, ni su lenguaje está sembrado de enigmas, ni su personalidad es, a primera vista, distante o misteriosa. Con Alejandro Escovedo -que se presentó sin su banda, acompañado únicamente por su guitarrista- todo viene de cara, sin trampa ni exceso de retóricas. Todos sabemos que detrás de la carrera de este hombre, ahora ligada a la Springsteen Mafia del management de John Landau, hay océanos (o desiertos) de oficio y carretera, como él mismo se encargó de contar ayer, en una de sus muchas pausas para ejercer de storyteller. Cantó un último tema, la versión de The Band It makes no difference sin micro ni amplificación, a pelo, y fue bonito, y empezó el recital con la fenomenal Anchor, que inicia su último disco Streets songs of love. Entre medio, un tipo que no necesita incendiar al público ni sobreactuar, que se basta con sus sencillas canciones para llegar a donde quiere. Un tipo humildemente encantador, y un ejemplo de que el arte es mitad genio y mitad oficio. Prometió volver con sus Sensitive boys y roquearnos como merecemos. Y tocó un par de temas de su futuro nuevo disco, de nuevo con todo un Tony Visconti a la producción. Esperemos que sea la mitad de bueno que sus últimas obras.

DE SNACKS Y COCTELS EN EL 41º

No tengo remedio. Hay que ser de piel fina y rozar la paranoia si después de una primera visita al 41º, la snack-coctelería de la factoría Bulli que acompaña al Tíkets, uno solo se queda con el idiota que tienen en la puerta. A veces un detalle tan tonto anula todo lo demás, pero así es la vida, por lo menos la mia. El portero del 41º / Tíckets, como digo, te trata como si fueras una mercancía más, ni te mira a la cara ni le interesa si has estado meses esperando ese momento, o si has estado ahorrando y te desborda la ilusión; probablemente crea que el hecho de trabajar para los Adrià significa que él también tiene algo especial. Pero no llega ni a actor de reparto, nadie habrá escrito sobre él, y ninguna crítica del Tickets o del 41º lo debe mentar, yo sí lo hago. Puedo estar en el templo de lo cool, the coolest of the cool, como se supone que era el caso, pero si noto que un camarero, o el portero (madre mía ¡el portero!), me trata de forma sutilmente incorrecta, y me hace pensar que estoy delante de un jodido portero de discoteca, vamos mal. Nos sobra modernez, nos sobran conceptos y modas, listas de reservas interminables, walkie talkies y pinganillos, exclusividad, diseño y pompa mediática, y nos falta voluntad de servicio, acogida, bondad, ética. Naturalmente, estos dos locales van a seguir haciendo pela larga durante el tiempo que quieran, y nadie notará lo del portero, o que algún camarero no entienda el catalán y te pìda que le traduzcas "una copa de vi blanc, si us plau". Los detalles así no importan en macroproyectos fashion que impulsan la marca de Barcelona hacia el infinito y más allá.



Luego, ya en el 41º, bonito local en negros, mucha actividad en la barra y personal joven de casting, puedes disfrutar de snacks bullinianos como las olivas rellenas o las algas crujientes con quinoa, o tapas como el precioso Viaje nórdico, que es una tostada finísima con ternera ahumada, una delicia. Degústalo con un cóctel de tu elección y ahí está el concepto: cóctel + snacks, aunque ellos subtitulan el nombre del local con "Snacks & oysters", in english of course. Antes lo cool era darle a los platos o a los locales nombres en francés, ahora eso es antiguo y se hace lo mismo con el inglés. La modernez siempre ha dependido de estas gilipolleces. Y yo cada vez estoy para menos tonterías.

RESTAURANT SAGÀS, BARCELONA

Comer por el gótico o en el Born de Barcelona puede resultar un verdadero pain in the ass, para los que queremos huir de la Barcelona hipertrofiada del turismo. Por eso me alegro de la irrupción del Sagàs, en pleno Plà de Palau, rodeado de locales-timo estilo Taller de Tapas y macro-pizzerías como Il Pasatore. Sagàs pertenece a la familia que regenta el loado Els Casals, restaurante-granja con una estrella Michelín, que sirve a los clientes los productos que ellos mismos producen en su propiedad.



Con este Sagàs del Born, han ideado un restaurante que se pretende urbano y accesible, más o menos rápido (según el día), con una larga barra y unas pocas mesas al fondo. He de decir que no me gusta la estética plana y la iluminación sin matiz del local, pero si se trata de degustar las mejores carnes, butifarras, hamburguesas y demás, este es el lugar perfecto; sin olvidar las ensaladas ojo,con una César que me encantó. La porchetta es una delicia (ideal para los fans de la carne jugosa y melosa tipo peus de porc, para carnívoros sin remilgos), las butis como digo, excepcionales, y también la sobrasada. Ahora que viene el frio, apetecerá más meterse en el Sagàs y darse un festín carnívoro. A la espera de poder visitar algún día la casa madre, ir al Sagàs es un buen premio de consolación.

IGNACIO JULIÀ, PULP-ROCK

Ignacio Julià es mi escritor de rock n´roll favorito. Siempre he conectado con esa forma de escribir sobre la música y sus creadores enlazando en caliente al artista con la propia experiencia y sensaciones del escritor. Ya antes de convertirme en fiel comprador de Ruta 66 me dejé seducir por aquel libro sobre Springsteen en el que Julià comunicaba tanto su amor como su postrera decepción (hablo de principios de los 90), con el héroe de Thunder road. Este hombre, que ha visto y escuchado mucho, escribe bonito, comunica, no se sitúa nunca ni muy arriba ni muy abajo, y es lectura segura para mi. Su recopilación de artículos y entrevistas Pulp-rock es, periodicamente, libro de cabecera en casa. Disfruto releyendo sus loas al Lou Reed más visceral de finales de los 70, aquella entrevista-agujero sideral a Daniel Johntson, la tristeza que transmite su recorrido por la vida de Roy Orbison, o su claudicación ante el empuje corta y rasga de una jovencísima PJ Harvey, época Dry. Un libro que no tiene edad ni momento para leerlo, y que siempre debe estar por ahí cerca. Asumo que en los humildes textos de mi blog hay influencias, copias y saqueos del estilo de Julià. Siempre es mejor copiar de los buenos.

RICK DANKO

Siempre me pareció el miembro más atractivo de The Band. Desgarbado, pasota, atractivo sin más, tocaba el bajo como quién se enciende un cigarrillo, y tenía una voz capaz de hacerte llorar. Su disco de debut en 1977, después de la separación de The Band, titulado a secas Rick Danko, es campestre y rico en matices e influencias, podría ser un agradable apéndice de la discografía de la banda madre, y sin embargo no se comió un rosco y no tardaron en echarle de la discográfica. Lo mejor de Rick Danko es que parecía que ni se diera cuenta del talento que tenía, ni de sus condiciones innatas para emocionar. Murió en 1999, obeso y cargado de drogas y dejadez. Verlo en sus últimos tiempos es como ver a Rory Gallagher en la última época, ¿cómo es posible que seres con tanta virtud acabaran así? Su huella en The Band se nota en cada disco y cada canción a la que presta su inigualable voz, súmale este disco de debut en solitario y hazte una idea de quién fue este colega al que invitarías sin dudarlo a unirse a una partida de poker de las de humo y alcohol, o con el que pasearías en silencio por la mañana por un campo del sur.

BBM, AROUND THE NEXT DREAM (1993)

Quizás fue porque hacía poco de la "traición" de Gary Moore, cuando pasó de vestir casacas y cantar Victims of the future ante miles de metalheads cerveceros, a firmar discos de blues adulto, de vestíbulo de hotel. No sé porque fue, pero no quise conectar con el proyecto Ginger Baker, Jack Bruce, Gary Moore, BBM, a principios de los 90. Creo que llegaron a tocar en el Palau d'Esports (adjunto un Spoonful de aquella gira más abajo), supongo que con un buen público de puretas esperando revivir algo de la esencia Cream. Como ahora el pureta soy yo, me veo disfrutando de este disco, Around the next dream, el úncio que firmaron los tres, agitando neuronas con un blues rock duro y dinámico en el que lo mejor, claro que sí, es la pasión que le mete Jack Bruce a sus voces. Gary Moore por su parte, supongo que ejercía de motor, pistón y bujía del proyecto, feliz por compartir escenario con esos dos monolitos. Se trata de un muy buen disco. Si os da por haceros con Around the next dream en una de vuestras excursiones arqueológicas no os arrepentiréis.

JAYHAWKS, MOCKINGBIRD TIME

Colmado con las pequeñas historietas de campo que se escuchan en los últimos discos de Mark Olson, yo no necesitaba una reunión de los Jayhawks de Tomorrow the green grass. Aceptada después la noticia, me dispuse a ilusionarme prudentemente. En otro momento, quizás más joven, hubiera contado los días hasta escuchar este Mockingbird time que presentan ahora Olson, Gary Louris, Tim O'Reagan, Marc Pelman y Karen Grotberg; ahora sin embargo escucho estas canciones con la presión constante, y sin pelearme con ellos por no haberme brindado otro Hollywood town hall. Qué triste es analizar los discos de tal banda comparándolos obsesivamente con algún hito del pasado, lo que lleva casi siempre a la decepción. Y tipos como Olson y Louris no se merecen eso. Aunque prefiero las canciones pequeñas y bellas y redondas de Ready for the flood, me gusta este Mockingbird time. Blackeyed Susan, Pouring rain at dawn o Closer to tour side me resultan tan bonitas como cualquier gloria que hayan grabado antes. También puedes empeñarte en birlarles su presente, y cerrar el CD a la segunda escucha porque no has sentido lo mismo que sentiste con Blue o I´d run away. Es una opción, y los fans podemos ser así de poco generosos.

NICK LOWE, THE OLD MAGIC

Mágico, grande, maravilloso, elegante, sencillo, sentimental, humorísitco. Mágico. A veces no hace falta pensar en qué adejtivos vas a utilizar, vale más la pena ir a lo trillado: mágico, elegante, auténtico. Así es The old magic, el nuevo petit fours de Nick Lowe, y una obra casi a la altura de aquel The Convincer del 2001, que todavía hoy me deja sin habla. Este hombre lo tiene, edad, bagaje, estilo, pelo blanco, camisa impecable y gafas. Coge la guitarra y canta, y te acompaña y te acaricia. The Convicer, como digo, es casi inalcanzable, un disco de crooner perfecto, pero lo increíble es que este The old magic se le acerca, mucho más que el anterior At my age, del 2007. Nick Lowe se ha tomado la combinación de coctels perfecta, y aquí vuelve esa canción de autor crooner, con brillante pátina de instrumentación, y un manejo del tempo sensacional. I read a lot es puro Lowe (¿se pueda hablar con más gracia -y sentimiento- de lo que pasa cuando te han dejado tirado?), el Nick Lowe de club nocturno, que tanto me emocionó en The impossible bird, Dig my mood, o en el irrepetible The Convincer. Su carrera tiene un pasado ámplio, todos sabemos lo importantes que fueron sus años iniciales con Jesus of cool y todo eso, y sus colaboraciones con John Hiatt etc. pero de un tiempo a esta parte, este hombre ha pasado a dictar cátedra de sencillez y elegancia para quién quiera escucharle. No creo que los últimos discos de Richard Hawley tengan lo que tiene este. Checkout time, Restless feeling, la perfecta House for sale... Qué letras tan bien encontradas, qué delicia de música.

MARINA

Sientes que estás mudando de piel como una serpiente. Trataré de conservar lo que pueda del pasado, pero sobretodo abrazaré el futuro con alegría. Se avecinan cambios. En enero (y me alegra anunciarlo por primera vez en mi blog) seré padre. Sentía una sana envidia de los posts en blogs amigos anunciando nacimientos o aventuras de bebés rondando por la casa entre discos de Petty y Dylan. Ahora me toca a mi. En enero nacerá Marina. De momento todo esto se traduce en encargar un cochecito, comprar algo de ropa bebé cool (cuando lleve estos conjuntos parecerá que mi niña acaba de salir del Primavera Sound -entre nosotros, los conjuntos bebé Kiss & Ozzy están al caer, y tengo echado el ojo a uno que es una monada ¡con el esqueleto de los Grateful Dead!), pero ahora lo más importante es observar y tratar de entender las cosas que está viviendo su madre. Poco puedo decir yo, mudando la piel como digo, notando que a partir de enero voy a ser otro, como el Marc de siempre, pero diferente. Qué gracioso que el primer post dedicado a mi hija venga después de uno de Sodom. No creo que a ella le vaya a gustar demasiado el trash metal alemán. Y este post lleva su nombre, por supuesto.

SODOM, AGENT ORANGE

Hablemos de trash metal, hablemos de Sodom. Sodom son una de las bandas más reconocidas, queridas y respetadas por los amantes del trash europeo digamos pionero -luego clásico-, ese que crearon chavales obsesionados por Motörhead, Venom y Mercyful Fate, con ganas de comerse el mundo a base de riffs machacantes, estructuras serpenteantes, tejanos desarrapados y cinturones de balas. De los pioneros del trash metal no sabría si quedarme con los Testament, Megadeth, Metallica etc. de la Bay Area, o con los alemanes Destruction, Sodom o Kreator; mejor me lo quedo todo. El primer trash es todo un mundo que agitó el metal desde las tripas en la segunda mitad de los ochenta, una fábrica de riffs y mala leche que dio muestras sorprendentes de creatividad a ambos lados del atlántico, una música todavía caliente y válida, que sigue apeteciéndome escuchar e investigar. Sodom se mantienen hoy en plena forma, con su líder Tom Angelripper trabajando a gran nivel, sirva el atronador último concierto de ellos en la Salamandra como prueba. Agent Orange (1989, recientemente reeditado con pulcritud) es probablemente la mejor obra de Sodom y seguro, la que más vendió. Un disco bien producido (qué bien suena, deliciosamente sórdida esa Magic dragon), ambicioso dentro de sus posibilidades, con temas clásicos y letras que versan sobre Vietnam, el incesto (gritad conmigo: Incest! Incest!) y demás veleidades de la conducta humana. Una clase de trash metal, del que no envejece.

REM SE VAN...

El disco que más he difrutado de REM es New Adventures in Hi-Fi, lo que indica mi condición de seguidor raro de la banda. No soy ni seguidor, he tenido mis épocas obsesivas con Automatic for the people, The one I love y cosas del principio, y algunos singles de algunos discos posteriores, pero en general, REM me han sido muy ajenos. Los veía distantes, me faltaba que giraran más a menudo, que fueran más una banda de carne y hueso que algo que se pone en marcha cada x años. Ahora dicen que lo dejan, pero me afecta mucho más que lo dejen los Scorpions. Practicantes de un lenguaje pop muy particular, siempre a rebufo de la personalidad de su cantante y la economía y clase de Peter Buck, REM nunca se han permitido convertirse en una puta con ínfulas de princesa como U2, lo que les honra. Hay también una diferencia entre el rock de estadios de REM y el rock subnormal de Coldplay. Algún día volveré a tener ganas de pinchar Cuyahoga, Drive, Man on the moon o Let me in, y volveré a disfrutar, seguro. Ahora de momento, nadie me quita E-bow the letter...

VANIDAD

Me divierte la vanidad de la gente. Y mucho la de los que hablan todo el rato y no escuchan nada. Hoy en un curso de gestión, un tipo contaba que trabaja de jefe de cocina en un restaurante de la zona alta de Barcelona. Se le veía que le gustaba hablar de ello y respondía a todas las preguntas cual rueda de prensa de un actor famoso. Con ganas de intercambiar impresiones, le he comentado que yo había ido a su restaurante en dos o tres ocasiones, y él, quizás me ha mirado, quizás no, en fin, que no me ha hecho caso, y ha seguido hablando del concepto de su restaurante, de lo bien que lo hacen, de que facturan 170 clientes los sábados, de que los propietarios confían mucho en él, y etcétera etcétera. En ese momento, ante tal avalancha de profesionalidad, he decidio desconectarme, pues poco hay que decirle a un tipo que ni se molesta en saber lo que te ha parecido su restaurante, o si tienes alguna crítica, algún comentario. A él tan solo le interesaba escucharse a si mismo. Tengo la suerte de haber sido educado en una cultura de escuchar, de discreción y respeto, y de observar lo que tienes a tu alrededor para ver como puedes transformarlo en conocimiento para ti mismo. Luego hay otros que ni se molestan en saber que los clientes de su restaurante piensan que los fetuccini están justitos y que el servicio es pasota. En el mundo de la gastronomía hay unos cuantos fantasmas. A esos ni la crisis les cura la vanidad.

ALICE COOPER, WELCOME 2 MY NIGHTMARE

Hasta esta mañana, el disco de Alice Cooper me parecía una soberana broma, una horterada. Pero mira por donde que hace un rato la cosa ha hecho "clic", y ahora ya sé donde situarme yo como oyente para disfrutar minimamente de este Welcome 2 my nightmare. Tómate este disco como un cajón desastre donde cabe de todo (compáralo, salvando las distancias insalvables claro, no ya con Welcome to my nightmare, sino con Goes to hell, un disco donde había mil estilos, desdel el musical Broadway al rock vicioso, al jazz de club... y todo funcionaba), tómatelo no como un disco conceptual (a quién le importa si aquí hay una historia o no, si quiero rock duro con guión ya tengo a King Diamond), sino como un paseo divertido donde puede pasar de todo. Power pop de la talla de Ghouls gone wild, disco-rock cachondo en Disco bloodbath boogie fever, escenas Broadway como Last man on earth, temas envenenados y resacosos como When hell comes home, o rock n´roll a todo trapo en A runaway train (uno de los temas en los que toman parte los supervivientes de la Alice Cooper Band, emocionate). Hay fallos grotescos, como el incomprensible tema inicial, I am made of you, con un efecto en la voz a lo Paulina Rubio que dan ganas de pegarle una colleja a Alice y a Bob Ezrin; o la mala y totalmente innecesaria, What baby wants, con la participación de KeSha a la voz, que no sé ni quién es. Muchos hubiéramos preferido un disco de canciones, más al grano, como aquel adictivo Dirty Diamonds, pero Alice se ha empeñado en hacer un último esfuerzo de grandeza en el estudio, y con la excusa de una segunda parte de su primer álbum en solitario, nos ha montado una fiesta de la que me veo que algunos amigos fans & bloggers van a salir pitando. Yo por mi parte, ni salgo pitando a los cinco minutos ni me quedo hasta el final; estoy simplemente contento por el atrevimiento, por los solos de Steve Hunter, por algunos temas (no me olvido de la rockera, clásica, I´ll bite your face off), aunque bastante mosca con ciertas canciones y ciertos inútiles tics de radiofórmula moderna.

IAN GILLAN, NAKED THUNDER

A veces me pregunto por qué soy tan fan de este hombre. Y creo que sé la respuesta. Lo que más me gusta de Big Ian es su humanidad, ha tenido en su carrera aciertos tan claros y errores tan pasmosos, ha sido tan bueno y a ratos tan malo, que todo eso lo humaniza. Es como verlo hoy día en directo, has de mirar más allá de su falta de voz, o de su falta de memoria para acordarse de lo que está cantando, y encontrar al hombre que se acerca a los 70, y que sin demasiados sobresaltos sigue ahí arriba, descalzo y simpático. Siempre me ha parecido un tipo sencillo, un gamberro inglés que se ha tomado las cosas de la vida con bastante filosofía y sin preocuparle demasiado lo que pensaran los demás. En suma, un buen hombre y un alcohólico. Naturalmente, esa es mi opinión. A lo que voy, de Gillan me gustan casi todos sus discos en solitario (aconsejo las documentadas y baratas reediciones en cd que han ido saliendo en estos años: Future shock, Double trouble, Mr. Universe e incluso su etapa jazz/rock fusión recién salido de Purple son puntos álgidos); escucho ultimamente uno titulado Naked thunder, de 1990, poco después de que expulsaran a Ian de Deep Purple. Probablemente este es uno de los momentos más raros en la carrera de Gillan. Combinó sus discos con proyectos revitalizantes como Garth Rockett & The Moonshiners, banda con la que hizo algunos conciertos sin anunciarse como Ian Gillan. Poco después, ya sabemos, Ritchie y los demás se dieron cuenta de que habían hecho el ridículo con Joe Lynn Turner, y volvieron a llamar a Ian para intentarlo de nuevo. Naked thunder es un disco que aleja a nuestro hombre del rollo banda de pub de sus discos de finales de los 70 y primeros 80. Aquí todo anda muy pulido, y hay una producción ochentera que a mi me resulta deliciosa. Cómo no caer rendido ante bisutería del calibre de No good luck, o Loving on borrowed time, alhaja que cinco años antes le habría permitido entrar en listas, o el tradicional No more cane on the brazos, cantada con todo el amor. Disco pseudo comercial, que ya andaba pasadito de moda solo salir, pero buen trabajo, con la pasión que normalmente saca Ian de no se sabe dónde, y mejores resultados que los de sus pretenciosos ex compañeros con Slaves & Masters.

CAFÉ 1907, BARCELONA

Delicioso local situado junto a la Ramón Llull, en la parte alta de la ciudad. Un pequeño restaurante robado al tiempo, ambientado como un bistró parisino, muy belle èpoque, con Brassens & cía. sonando en el hilo musical y las paredes repletas de Juliette Greco, Brel y demás. Desde que hace años iba al Pastís, y siempre caía una botella de vino barato por cabeza, que no me sentía tan... ¿francés? en mi propia ciudad.



Café 1907 es un rincón delicioso donde tienes unos primeros con verduras del propio huerto del jefe de cocina, y ante todo, esa tradición que tanto significaba hace años en las buenas mesas, y que ahora a nadie le importa un comino: rematar los platos delante del cliente, en la sala. Comimos un filete café de París con unas patatas perfectas, sabroso al máximo, y unas crêpes suzette muy mimadas a la sartén.



Aquí no hay vanguardias ni moderneces, lo que es curioso, porque hay pocas cosas más vanguardistas ahora mismo que ver a un camarero prepararte unas buenas crêpes delante tuyo. El restaurante tiene un interior deliciosamente demodé, pero también una pequeña terraza con tres mesas, que es otro buen rincón para una noche de septiembre. Café 1907 es muy recomendable, de esos locales de noches bonitas, en los que es posible terminar una relación o empezar una que dure para siempre, donde hay confidencias, alguna promesa, y donde haces planes de futuro; un pequeño bistró fuera de las transitadas rutas de viernes noche. Al salir del local, nos acompañó en el camino hacia el coche un fornido jabalí, de esos que la gente trata como si fueran chihuahuas.

LOS QUE EDUCAMOS

Una de las razones por las que adoro la serie Dowton Abbey es que habla de la dimensión moral de un trabajo tan poco entendido hoy día como el de sirviente (o camarero, cocinero raso etc.). Las distintas formas de afrontar el trabajo por parte de los personajes de Dowton Abbey son más que una simple obligación a las órdenes del rico propietario, son una metáfora de la vida. Hoy he tenido el privilegio de asistir a la conferencia de un ex conseller (los jueces catalanofóbicos les llaman ahora "consejeros") de educación. Qué suerte la de poder escuchar a alguien que entiende que un trabajo, en este caso el de educador, es una metáfora de nosotros mismos y del mundo. Qué suerte poder llenar varias hojas con apuntes que no son morralla teórica, sino materia espiritual que puedes aplicar a cualquier orden de la vida. Escucharle decir que en la escuela se lucha por sociabilizar al niño, por hacerle comprender que forma parte de un mundo al que hay que respetar, y que en cambio, la sociedad en la que vivirá se empeñará en individualizarlo, en venderle que para triunfar te has de preocupar por ti, has de ser duro, has de mirar, solo, hacia delante. O que vivimos de espaldas al pasado, que hemos hecho caducar el pasado, y que no entendemos que somos lo que hemos sido, y que solo el conocimiento de ese pasado nos liberará; y que vivimos como okupas del futuro, parasitamos el futuro, esa carrera tecnológica en la que unicamente importa la cantidad, la información, la inmediatez, y que deshecha el sedimento de las cosas, la introspección, la repetición (releer un libro, reescuchar un disco entero). Nadie mira atrás para entender de donde venimos, solo queremos apoderarnos del futuro cuanto antes. O la dualidad con la que hemos de lidiar los que educamos (de nuevo, eso es aplicable a cualquiera) entre ofrecer al niño todas las facilidades para ser libre y autónomo (la base de la educación), y a la vez darle protección, seguridad, tratando de no coartar su iniciativa. Proteger pero respetando la libertad, y respetando también el error como camino imprescindible para el conocimiento. En efecto, cuántos, cuántos niños se frustran con sus propios errores, y cuántos padres no dejan que sus hijos cometan una sola equivocación. No sé, este hombre hablaba de las dimensiones morales de un trabajo. Y me ha dado razones para entender porque me sigo negando a desprenderme de esta pequeña parte de mi vida. Que un conseller de educación capaz de transmitir tantas ideas de una forma tan sentida y humana, fuera sustituído vilmente por su propio partido a los pocos meses de estar en el cargo, en aras de vete a saber qué aritméticas de partido, es otra metáfora, esta vez de lo mal que va este pobre país.

EXPECTATIVAS SOBRE DEL NUEVO DISCO DE KISS

Me pasó con Sonic Boom, posteé unos meses antes de que saliera que no esperaba ya nada de Kiss, o que esperaba algo peor, si cabe, que aquel pobre dinosaurio llamado Psycho Circus. No sé, era una crítica negativa preventiva, la típica arenga de fan por la que Gene me pegaría una colleja (get a life!). Ridículo, pero ya se sabe que los bloggers somos gente desinformada y pasional, y que los periodistas informados que están en los medios remunerados no hacen eso. Bien, cuál fue mi alegría cuando descubrí que Sonic Boom era finalmente una maravilla, lo mejor que Kiss podía regalarnos a estas alturas ¡Modern day delilah! ¡fastuoso Gene en Roussian Roulette! ¡extraordinaria All for the glory! En aquel caso el placer fue doble, porque pasé de no esperar nada a recibir lo máximo de una de mis bandas favoritas. Ahora que se anuncia el nombre de la continuación de Sonic Boom, lo llamarán Monster (¿adivináis a quién de los cuatro se le ocurrió el título?), me entran ganas de escribir otra crítica preventiva, y de cagarla de nuevo, por supuesto. Aunque en este caso no será negativa, espero algo bueno de Monster, aunque temo que, como tantas veces ha ocurrido con Kiss, el hambre por aumentar el éxito de Sonic Boom les haga arriesgar menos, hinchar más los temas y hablar en las letras de lo puta madre que son ellos y la Kiss Army (como hicieron en Psycho Circus), en vez de escribir sobre que voy a meterte mi tronco en tu chimenea, el tipo de letras por las que considero a Gene y Paul como los trobadores de nuestro tiempo. Hay un 99% de posibilidades de que el próximo disco de Kiss sea el último, y un 150% de que los conciertos de la gira de presentación de Monster consistan unicamente en Paul hablando a la audiencia. Sea como sea, es irreal y maravilloso tener a esta gente (¡y a Alice! ¡Y Glenn Hughes, Sammy Hagar, Lemmy, Maiden, Judas, Saxon...!) sacando música nueva tropecientos años después. Por cierto, tengo otra crítica negativa preventiva, es del nuevo disco de Van Halen: será un pedazo de mierda, y se lo merecen.

GILLIAN WELCH, THE HARROW & THE HARVEST

Atribuye Gillian Welch el montón de años que lleva sin editar nada (lo hace siempre junto con el guitarrista David Rawlings), a un bloqueo creativo. Me hace sentir cerca de esta dama del americana el saber que ella también se encuentra con esos periodos en los que nada positivo parece salir de tu cabeza. Bueno, a todos nos pasa. Lo cierto es que bienvenido sea ese bloqueo si como resultado te encuentras con un disco como este The harrow & The Harvest. Con temas impecables como Tennessee, está a la altura de sus anteriores y mágicas obras: Revival, Time (The Revelator) -mi favorito- y Soul Journey, del 2003. Esta señora canta con un tempo que demanda calma y cierta concentración, no posee un estilo saltarín y dulce como Eileen Jewell, por poner un ejemplo, su mundo es más oscuro, igualmente bello y delicado. Podría visitar la imaginaria caseta donde debe habitar Sandy Denny en la campiña inglesa, y las dos serían la mar de amigas. Armonías vocales, lechos acústicos, un country folk cerrado, y ninguna intención de que las cosas vayan más rápido de lo que deben.

MINK DeVILLE, LIVE AT MONTREAUX 1982

Que mi camino se cruzara con la discografía de Willy / Mink DeVille es de las mejores cosas que me han pasado en la música. Le Chat Bleu, Coup de grace, Where angels fear to tread, Loup Garou o Pistola, su última obra antes de su triste fallecimiento, discos que siempre están ahí, con esa mezcla de arrogancia y poderío con autocompasión y tristeza. Y siempre con estilo. Como escriben en el libreto de este Live at Montreaux 1982, Willy es lo cool por antonomasia. Miradle en el DVD, como suda, como pasea su delgadez, sus pendientes, sus camisas, parece que vaya a romperse pero el jodido Willy es duro, es un pirata, un dandy, un líder. Este concierto (editado en CD-DVD) es imprescindible, una banda que emula la consistencia y espectacularidad de una E Street Band, o unos Asbury Jukes, un cantante carismático y en plenitud, y unas canciones que son como fieles colegas en una noche de feliz borrachera.

TOMATES

No sé si al final eliminarán las diputaciones, o dejarán al país con la mitad de cargos funcionarios, lo que si sé es que algunos ayuntamientos de algunos pueblos deberían ser eliminados de forma fulminante. El del pueblo que celebra la llamada "tomatina", por ejemplo. Que un alcalde permita, y financie, que en su pueblo se lancen miles de kilos de tomate (si no respetamos algo tan básico como la comida, estamos perdidos), para que unos cuantos miles de tunnings se los tiren entre ellos me parece indignante. Naturalmente, los telediarios lo describen como lo más divertido del mundo. Repito, la cosa consiste en que durante un rato, cuatro tunnings cocidos se revolcan como cerdos entre miles de tomates. Luego se van a casa y a otra cosa. Nunca he entendido que se juegue con comida, ni que los agricultores tiren toneladas de su cosecha como modo de protesta, ni que la gente mezcle sexo y comida. Menos entiendo que se tiren tomates entre ellos en la plaza mayor. Supongo que países que permiten esta especie de debacle intelectual no merecen mucho más de lo que tienen.

HEAVEN & HELL, RADIO CITY MUSIC HALL

Cuando la imaginación no da para más, cuando no quedan cosas nuevas, incómodas, radicales que descubrir, se impone la sobriedad, el ejercicio de estilo, el control de calidad, los tonos elegantes y el clasicismo. Por eso considero este directo de Heaven & Hell, grabado en el precioso Radio City Music Hall, uno de los mejores directos editados en los últimos ¿diez? ¿veinte? años. Nada nuevo, pero el clasicismo y la elegancia del metal veterano está aquí en todo su esplendor. De vez en cuando hay que recuperar a Dio, lo que sea de él, Rainbow, Sabbath, Dio, Elf... con tal de mantenerlo cerca de las cosas que te importan en la vida. Ahora le ha tocado a este majestuoso DVD-CD que cuando se editó en el 2007 me hizo feliz desde el primer momento. Con el tiempo hay que reconocer que fue una forma bonita dar por terminada toda una carrera, un Ronnie pleno actuando en directo con la segunda formación clásica de Sabbath, y editando poco después un disco que no hace sino crecer con el tiempo, The devil you know. Los Sabbath de Dio no intentaban, pasados ya los sesenta por cabeza, imitar ni alcanzar lo que eran antes, Ozzy siempre tratará de pegar sus saltitos de rana y hacernos creer que está loco y tal (cosa que no me parece mal, eh), pero en este DVD nadie es prisionero de su propio personaje; todo es, como digo, metal en su versión más museística y clásica, aunque no por eso embalsamada, sino viva y sentida. Sobriedad y calidad. Todos los temas, de principio a fin son imprescindibles, y la sutil ronquera de Dio no hace sino añadirle más humanidad a su poderío.

HOT TUNA, STEADY AS SHE GOES

Poco puedo aportar sobre una banda como Hot Tuna, puesto que Steady as she goes es el primer disco que escucho de ellos. Nunca es tarde para abrir una puerta más y recibir una nueva lección de buena música. Jorma Kaukonen y Jack Casady, supervivientes de los Hot Tuna originales que se formaron a partir de Jefferson Airplane (leo en Wikipedia), firman una gloria bendita de disco grabado en los estudios de nuestro viejo leñador favorito, Levon Helm, con la producción de su guitarrista y otrora también guitarra de Dylan, Larry Campbell. Canciones como Smokerise journey, la inicial Angel of darkness y varios etcéteras más son blues rock a ratos más eléctrico, a ratos más campestre, siempre sabio y bonito como el fluir del agua de un río.

ERIC CLAPTON, THE AUTOBIOGRAPHY

Las últimas páginas de la autobiografía de Eric Clapton son las que escribe un hombre reconciliado con su pasado, feliz y rico. Sus máximas preocupaciones consisten en decidir si irse de crucero con su yate o a cazar pichones por la montaña. Eric Clapton ha sido el colador por el que tantos millones hemos entrado en el blues, y posee una carrera repleta de éxitos y discos capitales; siempre ha gustado a la masa, al fan de biblioteca y al fan poco exigente, por eso sigue llenando pabellones, y está bien que eso le haya hecho rico y que lo escriba. Por lo menos Clapton es un tipo humilde, yo si fuera él no lo sería. A excepción de esta última parte del libro, el resto es una buena lectura sobre música, blues, y adicciones varias con las que este hombre ha estado conviviendo durante dos décadas y pico. Lo único que me falla es que no muestre arrepentimiento alguno por haber firmado discos de una medianía insultante, por haber confiado su carrera en los 80 al maníaco Phil Collins o por haber sido perezoso y descuidado con su arte en muchas ocasiones, sabiendo que hiciera lo que hiciera contaría con el beneplácito poco crítico de sus fans. Eric, arrepiéntete. Esta autobiografía, como tantas otras, es una buena excusa para recuperar discos maravillosos, incluso para reescuchar algunas mierdas, por si acaso te habías perdido algo. Clapton es un fan de la moda, el diseño y la vida de rico, se toma su carrera con la calma y sigue actuando con una media alta (su directo con Steve Winwood es un gran regalo), y sí, Lemmy debe estar en este preciso instante bebiéndose un Jack con cola mientras graba un nuevo disco, pero Eric no es así.